2023年美术素描作品范文模板初中(优秀9篇)

目标总结是实现个人发展和职业规划的基础，我们需要定期对自己的目标进行总结和评估。总结要言之有物，避免泛泛而谈。总结是对过去的经验和教训进行总结和归纳，以下是一些范文，供大家参考和学习。

美术素描作品范文模板初中篇一

与点面相比较,线是最活跃最富有个性和最易于变化的构成元素。在对线的认识方面,我有着一种特殊的感情。无论是中国古代的写意、白描还是西方的塞尚、凡・高、xxx、马蒂斯等现代大师的艺术作品,线都以明确有力的结构性和富于自我表现性发挥着不可替代的作用,并已成为绘画的重要手段。在我国线作为经典的“骨法用笔”,一直也是传统美术的主要手段。

在几何学中,线是点移动的轨迹。没有宽度和厚度,具有长度和位置。这种定义在几何学的范围内是成立的,但是在美术作品中它必须具有宽度和长度才能表现出线的形象。因此,对线的掌握必须控制在宽度和长度有很大差异的形体范围内。

二、在美术作品中线之存在的基本形式。

第一种线是实体线。这种线也可以分为三个方面去认识,即线的总形、线自身的形和线两端的形。如果线是细小的可以不考虑两端的形,但是如果线比较粗的话,两端的形不容忽视,它可以成方角、尖角、圆角或其他形状。线的总形是指其大致的形态及方向,线可以是直的、弯的、曲折的、不规则的。线自身的形如何须得细察方见。如果线是很明显的,则线自身必有两个边缘,这两个边缘的形状与它们彼此的关系决定着线自身的形始终可以是一样的、渐变的、断续的、起伏的或成不规则的形态。

第二种线是感觉中存在的线,即面的界定、面与面的交界、面与面的转折,或点与点的顺序连接,如美术作品中的边界线或轮廓线。今天的画家在被分类时,经常是依照他如何处理轮廓或色块的边缘而定,例如某些抽象派艺术家就被归类在“硬边画派”之下,由此我们可以完全正确推断边界线的处理在产生效果方面是有它审美上的重要性的。在近代美术史中,硬边线相当于一种理智的、有结构的且有组织的方法,硬边美术具有强烈的视觉效果,是在清晰的照明以及准确的焦距下的产物。相对于软边线确是可以触摸的,显示了物体的丰满圆润,以及曲面如何柔和地隐入于轮廓中的样子。更广义上说,我们可以说硬边线是在以划分界限、分类以及作理性分析为主要目的时采用的。但假如一个艺术家只考虑表现统一、融合以及流畅的效果和感觉时,那么柔和性和断续性的边线将是比较适合的。

三、线是中西绘画基本的形式要素之一。

在西方绘画史上,以线条为艺术表现形式的画家和以体面来表现的画家有很大的区别。艺术史家兼艺术理论家海因里屈・渥夫林将这两种不同的观点及艺术创造形式分别称为“线性的”以及“绘画性的”。然而线条所具备的那种基本特质,再加上它描绘事物的力量和奇幻的魔力,使得它在所有的视觉艺术中都有着屹立不倒的重要地位。

在西画的传统的素描或油画中,一条人物头像或半身像的轮廓线的深浅、曲直、虚实的互相交替规律,实质上也与中国画相通。优秀的油画家在处理人物或景物的轮廓时,总是将线的形式要素按不同强度,作有间隔的重复安排,使之节律化,并且深知各段轮廓的长短、虚实、曲直的量度比例,在什么样的分寸上是最恰当的。如果不是出于“硬边艺术”的故意做法,一个画家把轮廓画得像一张剪彩一样,那么就说明他不懂得西画的轮廓也和国画的一条线一样需要变化的道理。可见线在西方传统绘画作品中是影响作品本身的一个很重要的因素。

西方画家深明中国画线法的人实在不多。波洛克《魔鬼》局部,抽象表现主义者波洛克用自动配置与人工选择,表现出复杂的多层次的粗细对比,润涩对比与角度交叉,他的作品属于“线性”艺术,其用线堪与中国书法“屋漏痕”媲美,更突出说明了线在艺术作品中的巨大艺术魅力。

中国书画特别讲究“一画”之美,石涛对“一画”有深刻的论述,他认为中国画的画面都“自一至万、自万以至一”,亿万万笔墨未有不始于此,而终于此,这些思想也与老子思想一脉相承。“一画”,说告诉我们中国画的平面构成的基本单元是“一条线”。全画面所有的线的构成都根据这“一条线”,以后许多线都是这第一条线的相反相成的铺陈,以至完成全画可见“一画”,即一个单线或一个点对中国画全局与创作程序的重要性。在美术作品中单线也有粗细、曲直、方圆、浓淡、干湿等变化。线与线之间又有距离、粗细、长短、浓淡、干湿、角度、穿插、交叉等变化。如采用软硬毫毛笔作画的传统白描,大致可分为两类:紧劲绵长、行云流水的铁线描和顿挫抑扬、起落有致的钉头鼠尾描,其余十多种描法盖源出于此而演化伸发。白描图式中的设计意识,取决于线条变化节奏、韵律、均衡、对比等与审美性质相关的动机契合,以一种美的样式营造画面空间。中国书画在线上作种种变化的努力,其目的不过是状物、传情、悦目而已。

四、线在中西绘画中的差异。

中西绘画中对线的运用有着很大的差异。中国人自古以来一直认为一条线离开写实功能也和书法用笔一样,是具有抽象的独立的审美价值的。而西洋传统画认为一条线毫无意义,用许多线才能描绘一个真实物象的轮廓。而中国画讲究“以形写神”可以看出其线条所注重描绘的是所画对象的“神”而不是“形”,所以不可能用西画中传统意义上的边缘线和轮廓线来具象描绘,那么中国画所讲究的“一画”之美也就不难理解。中西绘画对线的理解和运用虽有差异,但绘画各具特色的本身是否有孰优孰劣之分,再这里就不作过多评论。然而可以肯定的是对线的认识、理解、运用的不同,也是影响中西方绘画不同的一个很重要的因素。

美术素描作品范文模板初中篇二

美术，指占据一定空间、具有可视形象以供欣赏的艺术，一般指除了建筑艺术之外的造型艺术的通称。“美术”这一名词始见于欧洲17世纪，也有人认为正式出现于18世纪中叶。近代日本以汉字意译，“五四”运动前后传入中国，开始普遍应用。美术从来就没有标准答案，诸如：画出来的好看的画，美的艺术品，表达艺术家思想情感的作品，等等。一个人一生不会画画很正常，也不会对其生活、工作产生多大的影响，但是，一个人如果不懂得鉴赏，就是很严重的问题了。为什么很严重呢？社会发展到今天，我们生活的方方面面都存在着美术的痕迹，衣食住行也离不开美术。人类赋予自己创造的物品双重属性，那就是物质性（实用性）和精神性（审美性），当我们选择物品时，其实就是在检测自己的审美水平，因为实用性没有高下之分。举例说明：不同的人买衣服所表现出来的审美观差别就很大，其实更主要的还是审美水平的差异。生活中，我们经常会说，某某人真会穿衣服，其实就是在肯定对方的审美水平。房屋装修，绝大多数的业主总是对设计师的设计有着各种各样的不满意，除去使用上的不方便，就是实用功能的缺陷，更多的是审美的不一致，其实就是审美水平的差异。不是说设计师就一定比业主审美水平高，但是，作为经过专业训练的职业人员，设计师有优势。有名人说过，只有天才的画家，没有天才的鉴赏家。所有的鉴赏家都是后天在艺术实践中培养起来的，如果一个人有意识地在日常生活、学习中培养自己的良好的审美习惯，那么他的审美水平肯定会得到提高，如果能得到正确的指导，就会有更大的提高。人不会仅仅停留在物质需求的无限追求上，是人，总有精神需求，精神需求也有庸俗高雅之分，庸俗的精神需求使人萎靡不振，而高雅的精神追求会使人健康并且充满活力。提高审美能力就会使人在精神追求上有一个正确的方向。

那么，到底什么是美术作品？美术作品，是指绘画、书法、雕塑等以线条、色彩或者其他方式构成的平面或者立体的造型艺术作品。近现代名画家的一些美术作品有：西方的xxx《亚威农的少女》、《格尔尼卡》、《梦》，达・芬奇《蒙娜丽莎》、《人像》，凡・高《星夜》、《向日葵》；中国近现代的齐白石《虾》、《不倒翁图》、《花卉》、《花卉草虫十二开册页》，徐悲鸿《巴人吸水图》、《奔马图》、《九方皋》、《田横五百士》，张大千《山水》、《仕女》、《黄山松》、《四屏大荷花》，吴冠中《北国风光》、《长江万里图》、《狮子林》，朱宣咸《夜》、《旭日红梅》、《迎风》、《今天是儿童节？！》，陈丹青《西藏组画》，陈逸飞《黄河颂》、《古桥》、《踱步》、《大提琴手》，罗中立《父亲》、《荷花池》，等等。这些作品给人们带来精神上的愉悦和灵魂上的洗礼，是人类共有的精神财富，美化了我们的生活。

美术欣赏以美术作品为对象，美术作品由结合为有机整体的内容和形式两部分构成。所以，对美术作品的欣赏，就可以从内容和形式两方面着眼，进而整体地把握和理解美术作品――既体验审美感动又获得思想认识，既把握艺术价值又理解社会价值。

美术作品通过视觉接受作用于人的精神情感，这种作用主要来自美术作品的精神内涵（即内容）。美术作品的内容是美术家在作品中以一定的美术形式表现出来的，即美术形式是美术内容的存在方式。美术欣赏作为从视觉接受到理性认识的过程，美术形式无疑具有先行性，欣赏者必须通过对作品形式的感受、释读、体验，才能把握作品的内在意蕴（即内容）。注意这里的“内容”不是狭义上指一些主题性绘画中的故事、历史人物或情节，而是指所有美术形象所具有的审美的精神内涵。

在对美术作品的欣赏的同时要注意把握以下几点。

1.恰当的心理准备和审美态度。欣赏美术作品首先需要有与之相适应的审美心理准备。恰当的心理准备和审美态度，不仅可以调动欣赏者已有的美术认识、文化修养和审美经验，而且是欣赏者艺术地、审美地与美术作品进行交流和对话的心理基础。

2.调动积极的审美联想和想象。一方面，美术欣赏的形象思维的特点要求欣赏者必须发挥联想和想象力。另一方面，美术作品是美术家的联想和想象力的创造物，欣赏者要领悟其形式和内容有机统一的奥妙，也必须调动自己的联想和想象的审美能力。欣赏者的审美联想和想象，有助于将各视觉感受联结起来，以便完整地把握和领悟美术作品的美感和意蕴。

3.融入真实情感，把握审美体验。审美欣赏是饱含情感的体验活动，欣赏者只有融入真实的感情，才能获得审美感动和审美体验，欣赏者的情感一方面因作品的感染而发，另一方面也可将自己的情感倾注到美术形象中，从而构成审美共鸣，达到强烈的审美体验。

4.结合理性思维理解作品意蕴。美术欣赏不但是视觉感受的活动，而且是理解美术形象与作品内涵的活动。对美术作品做深入完整的把握，只有结合审美感性感受的理性分析，才能深刻地把握作品的内涵和意义。

5.反复欣赏，深入体味。对美术作品的欣赏通常不是一蹴而就的，而是一个需要反复感受、体验、玩味、认识的过程，直至达到全面把握作品形式和内容，获得高层次的审美享受。总之，欣赏美术作品既要注意从视觉感受方面把握作品的形式和形象，又要品察和理解美术家赋予美术形象的内涵和意义；既要重视自己的欣赏感受，又要调动自己的联想、想象和理性分析，获得独到的审美认识。

美术素描作品范文模板初中篇三

中央美术学院油画系的素描教学，是以徐悲鸿先生从法国带回的巴黎美院具有古典主义特点的素描、留学苏联的各位前辈带回的现实主义的写实素描和以延安鲁艺为代表的富于中国本土特色的素描，相互结合而形成的;以“尽精微，致广大”为追求的方向，具有严谨、朴素、深厚、庄重的学术品位。这样的素描教学，为培养社会主义现实主义的油画家打下了良好的造型基础，同时，也是特定的历史条件下的必然产物，是一个时代的要求和时代的选择。

进入改革开放以来，随着人们的思想活跃和转变，素描教学也发生了一些微妙的变化。近十年来，一批青年教员自身艺术逐渐成熟，教学经验日渐丰富，成为油画系的教学骨干，这给我系的素描教学增加了活力与生机。他们在教学的方法和课题做出了许多探索，但没有背离中央美院油画系培养学生严谨的写实造型基础这一基本目的，保持了油画系的教学传统和学术品位。

素描主要是用来训练造型能力的。油画系的素描教学是为油画创作打下造型的基础，而油画特别是写实油画的特点是以油画材料系列为媒介在平面的基底上再现视觉对象的。因此，油画系的素描注重对对象的观察，是从观看对象而产生的正常视觉感受出发的。视觉感受是包含了对象的形状、质感、色彩、明暗及光影和空间等因素，所谓“全因素”的素描就是排除了色彩因素以外的其他因素都要有。现实主义又是以再现处在特定空间的人物为主题的，故此，素描课的大部分课程是人物写生课——肖像和人体，以“全因素”的素描为主。

近些年，为了加强学生对人物形体的理解，我们在二年级增设了解剖课;为了加强对空间透视的把握，增加了透视课。为了使这两门课程成为一年级基础部相同课程的深化而不是重复，一方面提升了课程的难度，另一方面在课题的设置和要求上融入了创作的因素，但是都在摸索和调整中。

我们的本科生，是在二年级半的时候进入到各个工作室，各工作室根据本工作室的艺术方向确定本工作室的教学计划，亦包括素描教学的计划、课题和方法，尽管作业大都是写实的风格，面貌上差异不大，但在教学方法上还是有各自的特色，有各自的着眼点。

外界把第一工作室视为古典主义风格的，是有一些误解的。第一工作室力求对造型做出提炼和概括，让局部的深入服从于整体的大造型，让造型的表情宁静、舒缓、庄重，这些源自古典主义的因素是放置在当下中国的现实形象中的。现实所提供的视觉感受又会让造型的整理和深入的刻画，摆脱西方古典主义的范式。第一工作室所做的，是要利用古典主义的观察客观物象的分析、整理的理性，和艺术处理、造型方法的有序、条理，来培养学生创造中国现实中新形象的能力。这新的形象是能够让观众静心去审视和体会的，是貌似现实的再现却不止于再现的，是用现实的形象来表达现实的意味的，同时，也是表达作者态度的，因为，分析和整理是依据态度的，而理性的态度正是当下人们所欠缺的。

第二工作室传为苏派工作室，近些年出现了明显的变化，他们非常注重从生活场景中捕捉形象，把纷乱杂芜的生活状态中的形象组织成创作的画面，毕业创作以大场面的人物组合居多，因此，构图分析成为第二工作室的重要课程。其构图分析的方法以线形构图和黑、白、灰的色块构图分析为主，又趋近平面化的倾向。与之相配合的素描教学，也自然在刻画对象的生动性的同时，也强调线的结构关系和黑、白、灰色块的组织，以及由此产生的视觉感染力。这种相对平面化的造型特点也为第二工作室注重色彩表达的'艺术特色提供了造型上的支持，同时也有意识地与中国传统艺术产生呼应，并从中汲取养分，使得今后的反映现实生活的创作更具有本土特点，也就更有真实性，这种真实是文化上的。

第三工作室以大画幅、大场景、大空间的方式，让学生动起来多角度地观察，体会视点的变化所带来的视觉感受的不同，在从中选择适合自己的位置。远近、高低各种的不同，使同一个场景产生了多个截然不同的画面，注重位置的经营，构图富于表情，虽为写生却已融入了创作的因素。允许使用多种材料来表现不同的质感和重量感，即让画面生动、变化精微，又提高了绘画的效率。通过服饰及环境的配合来设计人物的身份，使学生在体会对象时，有了明确的方向。人体课的动作设计力求展示结构关系的同时要求视觉效果的突然性，要求学生理解形体，分析性的起始，把握形体的空间感。通过素描的训练，养成学生观察物象的习惯，由观察到体悟，由体悟而理解，由理解而热爱。

第四工作室素描教学要求学生画出自己的性格，有性格地观察对象、理解空间、组织画面，性格的背后则是对独立思考的要求，因为有性格的作品必然出自独特的艺术标准，这是以与众不同的思考、认识为前提的。这就需要同学们在平时养成思考和提出问题的习惯。因此，第四工作室鼓励学生多做探索和尝试，学生的素描也相对多样化。在课题的摆布上，经常出现多种物象、错综复杂的空间关系和不完整的构图，强迫学生自行解决视觉上的纷乱。通过难度来提高学生组织画面和刻画对象的主动性。时而，大场面多人物的素描课题，时而，快速的短期素描，也鼓励学生相互协商设置课题和课下自主设置课题。对作业所用的工具材料也不作限制，总之，能力和创造性兼顾。

教学是双方的事，老师提供知识和经验，学生学习的主动性也至关重要。视觉上的新鲜感可以提高学生的作画兴趣，同时也会促进对造型的理解和对局部与整体的理解，打破惯性，激励思维，进而提升艺术的创造性。各工作室在此方面都作了努力。

现在的中国开始进入了一个新的时期，在文化上从“为工农兵服务”向“为人民服务”发展，要以自身的文化传统为基础发展出适应乃至引领当代生活的新的艺术。传统的以形成体系的素描教学面临着新的问题、挑战，这也是新的机遇使我们有可能在现有的基础上发展出新的、多样的素描教学方法，培养出能力更强、更有创造力的学生，更好地为新时期做出自己的艺术贡献。

美术素描作品范文模板初中篇四

在学习、工作中，大家总少不了接触论文吧，借助论文可以有效提高我们的写作水平。那要怎么写好论文呢？以下是小编为大家收集的初中美术教育的素描教学探讨论文，欢迎大家分享。

美术教育是我国中学教育的重要组成部分，也是我国培养德智体美全面发展的人才的客观需要。而素描是美术教学的重要组成部分，是培养学生绘画、设计能力的重要基础。在初中开展美术素描课程的主要目的在于培养学生细致的观察力、造型能力、表现力、创造力及审美力。但是在我国的美术素描教学中，却存在较多的问题，主要表现在教学方法单一、教学内容死板，严重的制约着学生思维的培养。

1.课程内容较为死板

初中素描教学的主要目的在于奠定学生的美术基础，为培养美术人才做准备。但是很多教师却没有真正认识到初中素描教学的重要性，对素描的概念也模糊。在课程的安排上存在较大的局限性，教学内容千篇一律，没有根据学生的特点进行设置。在初中素描教学中，教师所安排的素描的内容基本上都是一些规则的集合体，或者是一些石膏人、石膏像等，大多数上课方式都是以学生模仿为主，丝毫没有发挥其想象力。

2.教学观念较为落后

思想是行动的重要指导，只有正确的教学理念才能上好课，只有教学理念能够跟上时代的步伐，才能够用现代化的教学方式和教学模式进行教学。受传统的应试教育影响，我国的初中素描教学方式也一直都没有跳出过去的思维，还是教师先画，然后在画的过程中进行技巧的讲解，并且总是追求细节上的相似性，这样一来反而限制了学生的思维，学生的.想象力也无法得到发挥，变成了模仿的工具，从而失去了创作的能力。

3.学生的潜质没有得到挖掘

任何学科的老师所起到的作用都应该是一个引导的作用，美术素描教学也一样。在初中阶段，学生的美术思维正处于一个待开发的阶段，可塑性较强，存在较大的潜力。但是受应试教育的影响，很多美术老师认为美术教学不是初中教学的重点，因此在素描教学中总是应付了事，很少能够根据学生的思维特点建立一套完整的素描教学体系，来对学生进行素描训练，挖掘学生的美术潜质。

初中阶段是学生思维比较活跃的阶段，初中美术素描教学的主要目的在于使学生掌握基础的素描技巧，培养学生细致的观察力。笔者根据相关的教学经验总结以下几点：

1.要使学生树立整体与局部结合的观察意识

初中的素描教学所教授的都是一些基础的知识和技能，但是一定不能忘记学生思维的培养。整体的观察方法是素描中最重要的方法之一，观察是作画的重要环节之一，观察能力的大小直接影响作品的质量。但是，也不能放弃对局部的观察，教师应该不断地指导学生在整体观察的基础上进行细致的局部观察，要细致地了解构图、形体、比例和结构各方面之间的关系，这样，学生的素描技能以及综合素质才能不断提高。

2.注意学生素描方向的引导

素描主要训练的是学生的基本绘画技能，在素描教学中，教师应该正确引导学生素描的方向，处理好素描过程中图画明暗关系的对比，形体和结构之间的关系、图形的比例关系、图形的空间几何关系以及线线组合关系等。对于明暗关系的把握，主要要把握的就是黑白灰三种颜色之间的关系、远近的虚实关系、物体投影与物体本身的关系。在图形形体结构的处理上则要把握形体与结构的不同，一般而言，形体主要是指物体的外部性状，而结构则主要是物体的局部构造关系。而在图形的比例关系上所要掌握的就是外形大小的比例、颜色深浅的比例情况等。空间关系是一个比较难理解的概念，它不仅包括物体本身各个面之间的空间关系，同时也包括物体与周围事物之间的空间关系。至于线条的组合关系则比较好把握，线条的组合是构成平面图形的重要基础，通过一定量的积累，学生很容易学会。

3.注意学生思维的发散

在初中阶段，虽然美术素描教学最直接的目的在于使学生掌握一定的绘画技巧，但是还要注意学生思维的发散，以培养优秀的美术人才为主要目标，重视学生逻辑思维能力的培养。例如：在《边吃边看的艺术》这一课的教学课程中，教学的主要目标在于培养学生的想象能力，因此，教师应根据课程要求，注意引导学生联想与吃相关的饮食用具中所蕴含的文化，鼓励学生进行多方面的思考，然后让学生通过联想设计相关的作品。

综上所述，我们了解到，素描是绘画的重要基础，也是一种重要的艺术形式，初中美术素描教学的目的在于使学生掌握基础的绘画技能。但是，也不能忽视学生整体绘画思维能力的培养。本文主要对当前初中素描教学中存在的问题进行了归纳，并对初中素描教学策略进行了阐述，希望能够为相关的研究提供新的思路。

美术素描作品范文模板初中篇五

教学目的介绍素描的基本概念，了解素描这个重要画种的发展。掌握素描的材料和功用。理解素描在艺术和社会领域中的地位与意义等等。使学生透彻的理解本门课程的具体含义，为接下来的素描静物实践训练作理论指导。

二、教学重点与难点。

1、介绍素描的含义。

2、掌握素描的材料和功用。

3、理解素描在艺术和社会领域中的地位与意义。

三、教学方法。

讲授、画稿示范、巡回辅导、作品赏析。

四、教学内容与过程。

（一）何谓素描：

1.素描(drawing)、速写(sketch)、素描(dessein)。

2.由木炭，铅笔，钢笔等，以线条来画出物象明暗的单色画，称做素描。素描是一切绘画的基础，这是研究的过程中所必须经过的一个阶段。(艺术家杂志，论素描--萧如松)3.素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法，如蜡笔，炭笔，钢笔，画笔，墨水，及纸张，其它还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，金属，石器，容器或布的表面所造成的磨损。(艺术视觉百科全书)4.轮廓和线条是素描的一般称谓。素描具备了自然律动感，观者从欣赏过程中可感受这一点。不同的笔触营造出不同的线条及横切关系，并包括节奏，主动与被动的周围环境，平面，体积，色调，及质感。

5.素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。(大不列颠百科全书)6.在西洋美术辞典(雄狮图书公司出版)这本书中，与素描相关的解释，只有速写一项，文中认为作品或作品部份的粗略草图，是艺术家针对光影、构图和全幅之规模等要点所作的研究和探讨；它是全幅画的初步构图或其中之一。一幅出自风景画家的速写素描通常是一幅小而快的记录，用来表现风景的光线效果，同时也是为了将来重新作画时的构想作准备。

（二）素描的地位：

1.素描为一门独立的艺术，具有独立的地位和价值。

2.素描是其它艺术的必然基础，尤其是水彩，油画，版画，雕刻(浮雕)，另外对平面设计，也是画草图的必要基础。素描虽然被视为是两度空间的艺术，不需要颜色及第三度空间，却也同时暗示这两者。

3.素描是画家工作的最后成果，也可以作为复制或摹写的基础，但以它的性质而言，它是独特的。虽然各种艺术不一定都要先绘出素描稿，但素描却是一切观赏艺术的基础。在作画时往往预先勾出轮廓作为草稿，然后用色彩渲染，当艺术作品完成时，素描稿常被掩没或销毁。因此，素描只是一种技术准备。到14世纪末，素描不再仅是附属品，而成为一门独立的艺术。它有着广泛的表现范畴：能表现体积、空间、深度、实质和动作。文艺复兴以后，素描已不仅只有实用地位，而是成为能代表人类创作能力的艺术品。

（三）素描的技法和种类：

1.线和线条技法，素描的要素是线，但是线在实质上却是不存在的，它只代表物体、颜色和平面的边界，用来作为物体的幻觉表现。直到近代，线才被人们认为是形式的自发要素，并且独立于被描绘的物体之外。

2.素描是用线条来组成物体的形象，并且描绘于平面之上，藉由线条形式引起观者的联想。例如两条线相交所构成的角形，可以被认为是某平面的边界；另外加上第三条线可以在画面上造成立体感。弧形的线条可以象征拱顶，交会聚集的线条可表现深度。人们可以从线条的变化当中，得到可以领会的形象。因此透过线条的手段，单纯的轮廓勾勒可以发展成精致的素描3.在素描中可以用线条区分立体与平面，至于色彩明暗是为了加强和厘清整体与部分的关系。我们可以运用线条的开始，消失和中断来画出边界，并且形成平面，也可使色彩至边界而上。线条的粗细能表现物体的变化，甚至光和影也可用线条的笔触变化表现出来。

4.素描的线条技法还需要平面技法的辅助。平面技法在使用炭粉笔时，在明暗对照上可用擦笔法。而更重要的是使用毛笔画法，因为毛笔能发挥笔触的宽度和笔调的强度并且能增加空间感和立体感。素描也可用多色画笔作为基本材料，用来加强素描效果以及素描的艺术性。

（四）素描工具：

1.素描的工具种类很多，如石笔、炭笔、铁笔、粉笔、毛笔、铅笔和钢笔等；也有用钻子和金钢石作画的。工具的不同关系着素描的性质和构图，工具也能影响画家的情绪和技巧。

2.工具的选用取决于画家所想要达到的艺术效果。一般认为，干笔适宜作清晰的线条，水笔宜于表现平面；精美的笔触可用毛笔挥洒，而广阔的田野则可用铅笔或粉笔去勾勒。炭笔是两者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品适宜用木炭来画，对于轮廓、照应等可经长久的时间细细研究、分析。至于铅笔适合较小尺寸，很少大张的铅笔画，而钢笔画则更小了，往往在插画上用得较多。

（五）素描题材：

1.素描原是为绘画、雕刻等艺术服务的，后因其流畅、充实和美观，发展成为独立的艺术。其题材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和风景为主，而西方的素描常是人物和静物，到了１９世纪又出现以日常生活为题材的素描。其它还有想象和抽象素描、艺术性建筑素描等。

2.至于２０世纪的素描似乎是反映不安、动荡和科学进步的。其中一些以表现线条豪放为特色。还有一些画家试图把生活纳入几何图形中(立体派)。

3.在２０世纪各流派中也有x射线式的技法，即同时看到外部和内部。表现主义画家追求“表现一个场面的感情而不是描绘事物的现实外表”，超现实主义者则着重表现潜意识心理。

4.除以上所列举各种形式的素描之外，还有实用性和技术性素描。实用素描要清晰地记载一件客观事物，从总体上说，它不重审美，而突出技术设计。实用素描包括为科学目的而作的插图与说明。很多艺术家作过科学说明的素描。

5.文学作品中的素描插图，一般是为某段文字描写而作的图画说明，但因它表现了画家特有笔法风格，至今还享有崇高的艺术声誉。与此相关的还有漫画，这是用于社会批评而创作的一种假定性图画。并由此而发展成连环图画，进而演变成现代卡通动画片。

（六）为什么把素描做为一切绘画的基础和必修课程来训练：

首先是它色调的单一性，易于掌握和表现。同时是它的工具也比较简单。从时间的划分素描可以分为长期作业和短期作业。一般来说长期作业为8个课时，短期作业为4个小时左右。也有更长的作业。从训练的方法可以划分为习作性素描和创作性素描。作性素描就是我们平时在课堂上的作业，创作性素描就是用素描的表现方法进行做画。

（七）素描的基本要求：

1、首先要构图完整，画面没有凌乱的感觉。同时形体要准确。

2、基本色调要准确到位，这里的色调包括光影和物体的固有色。

3、要注意物体质感和量感的表现，质感就是物体材料的属性。比如它是什么材料做的是金属的，玻璃的，还是陶瓷的等等。量感就是物体在视觉上产生的重量，而不是物体本身的重量。

4、空间感的塑造是绘画的重点。空间感就是说整个画面的深度，这就包括物体和物体之间的视觉距离，物体和背景的视觉距离。

5、素描长出现的几个错误，画面发灰就是指在塑造明暗时没有把黑白色调拉开，用一种色调或相近的色调画了所有的物体，就容易出现灰的错误。还有就是发花，发花的原因是因为画面用了很深和很浅的色调去表现所有的物体，缺乏过度的中间色调。和画面发灰正好相反，它们两个错误应该是互相弥补的。

（八）素描线条的演变：

1.线条的解放：(安格尔对绘画线条的革新)。

(1)在古典主义法则笼罩之下，线条本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2)安格尔最大的贡献便是打破将线条仅限于对物象比例描绘的限制，而拓展到图案花纹的形式。

(3)对安格尔而言，人体的比例并不求自『自然』或实证的实现，他运用曲线在画面上探求人体之比例位置与姿势。这种直接运用线条在画面的处理，强调画面的平面性，使事物本身之重要性，附属于形式要求之下。

(4)讲求结构与形式，而不惜更改事物原有比例以配合整体视觉完整，同时并介入了图案花纹式之构图。2.强调线条本身意义与表达的特质。3.线条的运作成为个人内在律动与情感的抒发：

(1)一个线条在画面的行进的痕迹，乃接受自创作者内在自发性律动的影响。

(2)德拉克洛瓦将个人感情强烈投射在线之运用，不只将线条的功能远脱离古典传统，并将素描积极推向绘画，使绘画上明显笔触的物质性增强，奠定现代绘画发展的基础。

（九）东方的素描：

1.西方人认为，纯素描在远东极负盛名，多数的中国及日本艺术家都只作所谓的毛笔素描，他们不采用不透明的颜料，而以直接的笔触造成整体。在波斯--瑞札，阿巴西(rizaabbasi，1565年)也同样不用颜色而以书法线条来表现创作，把其思路幻想透过笔和刷子表现出来。

2.我国的山水，兰竹，花鸟，水墨画，实在完全是一种素描，自由潇洒素雅的感觉。虽然寥寥几笔，可是这里面也含着与油画同样的条件。也要有气韵，有强弱，有力量。

3.中国早在公元前二世纪就已出现了素描，到汉朝末年，以线描为其特色的壁画已有很多，北魏和唐朝以后，中国素描画即相当普遍地出现在绢、纸和册页上。

（十）艺术家对素描的态度：

不少艺术家曾临摹其它艺术家的素描，如鲁本斯(rubens；公元1577~1640年)、林布兰特(rem．brandt；公元1609~1669年)及梵谷(vangogh；公元1853~1890年)。临摹者藉素描以学习人师的风格及语汇，以便再创高峰。这是学习素描极重要的一步，也是准备作画的不二法门。以下是艺术家对素描的态度：

1.一种特殊风格：窦加(degas)，罗特列克(lautrec)，梵谷(vangogh)2.兴趣：林布兰(rem．brandt)，哥雅(goya)3.复制用：杜米埃(daumier)，季斯(guys)。

4.为鉴赏家而作：卡拉齐(caracci)兄弟，保罗.布利尔(paulbril)，拉法吉(lafage)5.用素描作馈赠：米开朗基罗(附录一)。

（十一）常用的素描用语：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整体在量或尺寸方面的关系。

3.构图：各部份的一种配置法，依照经过设计的格式，一致的比例，或重复的体系去安排。

4.轮廓线：描述前进或后退的形状之变化方面的一条断续线或连续线。

5.平衡：在设计或绘画里，各项元素达到均衡的状态。

6.线影：平行或靠近得足以形成一个面的断续线。

7.立体表现法：控制明暗的逐渐变化以创造实体形式的错觉效果，使物体有三度空间的特质。

五、作业安排。

1、鼓励学生博览素描图书，了解素描静物课程基础知识。

2、通过图书馆和网络渠道查找并阅读东西方素描绘画的历史发展。

3、临摹一幅优秀的素描静物作品、课堂写生一幅素描静物，要求质量高、理解全面。

美术素描作品范文模板初中篇六

（一）充分发挥学生的自主学习和探究的精神，培养正确的审美情趣和追求正义与公正的价值观。

(二)让学生在积极参与讨论.探究.体验的过程中,了解美术鉴赏的方法和程序,理解作品的意蕴。

二、教学重点：了解作品中艺术语言与主题表达的关系。

三、教学难点：理解象征性和立体派的艺术手法。

四、教学准备：学生课前准备：查阅相关资料；准备铅笔、课本。

五、教学方法：欣赏法.理解法.

六、教学过程：

（一）．导入：1、联系学生在生活中绘画时对情绪的体现和认识，体味情绪与作品风格的关系。

2、提出问题“这节课我们也来欣赏一幅绘画作品，你来设想一下，他们是在什么情绪下创作绘画的？”激发学生学习的欲望。

（二）、学习新内容：

1、直观感受作品，并描述其带来的心理感受。

2、探究：理解作此文转自斐.斐课件.园品内涵应从几个方面入手。

美术素描作品范文模板初中篇七

多年的素描考试，让很多学校和学生产生了一种错觉，认为素描就是用铅笔描绘出试题所要求的内容，而且越具体、越细致，考试成绩越好，却忽视了与这些内容同等重要的绘画的形式语言，也就是画面中的点、线、面、形态、空间的意义，以及它们对于完成画中的内容所起到的作用。我们常说的“形似”实质描绘事物的外表，而“神似”则是指事物的内在关联。比如，我们既要刻画门窗、桌椅、人物花卉、水果的形状，又要懂得并且画出由这些形状所构成的大小、曲直、软硬、松紧、黑白等画面空间关系。能够在自己所刻画的事物之中，观察和寻找出造型上的规律，了解这些规律之间的相互关系，并运用这些关系去创作，将刻画出的`形象完美、有序、创造性地结合在一起，做到真正的神形兼备，这才是素描考试的意义所在，才是素描的综合能力所在。因为素描考试是一种关于分析问题与解决问题能力的水平测试。

失重原本是一种物理学意义上的空间现象，现在成为了一种美学意义上的空间现象，而且是相对于正常现象的反常现象，它呈现了事物在微重力环境下所处的不确定状态，这种状态值得描绘，更值得联想。

与正常的空间状况相比较，失重表现出的特点是“动”，而不是“静”。这是两种不同的审美状态，前者是正常的，后者是反常的。而我们更习惯于审美的正常状态，习惯于在正常状态下对于静态事物的描绘，具体地说，是对于那些具有确定性因素的事物的描绘，并且由此养成了绘画应该是一种正常状态的审美判断。也正因为此，我们只习惯于描绘“静”，不习惯于描绘“动”。因为“动”有违于正常的审美准则，它的不确定性常常让我们无从把握、无从判断，久而久之，我们便只能认识“静”，不再认识“动”了。这就是我们画得了“静”，画不了“动”的原因，也是我们始终依赖客观描绘，敬畏主观表达的原因。

其实动态的事物，并不比静态事物更难于描绘，只是描绘的意义有所改变，由原先对于“静态空间关系的记录”，变为了现在对于“动态空间关系的组织”。一种是被动的刻画，另一种则是主动的塑造。而审美教育的核心，恰恰是培养学生主动塑造的能力;主动的塑造形象、主动的塑造画面、主动的塑造视觉规律，并最终达到塑造他们自己的目的。长久以来，我们过于重视了被动的刻画，过于轻视了主动的塑造。所以我们越来越擅于用手去画，越来越不擅于用心去想，不知不觉中，我们审美判断能力已经变得不再完整。

失重虽然改变了原有视觉因素的规律，也就是“静中求动”。却让我们发现了新的视觉因素的规律，也就是“动中求静”，这无疑是对素描教学的思维拓展。以往我们画画，是在规律中寻求变化，重在刻画记忆，是能力的体现。现在我们画画，是在变化中寻找规律，重在调动记忆，是想象力的体现。我们的素描教学正在改变、也正在进步，还需要更多的教育者和受教育者参与其中。

美术素描作品范文模板初中篇八

各位评委老师，上午好，我是_____号考生。

今天我说课的题目是《____________》。首先我们来进行教材分析。

本节课出自______________出版社出版的初中《________》第__册第__章第__节。

1、本节课分____个部分内容，分别是：___________________。

2、本节课贯穿了______以后的整个教学，是学生进一步顺利、快捷操作____的基础，也是形成学生合理知识链的重要环节。(这条基本上通用)。

3、本节课联系了________和_________，在以后学习______具有重要意义。

4、本节课是在学习______的基础上，进一步学习___________的关键。

（以上4条，灵活运用，不用全部说上就行。可以参考序言中的句子，主要是说学习本节课的意义。）接下来说一下本节课的教学目标。

知识目标：

1、

（只要说出本节课要讲的知识点，也是重点难点就行）。

能力目标；

1、通过讲练结合，培养学生处理____、解决问题的能力。

2、分组学习方式，培养学生与他人沟通交流、分工合作的能力。

3、通过设置问题情境，提高学生分析和解决问题的能力。

（根据需要选择能力目标）。

情感目标：

1、培养学生认真、细致的学习态度。

2、通过发现问题、解决问题的过程，培养学生合作精神，增强学生的求知欲和对学习计算机的热情。（对于教学目标，因为时间短，不一定要分成这三个目标，只要说出3点就行。）。

当我们对教材进行了分析并且了解了教学目标之后，就不难理解本节课的重点与难点。

重点：

难点：

（对于重点、难点，依然是说出本节课的内容就行，可以参考本节课的题目和各部分的标题）。

那么，究竟应该怎样来完成本节课的任务呢？下面说一下本节课的教法和学法。

1、范例、结合引导探索的方法，激发学生的学习兴趣。

2、教师精讲、学生多练，体现了以学生为主体、教师为主导的教学原则。

3、采用类比法，引导学生发现问题，自主学习，从而体验到独立获取知识的喜悦感。

4、通过“教”“学”“放”“收”突破重点和难点。

（根据需要任意选取教法。2-3个就行。根据时间自行安排。）。

教学相长，本节课我所采用的学法主要有两个。

1、主动学习法：举出例子，提出问题，让学生在获得感性认识的同时，教师层层深入，启发学生积极思维，主动探索知识，培养学生思维想象的综合能力。

2、反馈补救法：在练习中，注意观察学生对学习的反馈情况，以实现“培优扶差，满足不同。”

最后我们说一下本节课的教学过程。

本节课在多媒体教室进行，所需教具是教师机---学生机、投影仪、黑板、等。

我将本节课分为三个部分。

用约5分钟时间进行导入部分，主要是复习和引入新课。

用约20分钟时间进行正体部分。主要是通过讲练结合的方式完成对_____、______、______、________几部分的学习。

最后，用约5分钟的时间进行尾声部分，主要是小结和作业。

或者说是，对本节课进行总结以及布置作业。

（2、我是按一节课40分钟分配，待考证。

（3、大概模式是这样的，你根据时间要求自行取舍吧。

（4、声音一定要大，语速不能太快。对于教学目标、重点、难点等表示你说课流程的词汇要突出。但是，不要板书，浪费时间。

（5、注意，偶尔要看一下评委，眼神交流。

最后要说“说课完毕”

对于试讲，引出这节课，之后顺手把本节课的题目写黑板上。要用力写清楚。

如果觉得整节课讲不完，你可以说我今天主要讲____几部分。因为没有学生,所以讲的不要太散,要有思路.如果能显出你跟学生交流的过程就显一次,不然的话,就直接讲自己的。

试讲完毕。

答辩如果是评委直接提问，简单想想回答即可。

如果是给你纸条自己看，你就不要读题了，普通话一般，呵呵`思考半分钟，说首先我来回答第一题。

答辩完毕，请老师多多指导。（鞠躬）。

美术素描作品范文模板初中篇九

素描考试是一种关于分析问题与解决问题能力的水平测试。以下是百分网小编搜索整理的关于清华美术学院素描专业考试优秀作品分析，供参考借鉴，希望对大家有所帮助!想了解更多相关信息请持续关注我们应届毕业生考试网!

多年的素描考试，让很多学校和学生产生了一种错觉，认为素描就是用铅笔描绘出试题所要求的内容，而且越具体、越细致，考试成绩越好，却忽视了与这些内容同等重要的绘画的形式语言，也就是画面中的点、线、面、形态、空间的意义，以及它们对于完成画中的内容所起到的作用。我们常说的“形似”实质描绘事物的外表，而“神似”则是指事物的内在关联。比如，我们既要刻画门窗、桌椅、人物花卉、水果的形状，又要懂得并且画出由这些形状所构成的大小、曲直、软硬、松紧、黑白等画面空间关系。能够在自己所刻画的事物之中，观察和寻找出造型上的规律，了解这些规律之间的相互关系，并运用这些关系去创作，将刻画出的形象完美、有序、创造性地结合在一起，做到真正的神形兼备，这才是素描考试的意义所在，才是素描的综合能力所在。因为素描考试是一种关于分析问题与解决问题能力的水平测试。

失重原本是一种物理学意义上的空间现象，现在成为了一种美学意义上的空间现象，而且是相对于正常现象的反常现象，它呈现了事物在微重力环境下所处的不确定状态，这种状态值得描绘，更值得联想。

与正常的空间状况相比较，失重表现出的`特点是“动”，而不是“静”。这是两种不同的审美状态，前者是正常的，后者是反常的。而我们更习惯于审美的正常状态，习惯于在正常状态下对于静态事物的描绘，具体地说，是对于那些具有确定性因素的事物的描绘，并且由此养成了绘画应该是一种正常状态的审美判断。也正因为此，我们只习惯于描绘“静”，不习惯于描绘“动”。因为“动”有违于正常的审美准则，它的不确定性常常让我们无从把握、无从判断，久而久之，我们便只能认识“静”，不再认识“动”了。这就是我们画得了“静”，画不了“动”的原因，也是我们始终依赖客观描绘，敬畏主观表达的原因。

其实动态的事物，并不比静态事物更难于描绘，只是描绘的意义有所改变，由原先对于“静态空间关系的记录”，变为了现在对于“动态空间关系的组织”。一种是被动的刻画，另一种则是主动的塑造。而审美教育的核心，恰恰是培养学生主动塑造的能力;主动的塑造形象、主动的塑造画面、主动的塑造视觉规律，并最终达到塑造他们自己的目的。长久以来，我们过于重视了被动的刻画，过于轻视了主动的塑造。所以我们越来越擅于用手去画，越来越不擅于用心去想，不知不觉中，我们审美判断能力已经变得不再完整。

失重虽然改变了原有视觉因素的规律，也就是“静中求动”。却让我们发现了新的视觉因素的规律，也就是“动中求静”，这无疑是对素描教学的思维拓展。以往我们画画，是在规律中寻求变化，重在刻画记忆，是能力的体现。现在我们画画，是在变化中寻找规律，重在调动记忆，是想象力的体现。我们的素描教学正在改变、也正在进步，还需要更多的教育者和受教育者参与其中。