美术创作油画论文范文汇总(模板14篇)

不断总结和总结，我们才能不断成长和进步。在写总结时，要注意避免使用复杂难懂的专业术语，以确保读者易于理解。下面是一些优秀总结的特点和规范，希望对您的写作有所帮助。

美术创作油画论文范文汇总篇一

1.地域性与国际化相统一的原则。

校园文化作为一种文化形态具有双重性：一是作为亚文化，会受到地域文化的重大影响。因此表现有民族性；二是作为现代文明的产物，必须会受到国际上，特别是教育先进国家校园文化的影响，因此会有国际性。作为地域性的校园文化方面，校园文化的设计必须充分考虑到与民族传统文化的关系。只有如此，才能设计出为广大全体师生员工接受又通行于现代教育的校园文化。

2.精神与物质相一致。

校园文化的构成可分为物质性要素和精神性要素两类。前者由教学仪器设备，校风校貌、教学质量、实训、奖助学金等因素组成，后者体现为校园群体的礼仪习俗、理想价值观、思维方式、品质作风、教职人员文化层次等方面。必须同时注重两个方面要素的建设和发展。物质性要素和精神性要素是构成的校园文化的基本因素。

3.个性与共性相统一的原则。

校园文化的个性表现为区别于其他学校的作风、习俗、奋斗目标、以及仪器设备状况、校容校貌、人员受教育程度等等。校园文化的共性是指所有的院校共有的校园文化特性，表现为共通的物质方面的特性，比如完善的现代化教学环境，即先进又完善的试验实训基地等。全国的大多数院校都处于校园文化的建设进程中，在基础的优势上，都在挖掘和塑造自己院校的个性，重在要尽全力使自己学校的.校园文化区别于其他的校园文化，这是体现一个院校特设办学价值的重要条件之一。设计者和全体员工的共同努力。校园文化的共性与个性不是彼此对立、相互分离的，而是一个统一体。个性中隐含着共性，共性富于个性之中。我们在进行校园文化的设计时，务必记住这一点。

4.整体艺术与局部美学相统一的原则。

校园文化是一个文化艺术系统的工程，是由许多局部分子组成的整体。为了校园文化建设成为一个美学系统有效地发挥作用，就必须同时建设校园文化的局部主要是指院校的礼仪美学、价值取向、人文社科、教工德育心里美学教育工作等，构成校园文化的基本要素。校园文化的整体即由各种要素之间相互联系形成的艺术整体，它体现为院校的办学理念、内含和外部形象等。校园文化的整体呈现也就是每一所院校表现出丰富的特色办学及良好的外部形象展示。

二、校园文化设计的特点。

1.教育民族化。

校园文化是地域文化艺术的具体体现由地域精英人才工共同创造的。好的校园文化最大程度上是在转变的人的观念和创建民主的和谐环境之中构建的高度重视创造型人格的培养，把员工看成是地方经济建设起引领作用的主体，充分重视他们的才能和需要，物质利益即身心健康的需要，文化生活美德的需要，这是校园文化的中心内容之一。从这点上说，校园文化实际上是民族精神的化身。

2.作用系统化。

作为教学基地和文化美学相结合的产物，校园文化也是受行政管理的精神文明建设而造就成的一种既定的文化环境，校园里的每一个教员在育人中形成的社会需要的价值观念、规范的美学思想和道德准则。

3.循环整体化。

校园文化是学校在教育教学过程中精神、思想成果的沉淀，是以整个学院的建设和发展为出发点和立足点的。学院的根本任务是教书是育人，校园文化的整体活动都要围绕教书育人这一核心而展开，都要参与实现整个学院文化建设工作的大循环。学院机构设置的各个系部、各个教辅系统，都是从维持学校正常教学运转、保证学院终始目标而考虑的。它的运转无一不统一在学校总体的大目标之下而和谐地共振，就好比太阳系的九大行星虽然各自有着各自自传的规律，但始终不脱离公转的运行轨道一样。

4.目标集体化。

校园文化要体现以人为本的思想，调动教工的主动性、积极性，目标要具体化目标要具体实在，它包含学院在一定时间或阶段内要达到的标准、数量的指标和最佳的可见效益，其中体现着丰富的精神道德成果，并采取切实有效的具体的措施把它变成全体教职员工共同遵循的指导思想、启迪他们在为完善学院特设校园文建设目标过程中实现自身的价值。

三、校园文化设计的重点。

1.培养校园道德。

校园道德是校园形象的内在要素，是实现教书育人目的的关键所在。校园里有良好的道德声誉，如教学质量高、教师之间互敬互爱、互相帮助，教师对教育事业认真负责、无私奉献等等，都是学校发展壮大和兴旺发达的力量源泉。因此，要充分重视校园道德文化的建设，分别制定不同层次，不同标准的道德规范，在实践教学中全力培养并使之成为全体教职员工广大师生的自觉行为。

2.培养校园精神。

校园精神是校园文化的核心。校园精神是指经过长期培育、倡导而形成的具有校园独特个性和激励作用并为广大职工共同接受的群体意识、生活信条和行为准则。如“无私奉献、争创一流”等等。没有优良的校园精神，就没有良好的校园素质和校园形象，建设校园文化，要十分重视校园精神素养的加强，以团结创新、律己务实、勇于实践、奉献守法为内容，规范学校每一名师生员工的行为，形成共同的价值取向和信念基础，激励学院教职员工为提高职业教育中的特色办学而努力工作。

3.创立校园哲学。

校园哲学是学校运用了马克思主义的辩证唯物主义和历史唯物主义在创造物质财富和精神财富活动中形成的世界观和方法论。在市场经济逐步创立，金钱至上观念泛滥条件下，正确的时间和方法论显得至关重要。综上所述校园文化建设，有着诸多内容和更多需要我们去探索的实际问题，做为高职的教育工作者，我们责任重大，我们不但要培养学生创作力，而且还要通过这一实质的精神内涵去将努力的把握提升校园文化使我们的热土更完美。

美术创作油画论文范文汇总篇二

摘要：本文主要从分析在数字媒体影响下的油画现状入手，引起对“精神被技术奴化”之反思，提出对油画写生的重新认识，强调了当下进行油画写生对创作的重要性和必要性，希望在创作中建立情感互动，以“眼见”为标准，画家要抓住对对象的感受，独立思考，并合理运用科学性与艺术性，才能创作出震撼人心灵的艺术作品，达到与观者的有效情感交流和沟通。

关键词：油画写生；创作；数码媒介；艺术与科学；精神；技术。

伴随着数字技术的迅猛发展，数码媒介被广泛使用，我们原有的思维方式、价值观念也随之发生了巨大变化，甚至也使视觉艺术远远超出了传统视像――绘画的具体范畴。利用数码媒介似乎成为当今不少艺术家创作中必不可少的手段，一些在数码媒介影响下的绘画创作也成为大量“拟像”拼贴、集合、抽取、分离的聚散过程。

如今，在代表着油画新生代的“油画研究生毕业创作展”上，大家的眼前已被“广告化”“卡通化”“装饰化”“工艺性”等视觉效果所填塞。而纵观当代的油画创作，也有不少作品也大同小异的以此面目出现，一味追求视觉的新奇异。观者麻木的观看，已经体会不出画面带来的视觉激情，也不能从画面中觉察出作者创作情感自然的外溢。画面中数码雕饰的图像印迹显而易见，油画颜料独特的魅力无法看到，油画独特的色彩魅力在这里也没了用武之地。

一直以来，我们都在不断追求艺术的经典，而艺术的经典恰恰是艺术的原创和个性的独创，但数字技术的发展却让这种原创的韵味渐渐退出了这个舞台。对于创作主体而言，以前的艺术家要创作一幅好的作品，都要经过很长时间的构思，收集素材，并绘制大量的草图，完成情感的体验与释放的全过程后，才最终完成一幅作品。而如今的一些画家却很少去写生，也很少去体验生活，创作中其实是缺少直接体味和感受的，有的甚至通过相机或者电脑软件就能够完成创作，所以根本谈不上有感而发。他们把绘画完全当成一种艺术生产，借用现代技术和技术理性，虽然制造了一些新的有意味的艺术形式，也给人们带来了新的视觉感知方式，但创作者的精神生产领域却彻底地被奴化了，技术成为操纵、控制人的一种新的意识形态。当然其艺术精神的独立性与自由性在这种创作过程中无疑也被商品化了，成为只会按照同一模式、批量生产，成为标准化的复制品，而非个性张扬的艺术品，而艺术传作创作恰恰最需要的就是原创与独创。数字技术的发展，使绘画艺术的原创韵味逐渐消解，机械复制和技术拼贴慢慢剥夺了艺术家的独创性。殊不知绘画缺少对生活的真切体验和对绘画表现力的`研究，只剩下空洞的概念形式的时候，随着一时光晕的褪去，最终还是会被历史所淘汰。

法兰克福学派认为，后工业社会以现代科学技术为手段，将整个人类社会高度统一化、标准化、精致化了。我们不可否认技术理性通过机械性运作，把造物活动从传统领域中解脱出来。在这样的机制下，以艺术面目出现的文化工业实际上是一个大杂烩，只是为单纯的娱乐和消遣，也只能给人们提供最简单的精神满足。在数字时代，人们逐渐被塑造成爱好和个性相似的群体，当与自我相关的艺术以及纯绘画，逐渐让位于和技术文化相关的艺术时，一种纯艺术的经典慢慢被消解。

我们观看目前绘画界的现状，不少所谓追求现代风格的画家们，愈来愈远离了健康、崇高而庄严的艺术精神，他们通过数字技术创造出所谓的艺术品，艺术的经典性此时已不再被重视，而真正的“绘画性”成了一个被遗忘的名词。许多艺术家直接用数码媒介，用最快的方式进行图像的处理与加工，他们追求形式上的猎奇与哗众取宠，很多人常常被这些图像所营造的环境所蒙蔽，只留意于眼下的数字虚拟对象，而艺术的原创和个性的独创――这代表着绘画经典的东西，也正悄然失去了存在的空间。正如很多西方前卫艺术家，用宣纸、毛笔，画着同样水墨淋漓的“国画”，难道这就是我们的国粹吗？中国传统绘画的训练是目识心记，要经过长期的笔墨训练和绘画品格的修炼，才能体会到中国绘画的精神。

众所周知，直接面对实物进行描绘的一种作画方式就是写生。它直接借生动的视觉经验来反映客观世界、表达作者的内心情感，是更为贴近自然与生活的艺术表达方式。在西方，无论是以“模仿”为核心的古典艺术，还是以“表现”为目标的现代艺术，写生一直是深受画家喜爱的绘画表现手段之一，无论绘画界发生怎样的变革，也经久不衰。这些优秀的写生作品不但留住了画家即兴发挥的情感符号，还能折射出一个时代文化的光芒，其艺术价值独立性与永恒性也被大家认同。

中国画可以靠记忆，可油画光靠记忆是不完善的。依靠记忆固然可以画出一个大概模样，但却达不到具体化、准确化和科学化的程度。画风景受透视的制约，画人物受解剖的制约，如果脱离解剖无节制地夸张变形，画出来的东西必然就没看头、不可深究。写生作品是艺术家气质与才华最直接的艺术表达方式，它的最大特点是其绘画语言的纯粹与表现方式的率直、生动。好的写生作品往往给人留下深刻的印象，令人流连忘返。许多艺术大师都是以写生作品奠定其成功的基石，又都是以写生作为艺术的“起步”和“入门”的，达芬奇的《蒙娜丽莎》、米开朗基罗的《最后的审判》都是凭借写生而带来的艺术经典。就连现代主义的先锋人物毕加索、马蒂斯这二位大师，也从未放弃过写生，其中毕加索的代表作《变形的牛》，更是为我们诠释了写生的魅力。当然我们认知传统不是逆向回归，而是从中更好地认知自我，找准创作的方向，更好地推动艺术的发展。

从造型能力上说，国画也可以写生，但油画除了素描黑白以外，还有与国画不同的、更为丰富的色彩关系在里面。色彩关系是油画中相对复杂的因素，客观世界的色彩变化，其复杂性也不是人类大脑所能全盘记录的。画面中全部的东西必须经过合理挑选，比如头发、衣服、背景、衬布，都要经过反复推敲和选择，并选择最佳方案，才能够达到最佳的色调。对透视、解剖和色彩这三个方面的科学关注和艺术化表达，是油画的生命，也是油画的根本。油画如果脱离这些基本前提，就很容易产生一些简单化的实用主义和功利主义，最终肯定是简单化、概念化，也必然是空洞的。剥离了这些“根本”，使得如今的油画语言变得不纯粹，它里面必定夹杂了一些不纯的、不是油画语言的东西。那么出现用“国画语言”画油画，或是用“版画语言”画油画，自然也就不足为奇。

油画传入中国，并不只是一个画种的传入，而是西方人文科学的传入。西方绘画起源于写生，并为美术发展奠定了科学的基础，是油画的灵魂。好的油画作品，它不仅仅单纯追求科学性或艺术性的，而应该是既有科学性又有艺术性，是互相包容、渗透的艺术作品。在画面中，科学性与艺术性是对立统一的，根据所要表达的情感、内容、目的等诸多因素的不同，其科学性、艺术性各自所占的比例也不尽相同。我们知道那些优秀的传世佳作，必然是在科学性与艺术性的比例上，找到了一个最佳合理的方式。

从希腊、雅典的人体黄金分割，到文艺复兴的透视解剖，乃至牛顿发现光影奥秘，并随之兴起的印象派、后印象派等，都是在追求科学。追求科学，是为了更好地完善画面，更好地体现艺术性。纵观千年西方绘画史，历代大师所苦苦追求的科学，不仅没有取代、削弱艺术，反而大大地提高了艺术性，还由此催生出了立体派、表现主义等一系列艺术佳品。可是在当代却有不少人在走极端，要么只讲科学性，画面变得如工程设计的图纸；要么就只谈艺术性，画面不着边际，成为“空中楼阁”。油画创作的科学性与艺术性应该是相互兼容，它们不能单独存在。

在这种数字科技和现代设计观念的影响下，抽象主义、综合材料、装饰艺术、纯粹设计理论渗透到我们的绘画过程，使我们的绘画变得不纯粹，并带急功近利的目的性。摄影、摄像和电脑等高科技的表现手段也为写生绘画提供了极为方便的手段，大家对图像的依赖在某种程度上超过了对可见的、自然的兴趣，往日里被当作是极为重要的“写生”环节，如今被看作是陈旧的、落伍的，并陷入了一种极为尴尬的境地。认为写生带来的只是习作而非艺术，所以转向了容易产生轰动效应的所谓当代艺术的狂流中。创作者带着所谓的构思、拧着相机，将一张张照片带进画室，甚至还利用电脑“加工”，最终打造成一件件“作品”。殊不知，在享受高科技的自由与便捷为自己带来快感的同时，自己最宝贵的精神生产领域已经被彻底地奴化了，他们似乎不知道机器不能代替思维这个最简单不过的道理。他们在失去那种人与物质间所特有的距离感和审美情景的同时，那种用眼、心与实物的交流的写生体验早已不复存在了。

我们应该回到写生中来，回到油画的原生态中来。我们应该把写生与亲历现场看作是一种体现生命和赋予生命的神圣工作，以“眼见”为标准，要抓住对事物的感受，学会独立思考，并合理运用科学性与艺术性，创作出震撼心灵的作品来。

参考文献：

[1]王凤才.《批判与重建:法兰克福学派文明论》社会科学文献出版社，-9。

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[10]张永清.《现象学与西方现代美学问题》[m].人民美术出版社,.7。

美术创作油画论文范文汇总篇三

表现主义和新表现主义油画有联系也有不同之处，这是因为两者所出现的时代背景不同，所要表达的思想也不一样。接下来就从此入手，通过对表现主义和新表现主义油画的探索，看着表现主义和新表现主义有何不同之处，进而揭示出新表现主义新在何处。

一、表现主义和新表现主义的共同之处。

表现主义和新表现主义其艺术表现形式都是表现主义艺术，两者有其共同之处。但是在传承过程中也有区别，接下来具体看看表现主义和新表现主义的共同之处。

表现主义最开始是在德国建立起来的。德国不仅建立了表现主义，在哲学上还创立了形而上学的思想。表现主义的先驱艺术家爱德华·蒙克就因为长期住在德国，受到了德国理性思想的影响。他对自己所刻画的事物会极其激动，但是他会用理性来掩盖自己。这种掩饰他内心的激动情绪，就体现了画面的理性感。就拿他的代表作《青春期》来说。画面的主角是一个未成熟的少女，画面主要表现的是少女对未来的不安。她在黑暗中睁大眼睛体现了她的不安，而那缕射进画面，在少女背后形成投影的阳光，就使得画面变得更加阴暗。爱德华·蒙克用自己理性化的处理，使画面的表现感更为强烈，给了人更大的视觉冲击感。但是这样的画面却一点也不突兀，相反画面协调、形象内敛。这种理性的处理方法也可以给观看者带来更大的想象空间。

表现主义油彩画中一般体现的是批判意识，都表现了艺术家自己的主观意志。通过自己的画作表现出对社会不正常发展的反抗。一般体现的是对社会的不满和自己内心的抑郁。表现主义画家一般有他们对艺术的独特追求，通过对画面的线条、色彩、形式和构图的探索，能唤起人们的共鸣。因此这种独特的艺术表现形式在长时间的发展过程中得到了保留。

在20世纪80年代，这种艺术表现形式重新回到观众的眼前，并具有了一些新的时代特征，新表现主义随之出现。新表现主义与西方现代的简约抽象的画风有较大的区别，其更侧重于对传统的继承，保留了夸张的艺术风格。新表现主义强调的是画家的创造力、想象力和个性。并且蕴含了深厚的文化背景，更强调对时代和社会的关注。由此可见，新表现主义更具人文色彩。

就拿《街上的五个女人》这幅作品来说，画中的建筑色彩和人物外形较为虚幻抽象。画中的人物形象一般用绿色、黄色和黑色三种颜色来塑造，以纵向构图方式为主。不论是从左右还是从上下来看，画面填得较满，而且背景和人物之间没有明显界限。这样一来就增添了画面的整体性，让人从整体的画面中，可以感受到一种孤独感，这就可以凸显出画面理性主义的处理。画家可以通过交错的人物线条，让人物在黄色的背景中显得更加高傲孤独，这也从侧面体现了德国人的生活态度，表现了德国的民族精神特征。

由此可见表现主义对于油彩画来说是一种重要表现形式，不论是表现主义还是新表现主义都要利用到理性处理，正是由于这种理性的处理手法，所以表现主义才会得到不断继承。

二、表现主义和新表现主义的不同之处。

虽然表现主义和新表现主义的主要表现手法一致，但是在许多方面两者仍有不同的特征。这是因为两者所处的时代特征不一样，从而导致了表现主义和新表现主义艺术思想有一定差异。接下来看看两者之间具体存在差异的地方。

由于表现主义和新表现主义产生于不同的时代背景，其蕴含的艺术思想也不一样。新表现主义是对表现主义的一种继承和创新。在表现主义手法中，艺术家只侧重于对绘画形式的探索。而新表现主义则侧重于表现画家的观念，更侧重于如何在画作中利用形和色的变化更好地体现画家的思想。

表现主义产生于19世纪代，那时欧洲正处于第一次世界大战的浩劫中。当时人们在一战中深受苦难，越来越追求新的思想潮流。人们需要表现心灵的深度，但传统的'油画表现手法已经不能适应人们的新需求，因此创新油画表现形式势在必行。而表现主义油画更侧重于体现画家心灵对构形的影响，更侧重于突出画家的主观感情色彩。蒙克、梵高等艺术家就是表现主义的杰出代表。

到了20世纪80年代，由于时代的发展，画家对构形的探索进入了一个新的时代。当时抽象主义艺术发展到了顶峰，新表现主义应运而生。这一思想的产生使德国很多艺术家转变了传统的意识和思想，逐渐接受了新表现主义。新表现主义油画的构形特征较为怪异离奇。通过这些怪异的形象来表达当代人对时代的追求。从外形上来看，80年代新表现主义作品看起来远离优美，大多是通过一些丑陋的形象来表现主题特征。这是由于随着时代的发展，人们觉得美好的东西并不能够满足自己情感表达的需要。因此创造了一些怪诞丑陋的形象，因为这些形象更符合当代人的心理特征，同时也能给人更大的冲击力和感染力，更好地体现新时代的时代精神。这也是新表现主义和表现主义的不同之处。

结语。

表现主义中的理性主义是西方绘画史上的突出杰作之一，它影响了20世纪的绘画表现手法。虽然美术史根据两者的不同时代特征，将其分为两个阶段。但是两者在表现形式上仍有一些共同之处，同时由于时代条件不同，其表现的思想特征也各有差别。从客观程度上来说，新表现主义是对表现主义的一种成长和发展，但这两种形式的产生环境都是在德国，这也决定了两者之间有一定的趋同性。由此可见新表现主义是对表现主义的一种继承和发展。

参考文献：

[1]廖琛.德国新表现主义与中国意象表现主义比较研究[d].金华：浙江师范大学，.

[2]张金松.德国新表现主义绘画对中国油画的影响[d].开封：河南大学，2013.

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[4】高远，从再现现实到意象表现——新时期对于现实主义油画创作方式的反思与突破u].河北师范大学学报(哲学社会科学版)，2013(2).

美术创作油画论文范文汇总篇四

我国的民间美术可以说是我国劳动人民根据日常的生活以及劳作需要不断发展和衍生而来的，它能够充分的展现我国劳动民众对我国传统文化的深厚情感，同时也体现了我国基层群众的聪明智慧和对于民间美的观察，更体现了劳动人民对生活的喜爱和对我国民g传统文化的热衷。近年来随着我国文化在世界各地的不断传播和发展，已经有越来越多的企业开始在商品包装中应用民间美术来作为商品包装的图画，而且有些商品的包装专门去寻找那些与商品想接近的民间美术来作为包装的主要涉及，一些商家认为这样更能够体现商品的内在含义，不需要多余文字的阐述，简单的一幅画更能够体现该商品的底蕴和内涵，也正因为如此，民间美术在商品包装设计中的应用越来越广泛而且还能有效的传播我国的传统民间美术，使我国的传统文化以另一种方式发扬光大。

由于我国传统文化在世界各地的不断传播和发扬，吸引了许多对我国传统文化热衷的人，而且现在一些眼光比较独到的商家就利用我国传统文化对人们的吸引力开始在商品包装上印上我国民间美术的图案，在包装设计中采用民间美术带来的灵感，使得包装变得更有文化韵味同时还能体现商品自身的文化内涵，但是随着这样设计灵感以及设计思想的不断深入和应用，一些设计者在包装设计上的图案以及内涵发生扭曲，使得一些民间美术的传统底蕴发生了变化，从而影响了商品的自身形象。

现在在一些商品包装上面我们经常能看到一些颜色和图案不搭配，甚至是颜色和商品自身所代表的含义不搭配的现象，有些比较沉闷、严肃的商品而它的包装上面确是极为喜庆或者更夸张的颜色拼接起来的，当我们看到这种现象时瞬间就觉得商家对商品的自身内涵的理解有所扭曲，同时也降低了消费者对该商品以及该商家的好感度，有的时候一些商品的包装设计的图案和色彩都发生了很大的改变，造成与商品严重不符的现象，不但不能促进商品的销售还给传统文化带来了很大的影响。

三、合理在商品包装设计中应用民间美术的策略。

（1）妥善应用民间美术的图案。在商品包装上面印上民间美术的相关图案，就是意味着图案所表达的意思和内涵代表着商品的功能和定位，有些商品的包装几乎没有任何解释的字眼，只是简单的一幅画足以说明商品的作用，但是在实际的包装设计中设计者为了追求创新，独特往往更改了图案，或者在设计图案时没有严格考察商品的作用，导致图案乱用，所以为了确保商品包装上图案应用的妥善性，设计者应该对该包装所用的商品进行考察，注重商品内涵的体现，避免追求创新，独到而随意应用民间美术图案。

（2）合理对包装上面的图案着色。商品的包装要设计符合商品自身内涵的图案，但是图案的颜色也要谨慎，既不能更改民间美术图案的'基本韵味还要使得图案所着颜色符合商品的属性，避免那些性质比较严肃的商品包装上面出现艳丽的色彩，所以设计者在民间美术在商品包装设计中着色时要注意考虑商品的性质，合理的选择图案的颜色，既是对商品作用的重视也是对传统文化的理解。

（3）积极挖掘民间美术的美和内涵。在商品包装设计中应用民间美术作为设计的灵感，那么在设计中就要努力挖掘民间美术的美和它所表达的含义，只有深刻了解了民间美术的由来才能更好地设计出符合商品和文化传承的商品包装，注意民间美术的造型，在引用的同时也要不断丰富民间美术的残缺，挖掘民间美术内涵时要多接触当地的居民，从他们口中了解他们对美术的理解和诠释，这样设计的商品包装应该更有生动性。

四、结论。

通过以上阐述知道，民间美术体现了我国劳动人民对生活的热爱以及对民间美好事物的向往和发掘，使得我国的民间美术不断发展并应用到经济生产中，利用民间美术作为商品包装设计的元素，既体现了我国民间美术的内涵美，同时也体现了商品本身的价值，更能充分展现商品的底蕴，为了能够使民间美术在包装设计应用中更得体，更好的发扬我国的民间美术，包装设计工作人员应该合理的应用民间美术图案，合理的着色和造型，不要为了满足商品的需要而使民间美术的美被破坏，同时也要鼓励大家积极发掘民间美术资源，在提高商品包装设计水平的过程中也要不断的传播我国的民间传统文化。

参考文献。

[1]陈f，柯胜海.论包装造型结构虚实空间形态的美学特征[j].包装学报，，3（01）：85～88.

[2]张毅，黄亮.浅谈民间美术在现代包装设计中的应用[j].咸宁学院学报，，09（05）：127～128.

[3]官平.包装设计中传统民间美术的运用刍议[j].美与时代（中），，05（02）：59～60.

美术创作油画论文范文汇总篇五

油画创作具有对思想启发、开启创造力的能力，能够帮助人在成长及发育阶段形成良好的思维感官，德国学家冯.柯思乐在《油画教育》艺术当中提到：“油画不仅能够带来美感的传递，同时是帮助人获得创造力的源泉之一”，无独有偶我国教育学家付昭祥先生在接受访问的时候也提到了加油画创作对于各个年龄段孩子思维塑造的影响，随着第三次课改的来临“教育结合实质性教育从而锻炼学生的能力”这一课题已经成为重点研究方向，因此本文结合油画创作，具体的分析其结合美术教育对各个年龄段人群的教学启发。

油画创作能够促进思维模式的锻炼，美术教育中的重点也是对于创作能力思维模式的锻炼，因此二者的结合有共通之处，将其引入到对幼儿时期的教育当中，可以快速的促进幼儿的思维模式成型，加强对其的思维培养。幼儿的智力只相当于成年人的五分之一，但是其创造能力以及模仿能力却是成年人的六倍左右，根据英国学家霍格斯在1996年发表的《创造模式》当中的分析，不同事物带来的创造启发具有不同的效果，根据他的调查研究，视觉上的冲击是人类产生模仿与创造能力的第一源泉，其中视觉上的冲击囊括了符号、色彩、明暗光等等方面，将这一理论引入到油画当中，不禁发现油画正是囊括了所有视觉冲击当中的特性。幼儿时期的创造思维能能力配合油画的视觉冲击影响，能够在最大程度上锻炼幼儿的思维能力，促使其快速成型，加强对事物的`认知能力，帮助幼儿获得最佳的培养空间，同时油画创作结合美术教育共同推行，不仅为美术教育提供了扎实的科目选择，同时成为了美术教育作用于幼儿的催化剂，进一步提升了美术教育对于幼儿的影响。

油画的创作风格千变万化，油画的思维形式也不一而终，正是由于这样不同的创造风格才能够最大程度提升人对其的兴趣爱好，在霍格斯的《创造模式》当中提到，最能激发人类创造能力的培养方式为“与不同事物的不同接触”，由于环境的不同，接触的事物不同，人的创造能力也不同，油画的创作正好符合了这样的特性，而创作思路能够最大程度的激发人的兴趣爱好，因为不同事物导致的不同思路绝大程度上提升了人未知事物的探索，在探索的过程当中完成兴趣激发，可以说创作时兴趣生成的来源之一，孩子在童年时期对任何事物都有着浓厚的兴趣，如何固定保留、如何激发培养就成为了重要的研究课题，第三次课改当中提到，用艺术形式塑造孩子正确的认知能力，配合传统教育对孩子形成全方位的塑造，因此美术教育等艺术教育形式成为培养孩子兴趣的关键所在，而加入了油画创作的美术教育，无疑用油画的特性促进了整个教育形式的提升，同时用成熟的艺术形式保障了孩子的兴趣思维的散发，让其有了可控性，帮助孩子在短时间内形成了正确兴趣塑造方向。

这个时期的儿童正是处在惜惜懂懂的少年期大多数的孩子已经开始上中学了这段时期是他们身心发展最为重要的时期，一般老师的教学方法已经对他们没有什么太大的影响。他们很容易受到外界社会不良作风的影响进而影响到他们日后的发展。又由于此时的美术课不受学校、家长还有学生的重视还有其他学科压力过大导致他们在心理上的发展极其不稳定。此时掌校和家长无法给予他们正确的心理指导致使他们盲目去学习他们不喜欢的东西压抑了他们身心的发展。在这个重要的阶美术老师可以通过利用油画创作上的一些内容去引导他们转移他们的注意力告诉他们这个世界还有很多美好的东西可以去追求告诉他们不要盲目地随波逐流焙养他们正确的价值观和人生观。

不同时期针对不同的人群，素质教育的培是对青年期人的重点培养课题，从油画创作方面来看，油画创作不仅能够增强人对事物的认知能力，同时能够提升人的审美意识以及鉴赏眼光，锻造人们对于美丑的辨别能力，这些能力能最大程度的让人意识到真善美的真谛，从积极的方向引导人对于美的认知。而美术教育的作用正是在于加强人们对美的认知，只不过美术教育包含的方向过于广阔，没有油画创作单一而富有针对性，因此在对青年期素质锻造的过程中美术教育是基础，油画创作是手段，当然这其中的手段也包含了人其他美术形式，但从作者的角度看油画创作综合性较强，更适素质的锻造，因此将油画创作引入到美术教育当中结合素质教育的课程改革进行课改，无疑是对年轻人加强思想品德锻造的最佳效果。美术教育的过程是结合各种艺术形式发挥艺术当中优点从而塑造对各个年龄阶段不同影响的过程，是一项基础而又复杂的过程，在这一过程中如何把握住三方结合的关系节点，如何控制好融合的度就成为关键所在，因此在正确认知美术教育与油画创作的结合过程中，应当针对不同时期的人进行具体的分化，不能笼统的采用一种形式，防止以偏概全的现象产生。

美术创作油画论文范文汇总篇六

摘要：当代艺术已迅速从媒体的解放到媒体观念化转变，前者改变了艺术的存在方式而使任何东西都可以成为艺术，这是艺术走出架上时的最初状态；而后者将这种新的艺术存在方式纳入到新的艺术结构中，即将任何媒体维系在观念之中。文中阐明了艺术创作中不可为观念而观念、为形式而形式，而应在观念先于形式的前提下，为表达强烈的主观感情去寻找合适的艺术表现形式。

关键词：油画创作；思想观念；艺术形式；装置。

油画诞生于欧洲并发展于西方，作为一种艺术形式体现了西方人文精神和认识世界的方式。油画传入我国不过百年历史，直到目前已经发展到了一个空前繁荣的阶段。当代艺术已迅速从媒体的解放到媒体观念化转变，前者改变了艺术的存在方式而使任何东西都可以成为艺术，这是艺术走出架上时的最初状态；而后者将这种新的艺术存在方式纳入到新的艺术结构中，即将任何媒体维系在观念之中。

艺术的形式语言至关重要，它是连接艺术作品和观者的纽带，我们强调画面表现形式的时候，并不意味着可轻视作品的精神内涵和作者的思想观念。如果认为绘画只是表现形式语言的问题，那就从根本上否定了绘画的本质特征，绘画表现形式语言的完美程度，又依赖于作者的内在精神力量。传统的美术形态是一个艺术形式和语言技巧比较完善的体系，它的发展始终伴随着对形式语言的追求。

当下中国油画造型语言对图像元素的关注受传统中国绘画视觉图式和西方现代艺术的影响。随着人们艺术观念和审美观念的转变，当今中国艺术创造者一方面不再满足于对传统语言技法的研究，更多的是把目光盯住在世界文化发展的前沿动态，同时，他们也不断从民族传统美术的土壤中汲取营养，以中国传统绘画特有的审美角度扬弃了传统画面的图画叙事，他们自由地从各个方面提炼能激发自我敏感的因素，并在个人画面上赋予这些因素的全新的意味。

纵观当代艺术，有很多优秀画家能将思想观念与作品表现形式在自己的创作中很好的结合，用有意味的画面形式去体现创作者的思想观念，作者的思想内涵，将物予以人性化。如著名油画家尚扬的创作，没有西方现代主义后期一些画家的过分玩弄形式语言，在色彩、线条等形式因素中沉溺，缺乏内涵的流弊。他始终能热情地关注生活，他的作品《大风景系列》关注的是人类文化的历史变迁，他将地底奔突的熔岩视为人体中奔流的血液，火山经历了沉静、积蓄、不安、涌动到强劲喷发的过程，大体相当于一个时代文化思潮变迁的轨迹，他作品中喷发出的云雾是文明的碎片和沉淀，其中有汽车、茶壶、钟表、以及麦当劳的标志“m”、英文“sale”则点出了这个时代浓厚的商业气息，这些文明的碎片，作为一种视觉符号，实质是作为时代文化的表层隐喻，具有某种非连贯的象征意义。

又如著名油画家石冲的创作，他曾经画过一些超写实的油画作品，光洁的表面在石冲油画里是引人注目的特征，但这个光滑的特征，只是他所想表现的画面主题的'一个“调味品”，一个手段上、媒介上的趣味形式，是为画面主题服务的，是“手段”而不是“目的”，他在制作那种令人迷惑的光滑表面质感的同时，仍在努力为自己的画面注入更多的内容与“意义”，使得自己想诉说的某种哲理、思想观念想法通过自己的画面形象传达出来。

进入90年代以后，新生代的代表画家们的绘画不仅仅停留在表达他们的自我状态上，同时还表现了这代人整体的精神面貌。画面的视觉形式感一直是画家十分重视的问题，它把画家的意匠提高到美的韵律，但形式语言不应成为画家个人怪诞的癖好，从而失去了朴素自然的品格。

综观艺术史，二十世纪的抽象派画家康定斯基、蒙德里安的作品就追求画面的形式。在蒙德里安的画中，以具有特定含义的符号来表达画家的“自我”，由于表现的含义和对象本身没有内在的逻辑关系，恐怕要超出造型艺术中视觉度的稳定性而不成其为造型艺术。任何事物都是有一定极限的，在视觉艺术中这就是影响人们欣赏的视觉度的关节点。

自从19杜尚展示了惊世骇俗的现成品艺术以来，当前世界的艺术潮流越来越向一种自然、原初、朴素的方式发展，这在装置等实物艺术形式中表现得最为明显。它们以各种各样的材料作为主要的艺术表现媒介，但总起来讲，仍是以现成品本身的物质形态作为表现载体，有着一个静态的物质外壳。也有一些画家过多的受西方绘画形式的直接影响，在表达精神内涵而遭受了形式的约束，而且越来越淹没在形式自身的泥潭之中，过分的注重形式是有一定危险的。

当前，中国油画的创作存在一个较大的问题是过分的、片面的强调个性和创作性（以油画为例），当下油画创作的制作性太强，考虑表面和形式的东西太多，画家为个性而个性、为创造而创造、为观念而观念、为形式而形式，这样创作出的作品自然缺乏动人的力量。“生活是艺术的唯一源泉”，其实，形式感本身也是来自生活的，也只有融人生活才能达到“自然”、“天成”的这种高品味，我们的创作也只有在观念先于形式的前提下，为表达强烈的主观感情去寻找合适的艺术表现形式。

参考文献：

[1]徐勇民.学校艺术教育与素质教育论坛[m].武汉:湖北美术出版社..

[2]周长江.解读创作.上海书画出版社..

美术创作油画论文范文汇总篇七

为了能够更好的巩固学生的专业知识，增强学生们的创造力和探索能力，提高相关的专业技能，高校开设油画创作教学，为学生们以后的油画创作奠定基础。本文重点研究了高校开设的油画创作的课程教学，进行了深入探索，以便以后能够让油画创作的教学体系更加完善。

油画；高校；美术专业；教学

油画教学由于优化本身具有的一些如多样性、艺术性、不固定性等特点而缺少严密完善的体系。很多教师在教学的时候通常会采用与教材相结合的方式，讲授油画创作的规律、构图形式等，或者是组织写生活动，这样不能够让学生们形成一个很好的油画创作的整体意识，反而出现色彩错乱、笔法生硬的问题，教学效果非常不理想。因此说，现阶段仍然有一些问题存在于油画创作的教学中，这就体现了教学的高质量、高效率的重要性。

传媒等高科技产品在当今社会十分发达，很多从事油画艺术创作的人更多的使用电脑和数码相机进行创作，忽略了写生的重要性。陈丹青提出：几年来，当代艺术以及传统艺术对写生都有着很大程度的忽略，写生从上个世纪八十年代开始更是被贬值，人们对着照片去画画，而不再进行写生这一实践活动。“30年来，全国院校师生的写生能力，一代不如一代，而事实上第一代的写生仍没有过关”。这句话体现了真实的情况，面对真实的景色和面对照片的感觉是完全不同的，在面对实景的时候要当场完成作品，尝试打破自己已有的创作风格，开辟出一天新的道路。写生是一种具有积极意义的探索行为，它不能够被条条框框束缚，变成追忆以前画家如何画画的形式，在瞻仰前人陈旧的同时要有创新，不能够对以往的作品重复复习，这样写生就会失去它原本的意义。构图和用色的习惯都是固守成规的东西，却又在创作过程中不断的出现，这就像守着一潭死水，是对创造力的扼杀。艺术家们在写生的时候能够与生活对话产生不同的感受，产生对世界的新体验。最重要的就是这样可以刺激画家，使他们有着敏捷的思维和饱满的热情进行油画创作。据说苏里科夫《女贵族莫洛卓娃》的创作灵感就是在冬天的雪地上看见一只低垂的乌鸦之后产生的。

在古典主义、新古典主义、印象派、后印象派、象征主义、表现主义、野兽派、抽象派、超现实主义及其他众多的流派中经历之后，西方油画也产生了一些变化，积累了丰富的经验和艺术语言。欧洲产生了很多油画方面的杰出画家，创作了很多优秀作品，为我们现代人学习西方绘画留下了宝贵的财富，提供了借鉴的内容。文艺复兴画家安格尔、达芬奇、米开朗基罗、提香、新古典主义画家大卫，都是西方美术史上杰出的画家，他们从前辈那里吸取了经验，总结了绘画技巧，然后在不同的时期成为艺术的里程碑。近代的立体主义画家毕加索在早期也学习了很多凡高、劳特累特、塞尚、高更等画家的作品，从中提取了适合自己的部分，领悟了油画的魅力，进而创作了很多风格独特的作品。徐悲鸿、林风眠等是我国产生的优秀油画艺术家的代表，他们对中外油画艺术进行了系统的学习，借鉴不同流派和风格的作品，结合自身的实际情况，形成了自己独特的风格，为自己在中国美术史上的地位打下了坚实的基础。油画是以西方绘画为根基的艺术形式，高校美术专业的学生们在学习油画时要以西方艺术大师的作品中吸取经验。

现今社会油画的创作中已经睡载体和艺术手法没有了固定的要求，前辈们的陈旧以及先进的文化氛围给了我们自由发挥的空间。在绘画中每个人都有属于自己的绘画语言，田克盛说“：用自己的语言说自己的意思。”要做到这一点也是很不容易的，没有人可以评判我们自己的语言是对是错，我们要在艺术实践中不断的探索和研究，提高审识能力，实现自我的选择。绘画者选择的题材不是但以不变的，他们会选择让自己感动的题材。印象派大师毕沙罗说：“要在大自然中选择最适合于你自己气质的主题。”一幅作品想要成功，就要表现自己最熟悉的内容或者事物，然后用内心为其润色。俄罗斯巡回展览画派大师列宾在青年时期也遇到过类似的问题。列宾的毕业创作《睚鲁女儿的复活》完成后产生了很大的反响，获得了为期三年出国进修的机会。但是在法国留学期间的作品在展出时并没有引起太多的注意，这是很不可思议的。当他从巴黎回到家乡之后，创作的大量作品却获得了巨大的成功，被誉为批判现实主义的泰斗。对此列宾认为，在法国他获得的是创作经历以及技巧，但是回到家乡之后才能有更好的感情流露，俄罗斯才是他创作的源泉。想要让艺术品具有精神性，那就要让他传递某种精神。在油画作品完成之前的整个过程都是艺术家充盈自己全部人格精神和艺术品格的过程。没有艺术家精神因素渗透的画面，是缺少色彩和形式的有效组合的。现代油画在“个性化”方面有着激烈的讨论。一些人以为油画的个性就是如：人物变异、独特笔触、色彩独创等的“表现主义”，这样的想法时不完全的，只是流于表面的思考并没有深入的认识。画家的情感和表现欲望此时画作表现力的根本来源，画家不同的艺术风格和审美是通过不同的形象体现出来的，这就是艺术家们的“个性化”的艺术语言，艺术家的家属精神、人格魅力、创造精神融合在一起才能更好的形成意见艺术品。所以真实的情感才是“个性化”语言培养的基础，追求表面的形式并不能产生“个性化”语言。不管是素描还是色彩，室内还是室外，写生都是我们创作过程中取之不尽、用之不竭的源泉，学生们在研究西方大师的画作时可以吸取其中的有益部分，与自己的风格相结合，提高自身绘画技巧和创作经验，想要保证作品取得成功还要选择合适的题材，加之真实的情感。不能够在创作过程中一味地追求“个性化”语言，失去了属于自己的个人天赋，艺术源于生活，在生活中情感又是抒发内心精神世界的有效途径，每个人的生活经历不同，他们在创作时产生的情感就不同，创作出来的作品也会有所不同。想要准确的表达自己的精神追求和感受就要选择适合自己的艺术语言，展现自己的艺术个性，这样才能更好的展示作品。

结合现阶段高校在美术专业的油画创作教学中讯在的问题，以及本人多年的额教学经验和学习成果，下文将从三个方面对怎样开阵高品质、高效率的油画创作教学进行阐释，以达到完善美术专业教育体系和提高油画创作教学质量的目的。

（一）引导性教学

与其他教学不同，油画教学需要绘画者有强烈的主观意识，在这一方面是教师们很难准确把握的，一方面，油画创作具有与众不同的艺术语言形式和艺术观念，教师只有在深入教学的过程中，才能保证学生们能够准确理解，提高个人水平；另一方面，油画创作表面上知识一种随性而为的精神创作，却有着“只可意会不可言传”的深刻内涵。在油画创作的教学过程中，包含油画内的立意、构图、色彩、情感都是需要学生们有感而发的。在这一方面教师不能够代替学生们完成，所以就要在教学过程中突出学生的主体地位，进行适当准确的引导，让学生们能够在创作时充分展现自己的艺术个性和创造能力，对油画的表达、认识、色彩、语言有正确的认知，便于学生更好的感悟生活，形成具有特色的'油画作品。

（二）感悟式教学

课堂教授和下乡体验式教学是以往油画创作教学的主要方式，学生们在老师的带领下去工厂街道、田野乡间等地进行生活的体验，收集创作的素材。但是在这样的教学方式中，学生们并不了解他们体验的工厂街道、田野乡间有着怎样的意义，他们的油画创作就会流于表面，作品大同小异，没有属于个人的深刻感悟和体会，缺少个人情感。所以，作者个人认为感悟式教学是更好的感受。应用于油画创作教学中的感悟式教学主要教师们在带领学生进行户外写生的基础上，让学生们了解他们所处的环境，更好的融入到周围的景象、人物、事物中，深刻地感受一草一木带给他们的，这样可以使学生们创作的立意变得丰富多样，构图不再单一，利于学生们在创作过程中更好的融入个人情感，进而使作品变成有灵魂、有生命的，促进了油画创作教学的进步。

（三）欣赏式临摹教学

在十五世纪以前，欧洲绘画中的彩蛋奠定了油画形成的基础，并且发展至今愈加繁荣，也可以说是历史悠久。教师们重视鼓励学生们看名家的作品，不仅仅是看表面的东西，还要深刻的体会作者的创作背景和其中融合的个人情感。在油画创作教学的过程中，教师在带领学生们欣赏国内外优化大师作品的色彩、构图、立意的同时还要对学生渗透有关创作背景的知识，促进学生们对作品中情感更好的领悟，让学生们在同一种背景下尝试创作，与大师们的作品对比，总结经验、技法创作灵感，丰富学生们作品中的情感，促进油画创作的高质量、高效率。除了上述三种途径以外，在研究高质量、高效率的油画创作教学时，教师也要提高自身的专业素养，增强教学能力。

在高校的美术教学中油画创作有着很重要的地位，是学生们确定艺术风貌的努力方向和良好基础。也就是说在创作教学过程中教师能否给予学生们正确的引导就决定了学生们是否能够很好的掌握油画创作。结合多年的创作教学经验，作者分析了高校美术专业油画创作教学研究的相关问题，希望能够为学生们更好地掌握油画创作的技巧提供一些借鉴，仅供参考。

[1]洪新发.洪新发具象油画[j].大舞台，2014（8）.

[2]洪新发.融合创新———感悟中国油画的艺术创作[j].湖北师范学院学报（哲学社会科学版），2013（3）.

[3]洪新发.当代油画本土化思维初探———浅谈中国油画意象表现与审美[j].湖北师范学院学报（哲学社会科学版），2012（4）.

[4]洪新发.高师美术专业教育现状与思考[j].湖北师范学院学报（哲学社会科学版），2011（3）.

[5]洪新发.刍议新具象油画表现及后期演变发展[j].湖北师范学院学报（哲学社会科学版），2010（6）.

[6]李启木，陈荣周，洪新发.绿色生态德化魅力化危为机独具特色的循环经济———访德化县县委书记陈全顺[j].中国乡镇企业，2009（2）.

[7]洪新发.简析绘画教学中学生心理因素对心态的影响[j].湖北师范学院学报（哲学社会科学版），2009（3）.

[8]洪新发.浅谈美术高考招生模式的弊端与改革措施[j].美术大观，2009（5）.

[9]洪新发.教师引进门修艺在个人———论绘画教学师生间关系与作用[j].美术向导看，2009（1）.

[10]洪新发.刍议油画静物创作[j].美术大观，2008（6）.

美术创作油画论文范文汇总篇八

摘要：

动画，由于自身创作方式的独特性，要求其创作者在动画前期创意阶段就必须有严谨的剪辑意识并贯穿始终，动画作品的基调也是在这一阶段被奠定。动画剪辑“规定于前期分镜，实施于中期制作，定型于后期剪接”的这一带有强烈预见性的“先剪后接”工作意识，也是动画作品与实拍影视在创作意识上的最大区别。

关键词：

动画创作;剪辑意识;先剪后接;前期;后期。

剪辑，在英语中翻译为editing，有剪、接、编辑的意思，是图像组合的一种手段，它将假定的时空关系以大众能接受的方式组合，从而达到叙事、抒情及表现的目的。电影剪辑，是随着电影艺术的发展而产生的，剪辑手法的运用可把若干电影镜头组合连接，从而构成一个完整的具有戏剧性的段落场面。动画剪辑，也是根据动画创作者事先所设计的分镜头台本的要求，把已经绘制或虚拟出的镜头画面和声音素材组织连接在一起。

动画由于自身创作方式的独特性，动画剪辑是创作者在动画前期创意与绘制分镜头阶段就需要去严谨细致考虑的问题。剪辑意识由此在动画创作的前期就产生并奠定了动画作品的基本格调。动画镜头毕竟是绘制或虚拟出来的，在中后期制作当中不可能做过多的改动，否则会造成很多不必要的麻烦。这一带有强烈预见性的“先剪后接”工作意识，要求动画导演前期必须具有精巧的构思，能设想故事节奏，估算镜头长度，处理各种动作，达到最小的镜头误差和最少的额外浪费。

电影剪辑是电影本体的创造力。

普多夫金曾经指出：“剪辑工作是电影本体的创造力，自然只不过提供了它用以工作的素材，这的确就是电影和剪辑的关系。”这是无声片时期著名导演的肺腑之言，他以丰富的实际经验得出结论，也就是剪辑的程序：将特定性的镜头进行选择定时与排列成分镜头剧本。这是影片制作中决定性的、富有创造性的工作。从这句话中可以看出，镜头画面是电影语言的基本元素，是电影合成的原材料。而剪辑师就好像一台产品加工机器，把原材料最终加工成预期所需要的成品来。剪辑在这一过程当中就是把零散的、具有相互联系的、记录了具体现象的镜头画面组合成一部运动形态的、完整叙事的电影。

然而，电影剪辑不仅仅是把数百上千个片段简单的组合在一起，就能够清楚的表达出所要表达的意义。电影剪辑还要遵循一些客观的原理和规律。

首先，是保证剪辑的流畅性。在影视创作中，剪辑师可以合理的运用一些电影的基本术语来连接故事。例如简单的切镜头，用一个画面骤然代替另一个画面，这是最简单、最流行，也最主要的过渡手法，而电影也就是在人们懂得把分别拍摄的片段剪接起来的那一天才真正成为一门艺术的;淡入淡出，一般用来表示时间的流逝、地点的变换或者重要情节的变化，从而重新确定时空关系，相当于换章节;叠化，一个逐渐画面逐渐消失而另一个画面逐渐显现取代另一个画面，其主要意义是表明时间的转移，逐渐由同一人物或事物在不同时间内的表现所代替;划，这是一种特殊样式的叠化，由于手法不够自然，除了戏剧性的段落外，一般用的`不是很多。今天的剪辑师还可运用造型领域内的连接，如具体内容的相似、结构内容的相似或者动态内容的相似的画面都可以剪接在一起;还有理性内容相似的心理范围的连接等。这些剪辑手法的运用将会大大的增加结构、叙事的合理性、逻辑性与连贯性。

其次，是全程的剪辑思维意识。在影视创作过程当中，所谓的剪辑意识不仅仅存在于后期合成阶段，它始终贯穿于一部影视作品的开始和结束。只有对于影视作品的结构有一个全局性的了解，在这个基础之上才能有目的的去计划和安排所拍摄的画面。尽管在创作当中有前期拍摄制作与后期剪辑合成之分，但是前、后期工作必须密切配合来完成。因此，在前期拍摄当中，时刻要具有明确的剪辑意识。如果创作者在影视创作前期过程当中缺少了剪辑意识，很可能造成素材内容错乱，拍摄内容与主题脱节，无主次之分，表现内容单调;或者造成画面的表现形式不统一，拍摄的素材带有很大的盲目性和随意性，甚至出现光线不统一、色彩不统一、节奏不统一等一系列问题。剪辑意识实际上体现了创作者对作品的整体理解能力，以及在拍摄过程中对现场的洞察力和判断力的强弱，也体现了创作团队的整体素质。因此，在影视创作中，剪辑意识要体现在所拍摄画面的内容上和风格上，同时又要使作品的总体结构显得更为协调，让画面、文字、效果及音乐等诸种因素显得统一。

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美术创作油画论文范文汇总篇九

技术形式的多种多样是值得提倡的，技术上的成熟所带来的艺术上的成功也是显而易见的，但技术是一把双刃剑，它在跟人类带来巨大便利的同时，弊端也会接踵而至。各种各样的绘画方式、材料技法在一次次的大型美展中令我们大饱眼福，绘画的目的是要令我们享受艺术性而非技术性，技术不过是绘画的手段，而艺术才是目的，而当今对技术的崇拜热情大大的盖过了对艺术的崇拜。油画作为西方绘画的主要形式，经过艺术家们多年的探索，当代油画得到了公众一定程度上的认可和喜爱，当代油画势头发展迅猛，在当今这个百花齐放的年代，各种油画样式不断出现，当代油画家越来越注重从民间艺术形式（尤其是色彩中）摄取营养。

２．１装饰性民间艺人色彩的运用上表现出单纯、明快、纯净、装饰性的色彩特征，民间美术的审美上，侧重于质朴与和谐，色彩边角都透露出装饰的趣味性，整体的感觉是既大胆又讲究，既艳丽红火而又组织有序，利用色彩强烈的补色，高纯度色相的对比原则，取得饱满的色彩视觉心理效果。

２．２主观性中国民间美术的色彩主要是根据各个民族的生活环境、审美情趣、民俗等各个方面的因素决定的，其总体趋势是大红大绿，老百姓认为大红大绿代表着吉祥如意，同时是一种积极热烈的视觉心理反映，色彩在民间美术中具有主观性特征，民间艺人不按照西方色彩规律和自然中的真实来上色，主要是凭着自己的感觉，民间艺人眼中的世界天可以是绿的，水可以是红的，大地可以是紫的。西方印象派的大师梵高、塞尚等人就着力于主观运用色彩，描绘心中向往的色彩。

２．３象征性在以《周易》阴阳五行为基础形成的中国传统哲学观念的影响下，色彩被纳入阴阳五行学说的理论体系，形成色彩的青白赤黑黄五色，此五种颜色有高下等级的划分和特殊的象征意义，有的颜色还有严格的使用禁忌？色彩最能吸引人奇特的想象，例如京剧脸谱中黑为刚正不阿，白为阴险狡诈，红色为忠勇侠义，蓝色为刚强阴险，黄色为勇猛而爆躁等。民间美术中色彩是一种心理暗示，色彩可以表示大吉大利，祈福迎祥，描绘人物性格本质。色彩超出了自然本质。

３．１主观性色彩在油画创作的应用

西方立体主义大师毕加索的作品，其中色彩大都单纯、明快、纯净，整体风格极具装饰性特征，其中大型的军事题材壁画《格尔尼卡》，其中只运用了单纯的黑、白、灰三色，具有强烈、明快、单纯、质朴的美感特质和感染力，而这种感染力中国传统黑白木刻也能达到这样的艺术层次。当今很多油画艺术家为了得到理想的画面效果，在当今这个标榜个性的年代，主观色彩的表达成为了艺术家实现绘画理想的主要途径。随着社会的发展，油画作为一种越来越为人们接受的一种绘画形式，其商业价值也与日俱增。人们在选择绘画作品时，“吉祥如意”是决定人们喜恶的首要标准，民间美术色彩中的色彩大都含有吉祥喜庆的寓意，由于艺术上的相通性，使民间美术的色彩与油画创作的中的主观色彩产生了相互借鉴的机遇，油画创作完全可以从民间美术色彩丰富的土壤中汲取养料，从而为油画打上民族化的烙印。民间美术中的主观性色彩是人民大众在生活中总结出来的，体现了人民大众的`精神需求，给予了我们油画创作灵感的启迪。

３．２艳丽和谐的色彩对油画创作的启示

民间美术的色彩运用补色、高纯度的色相对比原则，色彩艳丽但不失和谐。大众喜爱的色彩，往往是比较单纯的颜色，不同程度的色相对比，可以满足大众对色彩的不同审美要求。补色在民间美术中运用广泛，例如宗教意味浓厚的西藏唐卡，装饰性强的户县农民画，都充分体现了我国人民朦胧的补色感知。中国油画虽然是借鉴西方绘画的一种绘画形式，但西方印象派大师梵高、莫奈等人，运用强烈的对比色彩描绘空气和大自然，我们中国民间美术的色彩丝毫不输西方，现当代很多画家喜欢明亮的色彩完全可以从民间美术的对比色中吸取经验。中国民间美术的设色规律与西方主张奔放的用色极为相似，十分为现当代油画创作所用。

３．３色彩象征意义对油画创作的启示

民间美术色彩的形成是对于历史文化内容、人文精神的高度提炼，民间美术本身是伴随生产活动和民族习俗而存在的，它表达的是人们对生活的美好愿望，对未来的期望。由于文化的差异，色彩所传达的含义也是不一样的，在油画创作上如果我们一味秉承西方绘画理念那必将有失民族化个性，失去赖以生存的文化空间。现代油画创作应充分考虑民间美术的色彩象征意义，可以使用象征意义来表达概念，使人的情感和色彩在画面上交融出来，产生表达民族精神的绘画品质。综上所述，中国民间艺术为油画创作提供了丰富的养料，在强调绘画个性的艺术世界里，强调民族个性不容小觑，我们不能单纯的描绘民间美术色彩的表象，透过现象看本质，才能创造出具有民族精神的油画，从而达到既民族又国际的绘画效果，将民间美术的精髓发扬光大，从而增强民族自信心、自尊心及民族凝聚力。

作为当代油画绘画专业一名学生，应充分利用好这一有利条件，绘画个体是需要依附于主体而存在的，我们的民族主体蕴含着巨大的能量，单纯的依附西方绘画知识是难以生存的，立足于自己的根本，才可以在绘画这条道路上有所作为。

美术创作油画论文范文汇总篇十

1、色彩律动。

色彩是一种视知觉，是光对人的视觉和大脑发生作用的结果。色彩一般受到现实色彩信息和画家内在的色彩感受的双重影响。画家把所见到的色彩结合自己的审美感受和情绪，借助各种不同色彩的性格意蕴，用合适的色彩进行表现，作画过程中充满个人的情感律动。色彩是人接触画的第一感观，不同的冷暖、纯度、亮度等对色彩语言的创造都有不同的作用，因为不同的色彩能引起人们不一样的精神反应。如，凡高的《向日葵》就使用了饱满而纯净的暖色调――黄色，再以青色和绿色适当地加以点缀，展示了画家内心的热情与活力。人们从画中也能看出凡高对生活的热情渴望与顽强的'追求，表现着一位画家对生命的尽情体验与感动。而欣赏者在面对这个温暖的色调时，心灵似乎也被凡高那种热情、追求深刻打动，并也热爱上了这充满炽热的色彩律动。

2、笔触徐疾。

我们在欣赏一幅油画的时候常常会有许多困惑，其实这与笔触有关。而笔触又与艺术家的情感、个性有很大的关系。从油画的历史我们可以看出，早期的画家如达芬奇、拉斐尔等的作品多数是平涂式的。18世纪初的大卫和安格尔也一直采用这样的方法。这种作画方法一般采用宽大的笔，一遍又一遍地从暗部画起，最后再加亮部，笔触如彩云轻飘、电闪雷鸣，通过控制笔触给人无穷想象的空间，又如鬼斧神工使绘画作品或有力，或坚实，或典雅，或含蓄，或激昂，或奔放，用自己的双手创造了一个个可摸可触的真实世界。

二、油画的其他技术、技巧的介绍。

从欧洲油画发展史的角度看，油画是从蜡画法、蛋胶画法上逐渐地发展起来的。后由于材料技法上的革新，增加了一些绘制手法，如挫、拍、擦、抑、砌、划、点、刮、涂、摆，充分发挥油画的表现力，使作品在深入性和完善性上也有了很大的飞跃。几个世纪以来，油画艺术家在实践中还创造了多种油画技法。

1、透明涂画法。

透明涂画法是19世纪以前欧洲传统的绘画技法。透明涂画法主要从色彩进行罩染，使两种颜色通过视觉调和从而产生第三种颜色。

2、不透明覆盖法。

不透明覆盖法也称多层次着色法。绘画时先用单色调画出形体大貌，然后再用颜色多层次塑造，将暗部画得比较薄，中间调子和亮部则层层加厚，或盖或留，渐渐形成色块对比。由于厚薄不一，画面能呈现出色彩丰富的韵意与肌理。

3、一次着色法。

一次着色法也被称为直接着色法，也就是在画布上画出绘制物象的形体轮廓后，凭借创作者对物象的色彩感觉以及对画面色彩的构思而铺设颜色，基本一次性完成，如有不正确的部位再用画刀刮去后继续上色调整。这一种作画特点是所蘸的颜料比较浓厚，色彩饱和度比较高，笔触比较清晰，易于表达作画时的生动感受。

三、结语。

油画是一门顶级艺术，而艺术是精神的、形而上的，但形而上必须通过形而下表现。油画的形而下就是画者要掌握一定的油画技术与技法，即绘画的技术性因素，只有提高技术，才能发挥好的创意，如果没有过硬的技术作铺垫，也作不出完美的画来。技术因素不仅关系到油画的美感，还与其精神紧密相连，画者只有将技术与精神二者合一，才有可能创造出有生命力的油画。

美术创作油画论文范文汇总篇十一

每个艺术家在进行创作时都蕴含了自己的独特的观察、表现方式，所以绘画语言有着多样的表达方式，但创作者真正关注的是哪种方式真正契合自己心境的表达。作为土生土长的东方人，长期受到本土文化的熏陶，所以在进行自己的艺术创作中只有注重思考传统文化的表达，探究东方文化的神韵，只有在自己的艺术创作中形成具有中国味道的绘画形式，才能形成自己的艺术风格。

自五四运动和新文化运动后，西洋画才真正的进入了封闭了几千年的传统大国――中国，在这种完全不同的文化冲击中，许多伟大的艺术家和思想家进行了艰苦的探求，以寻求找到一种新的平衡点，使得中国文化和西方文化达到一种和谐和统一。早在20世纪初期便有了对西洋画和中国画发展的探索，早期的传统画家不能够接受西画，但随着西方势力的不断扩大使得他们不得不面对西画，这两种文化便发生激烈的碰撞，既有“守旧派”又有“革新派”，当时他们的思想并不很是成熟，直到30年代一大批留学艺术家的归来，中国的传统绘画和西洋画的发展才有了明确的方向，尽管道路坎坷，但是仍然艰难的前进着。其中在中西结合上最为有影响力的有刘海粟、林风眠、徐悲鸿等人，他们三人都主张中国画的改良，既不全盘西化也不恪守古旧，要“师法造化，寻求真理”“融合中西以创新”，既吸收西方绘画的艺术风格和表现形式又保留中国传统绘画的艺术追求，希望中国画能够借鉴西方的艺术风格和训练方式，丰富中国画的血液。

经过30多年的探索发展到了60年代，中国油画创作真正的进入了追寻本土的阶段，就是在吸取西方绘画精华的同时，使油画创作更具有民族个性。中国绘画的特性强调意境，追求“气韵生动”，用最简单的形式表达最丰富的精神内涵。在使用中国传统元素进行油画创作时，必须在中国画中寻到自己表达所需的元素，并且能将它们与自己的油画创作完美的结合在一起，能用自己的观察和研究，领悟到真正属于自己的表达方式，使自己的油画成为具有东方元素的艺术语言，让画面更加气韵生动和传神。中国绘画讲究笔墨的使用，以写意为主，追求的是一种内在的“神似”，注重表达人物的内在情感和画家(艺术家)自己的精神感受，所以说中国画是一种有意境绘画，是一种表现艺术；而西方的油画则是以写实为主，追求一种艺术形象的再现，以似为美，这两种风格迥异的艺术形式和追求在进行必要的融合发展上，既不能机械的改变某一艺术形式为另一种艺术形式使用也不能笼统的全部接受并不假思索的盲目嫁接，要在两者的精华之处或者它们本身所存在的缺陷上进行必要汲取或补充，这就为中国画与西洋画的融合吸收提供了的发展的温床。

当下，中外油画都在发展，但许多油画家为了赶上西方绘画的脚步，刻意追求一种自己都不是很明白得思想性和时代性，甚至希望能够引领油画创作的潮流(当然这并不是什么坏事)，但这种急功近利的表现有时会起到反面效应，不仅不能够引领世界“潮流”自己却被世界所淹没完全的西化，失去了自己本应具有的东方味道；另一些画家则保持这冷静的头脑，借助东方特有的语言表现出自己的画面思想，在西方文化和东方文化的交流之中能够消化吸收它们的精华之处进行必要的艺术创作，而形成了具有东方文化底蕴的现代艺术，这就是所谓的“越是民族性的就越是世界性的”。

2l世纪，由于文化的多元化和交流的迅速化，东方画家越来越具有本土文化的自觉性和创作的主动性，在油画创作中着重表现具有东方审美情趣风格，形成可一种全新的油画语言，为油画扎根于本土奠定了基础。纵观近百年油画在中国的发展历程，自中国社会接触到油画后，就开始了油画创作的学习，从反对到借鉴再到最后的融合创新，都体现出了鲜明的民族个性，这种民族性在不断的融合中发展壮大。从油画的民族化来讲，许多的艺术家创作者一直在对其进行不懈的探索。例如，林风眠将西方印象主义的艺术风格与中国水墨和意境结合在一起，从而形成了自己鲜明的绘画语言特色。徐悲鸿则将法国古典主义的写实性绘画与中国传统的文人画有机结合在一起，对后世画家产生了巨大的影响。当代画家靳尚谊、罗中立、陈丹青等的油画风格，对中国油画的民族性的完善和发展起到了很大的推动作用。如果说从外表上看油画的民族性，是中西方绘画的结合，而内在上却是中西文化交流的融合，现代绘画的民族性是这些画家们为中国油画的发展注入的新鲜血液。使中国油画创作的表现形式具有丰富的内涵和语言元素，最为重要的是民族神韵与民族精神的张扬，人类文化的发展史启示我们，一种文化作为一个国家的标志，必须要有强大的生命力和民族性，否则不堪一击。

当下是油画的发展进入了全所未有的时代时期，时代发展必然带来艺术创作形式的变化，改革开放的脚步使得中国走进了世界，在这种开放的时代下，怎样进入到世界文化中并且随时可以保护本土性文化成了当下讨论的话题，中国油画的时代性由此张开。随着对时代性的过度追求，加上金钱的刺激和观念的影响，中国油画出现了偏离现象，当我看了“艺术遭遇市场”节目后，感悟颇深，很多艺术背后隐藏着巨大的经济利益，这种现象严重危害者中国油画的'健康发展。所以，我们要把握好本土文化的根基，力图彰显出东方文化的传统个性，不能违背油画创作中的基本原则，我们要对油画进行积极的思考和探究，让绘画领域多元化，这就会使我国的油画不论在哪个领域都会得到巨大的拓展。

华夏文化有着五千年的历史，有着丰富的优秀文化传统，与西方文化有着巨大的差异，但我们必须坚持自己的立场，体现出具有民族特色的灿烂文化。刘继宗在《兼论当代中国油画模式的构建》中指出：“立足于本民族文化，把中国的民族性与现代性双轨合一，是当代中国油画的发展方向。”东方文化中所蕴含的东方语言，是一种‘似与不似’的意境，是中国文人艺术哲学的最高境界，中国文人精神的最高标准则为境界，纵观历史，中华文化虽然受国外来名族文化的冲击，但在取其精华，去其糟粕之后，始终保持者自己的文化精髓，这便是境界所在。天人合一的思想深深扎根于华夏民族的心中，而在今天它所包含的文化价值和精神价值已经受到世界各地学者的重视；随着人类文明的进步，创作者必须要肩负起巨大的历史任务，在油画中表现出东方语言，让东方的艺术境界与世界接轨，齐头并进。一代又一代的艺术创作者们，积极彰显着我国民族的优秀文化，在对外来文化的汲取与借鉴中，不断创新，张扬本民族的传统特色和时代特征，为创造具有东方审美情趣的和富有时代特征的中国油画而不懈努力着，我们期待着21世纪的中国油画发展新纪元。

美术创作油画论文范文汇总篇十二

摘要：美术教学是职专课程体系中的重要组成部分。美术课程不仅能够提高学生的专业素养,还能够培养学生的审美能力和艺术欣赏能力。随着新课程改革的不断深入,教育不仅要让学生掌握学科知识,还要促进学生的全面发展,提高学生的综合素质,这其中就包含了一定的美术鉴赏能力。因此,职专美术的教学十分必要。民间美术作为美术领域的分支,掌握民间美术相关知识对学生美术鉴赏能力的培养具有十分重要的意义。该文分析和研究民间美术融入美术教学的方法,并提出可行的途径,以期为广大美术教育从业者提供教学参考。

关键词：民间美术;美术教学;教学优化;。

随着教育的改革和深化,人们对于教育的要求越来越高,一些人开始喜爱国外美术作品,而忽略了我国民间美术的重要性。美术源于生活,民间美术对于美术教学十分重要。

一、民间美术简述。

民间美术的主要内容是审美意义的造型,其中包含了传统的民间手工艺品,其既具有实用功能,又具有审美功能。民间美术艺术是劳动人民智慧的结晶,具有非凡的艺术魅力和审美价值。民间美术主要歌颂劳动人民,反映劳动人民的生活特点,具有悠久的'历史、深厚的积淀和独特的魅力。民间美术是现实民间生活的反映,只有充满生活气息的土壤才能够孕育出优秀的民间美术作品。

1.正确认识民间美术。

现在,一些人忽略了民间美术独有的自然淳朴、贴近生活现实的美感。民间美术不是农民艺术,而是一种独特的表现形式。教师在教学过程中可以结合课文中的内容,并引用一些民间美术作品。如,在开展有关苏州园林的课程时,教师可以将具有特色的剪纸、泥塑等作品展现给学生。这些都是具有代表性的民间美术作品,蕴含十分丰富的文化魅力。教师在讲课的过程中要充分利用多媒体工具,将这些具有代表性的内容以ppt的形式展示给学生,使其具有真实感,增强学生对作品的理解和认识。教师在课堂教学中还要将一些富有民间美术设计元素的标志介绍给学生,这些元素的内容多源于人民生活,保留有民间美术的影子。同时,教师要在教学过程中让学生找寻身边存在的民间美术作品,以加深学生的理解,让学生能够感受民间美术的独特魅力,逐渐爱上民间美术。

2.美术教育中融入民间美术。

美术教育是文化教育,教师要在教学过程中融入民间美术,培养学生的美术素养,最大程度地触动学生。首先,教师要重视实践教育,激发学生的创新意识。美术学习是学生不断理解、掌握美术知识和提高美术素养的过程,教师只有在教学过程中提高学生的理解能力,才能够提升学生的审美能力。其次,教师要重视学生的个性发展,鼓励学生创新,在学生学习的过程中不要遏制学生想象力的发展。教师在设计教学的过程中可以将民间美术带入课堂,让学生观察和分析,从而激发学生的创新意识,使其逐渐掌握民间美术的特点,将民间美术带入自己的生活。最后,教师要加强与学生情感的沟通。教师在美术教学的过程中要改变以往的教学模式,增强学生的主体地位,增强美术文化内涵教育,并将民间美术融入美术教学,让学生能够主动探索和感悟美术的奥秘,加深对美术的理解,提高鉴赏能力。

3.民间美术与日常生活结合。

随着时代的变化发展,民间美术也在不断的进步和发展,教师要让学生理解民间美术的涵义。如传统民间剪纸艺术,各个时期的剪纸具有不同的涵义,其造型反映的文化内涵、民俗以及宗教信仰等都和生活有着十分密切的联系。大部分中国剪纸都具有年年有余、富贵平安等寓意,而现在的剪纸形式更加多元,内容也更加丰富多彩,如北京奥运会的福娃剪纸。因此,教师在美术教学过程中要让学生根据身边的事物进行表现和思考,让学生发掘创作素材,并用自己的方式创作作品,这样能为民间美术增添一道别样的风采。在课程的改革发展过程中,教师要合理开发和利用民间美术资源,将其融入教学和学生的生活,让学生将民间美术发扬光大。

结语。

将民间美术融入美术教学,能够有效激发学生学习美术的兴趣,提升学生的审美能力,培养学生的民族情感,同时使学生对民间美术有更加深刻的认识。此外,学习民间美术能够让学生根据自身的生活创作个性化的美术作品,使教师的教学目标得以实现,为学生的长远发展提供保障。

参考文献。

[1]巨云和.粤西美术教育基地――岭南师范学院美术与设计学院.美术观察,(6).

[2]陈雨桐.当代艺术融入中学美术教育的价值与教学模式.美术教育研究,2018(8).

[3]曾海平.引进《高雅艺术进校园》/。

美术创作油画论文范文汇总篇十三

在造型艺术中,作品样式的'推陈出新,实质上是对点、线、面造型本体元素的创造性运用及其相互问从建构剑解构再到建构的循环式整合.

作者：郭祖昌作者单位：广州美术学院油画系刊名：艺术界英文刊名：artlife年，卷(期)：“”(2)分类号：关键词：

美术创作油画论文范文汇总篇十四

“摹仿”“再现”的价值，在西方美学史上曾被多次强调，古希腊哲学家亚里士多德，提出艺术家之所以把艺术当作自然和现实的“一面镜子”，是因为艺术的本质是对自然的摹仿。因此，这个时期就孕育出了写实风景。瑞士著名心理学家皮亚杰在《发生认识论》中提出：风景画的创作和欣赏活动应该是一个互逆的系统发生的过程，在画家和受众之间进行。在这种绘画中，画家借助对自然风景真实的描绘，向这个自然风景的容器倾注自己的情感，把自己对世界的理解和感受传达给世人。欣赏者既能在共鸣中寄托自己的情感，又能通过对这种景物的真实欣赏体会到画家的情感。那么在这幅画面前，就产生了一个共同的投射点，这是来自创作者和欣赏者的情感。19世纪的英国风景画画家康斯特勃尔，一生创作了无数有关他故乡题材的风景油画作品。有人这样打趣道：他一生“就像蒙在鼓里的蜗牛一样，与故乡的磨坊相依为命”。确实，生活在故乡的小河边、树荫下是他的愿望，故乡的山山水水悄无声息地变化便是他取之不尽、用之不竭的绘画题材，正因为他对故乡有着无限的热爱，才能在他的作品中向世人展现出最完美的景色。我们欣赏康斯特勃尔的作品，并能与之达到情感的'共鸣：儿时的伙伴、成长的见证这样的角色都是被一座平常的山、一棵平凡的树来充当，这也是我们欣赏康斯特勃尔非常重要的原因―――这种深深依恋故乡的情结。俄罗斯巡回画派画家列维坦，生活在俄国寻求变革的白色统治时期。他最具代表意义的风景作品是著名的《弗拉基米尔卡》《墓地上空》《傍晚钟声》等均呈现一种悲怆和凄凉的气氛，表达了当时压抑的社会情绪。相信每个欣赏者都被康斯特勃尔的直率、朴实，透露出雄浑、奇异，以及对他们大自然独特的、诗意的诠释而深深感染着。

2表现风景。

除了上述写实性较强的画家，在风景油画的创作历史上，还有一批画家，他们注重艺术作品独特的个性和鲜明的特点，认为自然景物只是一个载体，画家能够从自然景物中得到启发，利用构图、色彩、线条和笔触等绘画技术作为符号，构建一个个似是而非的轮廓，去创作具有鲜明、独特个性的艺术作品。在他们的笔下，传统作画中用透视、严格的比例等来制造一种视觉逼真的幻象效果的方法被抛弃了，风景的自然形态变得次要，甚至荡然无存。艺术家用带有情绪化的色彩、线条来创作，他们的作品带给欣赏者的是一种色彩和情绪上的纯粹美感。这种风格的艺术家，更强调情感和绘画因素的表现力。巴比松画派的柯罗被称为是梦幻诗意风格的代表，他的画虽然朴实无华，但是却有着深深的寓意，画中大部分描写的是清晨的静谧，有时还会描绘出烟雾缭绕的梦幻，色调柔和。例如，他的作品《疾风》，让人感觉到作者作画时的激动心情，那在狂风中不甘弯腰的大树，让人不禁想起创作者内心中不畏强权的大无畏精神，也反映着当时现实社会的情感态度。印象主义画家是这种风格的先行者，印象派对色彩的运用开启了美术史上的一场真正的革命―――它打开了光和色相互辉映的大门，使得传统油画中暗淡的画面像自然本身一样充满光彩。例如，莫奈的《日出印象》等，画中诸物象没有具体的轮廓，只有似是而非的光影与无比丰富的色彩。从后期印象主义画家凡？高的风景作品中，我们可以对他的色彩和笔触的精神内涵有更深一层的了解。

凡高生前不为人知，常常像梦游似的疯狂地作画，他极力冲破印象主义用光和色来表现瞬间印象的限制，追求个人的独立精神和主观情感的表现。这一切情绪全部化作扭曲、颤抖的笔触和强烈、明快、响亮的色彩。《普鲁旺斯的果园》《星夜》《村道》等作品的画面上挤挤挨挨、粗野狂放的线条，翻滚跳跃、尖锐刺目的色彩，骚动狂乱、焦灼不安的气氛以及升腾燃烧、充满张力的空间等，使有限的画面难以容纳，无法承受。无论你高兴与否，风景都在那里，创作者给它以欢快的色调，它就会高兴，而赋予它灰暗的色调，它便会哭泣。油画风景创作有了灵魂才能鲜活、生动，才能引人入胜，这个灵魂就是创作者的真实情感―――必须具有真情实感才能将生活的真实转化为作品的真实。艺术创作的源泉来自真实情感的体验和流露，风景画是画家心灵深处诚挚的、热烈的情感倾诉，康斯泰勃尔的纯真朴实，透露出雄浑奇异，柯罗的恬静温柔，无不表现了画家对大自然魅力和诗意的独特感受，作为欣赏者，只有进入创作者作画的情景之中，体会和感悟作画人彼时的情感，深入理解作品的感情内涵，才能静观自然，凝思自己，顿悟一切。