艺术的故事读后感范文通用(模板20篇)

读后感是对于书籍反映的社会、人生问题进行思考和研究的一种表达方式。写读后感时应注意语言简练、清晰明了，不要使用过多的生造词语或长句。推荐阅读以下是小编为大家精选的读后感范文，希望能给大家一些灵感。

艺术的故事读后感范文通用篇一

寒假中我饶有兴致地阅读了房龙先生写的《地球的故事》一书，这本书非常有趣，它告诉了我很多地球的故事。有地球在宇宙中的地位、地球的年龄、各个大陆的位置、气候的形成和各种自然景观、生物的起源等等。它让我了解这个世界是多么的神奇、奇妙和美丽。斯堪的纳维亚半岛的形成、发现亚洲和地球的奇妙令我惊讶。很多故事在我们的生活中看得到或感受得到，于是我更加深醉其中。

其中特别神奇的澳洲引起了我的好奇。澳洲是澳大利亚的简称。虽然澳大利亚没有什么优势，内陆地区几乎都是沙漠。可是，正是因为它“与世隔绝”的地理环境，因此对当地的植物、动物产生了影响，让澳大利亚成了一个“活化石博物馆”!在植物中，如金合欢、贝壳杉、桉树，对于科学研究都有很大的价值。在动物中，袋鼠和鸭嘴兽可以算是这里的'“招牌”了!袋鼠属于有袋目课目，它十分可爱，是一个慈祥的母亲，经常把宝宝放在自己的育儿袋里。而鸭嘴兽则属于单孔目动物，属于低等生物，不过也挺可爱的!

在这本书中，我最喜欢丹麦，因为它是童话的王国，从小听着《安徒生童话》的我们有着不小的吸引力，“美人鱼”铜像是丹麦的标志，也是我们心中童话的标志。但在《地球的故事》中，我看见了不同的丹麦。脱掉了童话外衣的丹麦在现实中也是耀眼。丹麦人的智慧，使得这个仅有1.6万平方英里，但缺乏自然资源、陆军、海军、矿山和山脉，但却能与一打面积大、人口众多、有军事野心的国家匹敌。他们有着理性的生式方式，时刻保持着警惕，这个小国家在过去的时代曾经进行过一些艰苦卓绝的战争，但它现在却自愿解散陆军和海军。

通过这本书的阅读，使我深刻认识到人们是怎样来适应自然、利用自然以及改造自然的。人类虽然可以利用自然，改造自然，可是这样，环境就会被破坏。如果地球上每个都让自家的烟囱不分白天黑夜地冒烟，那么用不了一个星期，地球就会变得混乱不堪，无法居住。地理环境会影响人类的生存，反过来人类生活又会影响地球的环境，人类应该与地球友好相处，否则就会受到自然界的惩罚。

《地球的故事》，这本书不仅开阔了我的视野，增长了我的知识，还了解了许多鲜为人知的关于地球家园的知识。我觉得我们要和平共处，共同呵护地球家园，共同享受美丽的地球家园。这样一个独一无二的世界的社会文明才能迈进一大步，地球才能更加美好。

艺术的故事读后感范文通用篇二

前段时间想看看关于艺术方面的书，因为不是专业人士所以希望能找一本图文并茂，描述通俗易懂但又不是很低幼的书，这本艺术的故事很对我的胃口。

在买书之前我看了前几年大家对这本书的评论，包括桃子依旧与大家互动的一些回复，看得出大家对这本书的感情......

我还去了书店看了下前几年的版本，那个圣经版携带很方便但主要是字太小，不适合我。那个版本其实也不错了，一度想买，但发现今年已经有了新版，哑粉纸的，看之前大家关于对书的用纸的讨论和遗憾我感觉我是幸运的，所以果断的在网上买了这个版本，里面的插图印刷更精美，贵点儿也值了，很喜欢，买回来打开先闻了一下，喜欢这个味道......

刚开始看，对内容先不做过多评价，但有一点，我有一种停不下来的感觉，需要自己提醒自己先停一停消化消化......这可能就是好书的魅力吧。

艺术的故事读后感范文通用篇三

老师给我们推荐了很多艺术类的书，其中有一本叫《艺术的故事》，这本书很强大，被誉为艺术中的圣经。据说它被译成30种文字。把成千上万的人引入了艺术的殿堂。作者贡布里希是当代最有洞见的美术史家，也是最具独创性的思想家之一。

读这本书的时候，我怀着毕恭毕敬的心情，本来计划用一个月的时间把这本无比厚的书给读完。因为我是一个没有耐性的人，以前看书只要超过400页我都没有看完，我一直以来都没有读书的习惯，看着那些密密麻麻的字，总是耐不下心来，把一本书给读完，更别说从中找到乐趣了。但是，这本书好像有巨大的魔力，每天早上都催促着我起床，把我呼唤到图书馆，那丰富的图片和那有趣的故事强烈的吸引着我，读那么厚的一本书突然变成了我的一种享受，每次读《艺术的故事》这本书就让我感觉眼前打开了一个崭新的世界，总会有一种喜悦的心情。其实能够让我这样着迷的是那些细节的阐述。《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》是大家最熟悉不过的了，一开始的时候，觉得不就是画了12个人而已嘛，但是读了《艺术的故事》关于《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》的描写，虽然篇幅不是很长，但会觉得妙不可言。引人注目的是蒙娜丽莎看起来栩栩如生，她真像是正在看着我们，而且她有着自己的想法。就在这里，作者水到渠成的开始介绍“渐隐法”并且很贴心的在旁边附上衣服蒙娜丽莎面部的大图，可以让我们更清楚的明白这个画法到底有什么独特之处。更让我佩服的是，凡是有可以做比较的参照物，作者都不会忘记表明这个参照物到底是在书本上的第几页，具体是什么地方可以对比或者反衬，我想这就是所谓的举一反三吧。这不仅是一个学习的方法，更是一种学习的态度。

在前言我被震撼了，看到了很多实话。作者骇人听闻地说：“现实中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”他还说艺术的故事是“各种传统不断迂回，不断改变的故事”每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来，作者谈到了原始人和古埃及人是画他们的所知道的东西，而印象主义者却是想画他们所见的东西。作者既不是简单地罗列史实，也不是用一些抽象难懂的“主义”来概括美术史，而是描述了一系列的“问题情境”，他认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。

读完这么一本厚厚的书，觉得《艺术的故事》不仅教给人们欣赏艺术，而且它还让人们欣赏了知识和智慧的魅力。所以，这本书值得我们去读。

艺术的故事读后感范文通用篇四

艺术的魅力在于，它可以超越时空交流，是艺术家一种无声的永恒的传递。

当然艺术不是人云亦云，艺术也不是随波逐流，所有的作品都是有核心的。每个人都说《蒙娜丽莎》是世界名画，当你站在她面前的时候，你只是点点头，然后感叹地说：《蒙娜丽莎》果然是世界名画啊，达芬奇听到一定想出来抽你，因为那不是达芬奇想表达的。

艺术是一个鉴赏者跟艺术家之间沟通的方式，无论是品评一个建筑或是欣赏一幅画，你跟创作者能碰撞在某一点上，那一瞬间就像互相重叠在“十”字的中间，哪怕只是看懂了画中人的一个表情，一个姿势，一种眼神，一种意境，一种情感，这都是交流，也许重叠的那一“点”就是所谓的艺术吧！

艺术的故事读后感范文通用篇五

这本书讲述了喜剧巨星卓别林，雕塑大师罗丹，印象派画家的始祖莫奈，咏唱生命之歌的柴可夫斯基，全能天才达芬奇，与命运进行抗争的强者贝多芬和音乐神童莫扎特。我在这些人中发现了一个问题，他们大部分人的家庭式不完整的。比如柴可夫斯基。

他原本有一个很完整的家庭，可是由于他父亲的差错，他的父亲和母亲路混了，这对小柴可夫斯基的`打击是很大的。但是不久，他回到了他所痴迷的音乐中，让音乐抚平自己的伤痛。在音乐学院，他不断的创造出优美的曲子，他的曲子在毕业大会上取得了银牌奖。

此后，他就在音乐学院教学，这件事情耗去了他很多的创作时间，但是他对教学还是充满着热情。此后他接二连三的创作作品，热别是天鹅湖和睡美人，一直都在演奏着。在他创作完第六交响曲之后，这个伟大的音乐家就跟这个世界说了再见，把许多美丽的曲子留在了世间。

他的故事告诉我，一个人不经历一些风风雨雨，是不可能成为像柴可夫斯基那样的伟大的人物。其实不仅仅柴可夫斯基，还有贝多芬，他在面对着降临在自己身上的苦难时，他的“我要勇敢扼住命运的喉咙”振聋发聩。我觉得大家都该来看看这些名人的故事，当我们遇到一些困难和挫折的时候，想起他们的故事会给我们力量。

书读完了，但是书中的那些人和那些事都已经深深的刻在我的大脑里了。

艺术的故事读后感范文通用篇六

艺术的故事的读后感，来自京东网的网友：首先声明，艺术的故事是英国贡布里希的版本，厚厚的一大本，彩页，原价280，就是在当当上买也要近200元。尽管已经有了电子版本，但是在手中翻阅、抚摸带来的愉悦是不能用屏幕代替的`。咬牙、狠心，还是买了。非常值得拥有的一本书，从西方艺术的原始之初开始，到现今的各门各派，由详细阐述和精美图片。对于出入艺术之门也好，还是已经有所基础的也好，均可以从中得到你想要的知识。看了前面有读友的留言，狠狠心，还是买了一本。尽管已经有电子版本的了，但是翻阅纸张的愉悦和观摩精美的图片是电脑上不能享受到的…….

艺术的故事读后感范文通用篇七

我们对艺术的起源不甚了了。过去对绘画、雕塑、建筑的态度不仅仅是纯粹当作艺术品，而是当作有明确用途的东西。如果不了解过去艺术必须服务的目的，也就很难理解过去的艺术。上溯历史越远，艺术必须服务的目的越明确，越奇特，如原始人的艺术，接近人类起源的状况，出于实用的目的，施行法术，对抗大自然和超自然的力量。

这种“原始”的东西在我们身上还有，例如对相片，还有一些迷信的残余。原始人对于实物与图画的界限更不清楚。

猜想原始人对于图画威力的普遍信仰，留下了最悠久的古迹，如拉斯科洞窟壁画。一些原始部落能佐证这个猜想。

艺术家的工作就是运用他们的全部技艺和知识为行施法术提供能发挥作用的作品。身边依然有这种事情，国旗、婚戒。

然而即使礼仪和习惯已经规定好，也还是给趣味和技艺留下了选择和活动余地。

原始艺术作品按照预先规定而行，但艺术家仍然留有自己气质余地。原始艺术，并不意味着艺术家对技艺仅仅有原始的知识。例如新西兰的毛利木雕，技艺精湛。当然，一件东西难于制作不一定就能说明它是艺术品，但原始部落的技术水平足以证明他们的手艺很好，他们与我们不同不是由于技艺，而是由于观念。“整个艺术发展史不是技术成熟程度的发展史，而是观念和要求的变化史。”

部落艺术品何以看起来生疏，涂鸦的实验告诉我们，原始艺术家用自己喜欢和顺手的形状构成人物或面孔，或许不大像原物，但能保持pattern的统一与和谐。

原始艺术家创立了一套套精细方法用这种装饰性的样式去表现各种人物与图腾。以北美印第安海达部落酋长房屋的图腾柱为例。

原始艺术往往需要理解其目的，才能理解艺术家倾注的感情和劳动。也许不理解其寓意，但仍能欣赏其周密的手法。艺术在其奇特的起源时期，不应该用现在的观念去对待，以为其目的是开心或装饰。那时的文明，观念与我们大不一样，所以作品显得生疏而不自然。以古代美洲为例，阿兹特克、印加、玛雅。

早期文明的制像不仅跟法术和宗教有关，也是最初的文字形式。虽说对神秘起源所知有限，但可以想想书画同源。

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艺术的故事读后感范文通用篇八

我们这一代的每位艺术史家，思考绘画的方式都几乎由贡布里希塑造成形。我15岁时阅读了《艺术的故事》，从此以后就像千百万人一样，仿佛获得了一幅伟大国度的地图，借此可以信心百倍地探赜索隐，无须担心走入歧途。

——尼尔?麦克雷戈，英国不列颠博物馆馆长，1995年

在帮助人们熟悉艺术的伟大事业中，《艺术的故事》是一部巅峰之作。我无法表达自己对它的赞美之情。此书值得一读再读，就像美酒佳酿那样，愈加品赏，愈觉其味隽永。

——卡特?布朗，美国美术协会主席，1995年

《艺术的故事》是我阅读的第一本艺术史，当时我还是一个19岁的学生。这是一个启示，让我无法废卷放手。它开启了某些人类思想的最伟大的成就之门。笔墨中充满了爱与学识，清彻而富有洞见，它是艺术欣赏的经典基石。

——布里奇特?赖利，著名的欧普艺术家

我对恩斯特?贡布里希充满了感激。15岁在校时我读到《艺术的故事》，又好奇又激情涌动。它将人类经验中艺术中心论的感觉植入我心中。他把广阔的知识和个人洞察力相结合，激励我去观看我所能见到的所有绘画与雕塑。最近我重读此书，给我的感觉仍如以往一样强烈。

艺术的故事读后感范文通用篇九

这本书讲了一个传统不断变化、不断延续，一个艺术创新的问题，就这点而言最适合学艺术的学生来读的。该书被誉为艺术史中的圣经。据说它被译成30种文字。就是这本书把成千上万的人引入了艺术的殿堂。作者贡布里希是当代最有洞见的美术史家，也是最具独创性的思想家之一。生于奥地利的维也纳，后移居英国并入英国籍。任美术界最高荣誉——剑桥和牛津大学斯莱德美术讲座教授，以及哈佛等多所大学的客座教授，屡获欧美国际学术机构的特殊荣誉。他还有学术著作有《艺术与错觉》、《秩序感》、《艺术发展史》、《象征的图像》等。50年前《艺术的故事》刚问世时的一段书评说：“这部肯定被广泛阅读的著作将会影响一代人的思想。贡布里希的学问，尽管在这一领域工作的任何学者都不难察觉，但他却表达得不露声色，而且几乎在每个论题上都讲出了新意。他以寥寥数语就阐发了一个时代的整体气氛。”这段文字出自当时的艺术史权威博厄斯之手，半个世纪后被证明绝非溢美之词。《艺术的故事》顾名思义不是一部高深的学术著作，作者开宗明义：本书打算奉献给那些需要对一个陌生而迷人的领域略知门径的读者。因此作者的任务是用浅近的语言，让读者用崭新的眼光去观看艺术作品。简而言之，这是一部通过艺术史来帮助人们欣赏艺术的通俗读物。

《艺术的故事》讲述的是各种传统不断迂回、不断改变的故事，每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来，因为在这个故事中，哪一方面也不如这样的景观奇妙：即一条有生命的传统锁链还继续把当前的艺术跟金字塔时代的艺术联系在一起。换句话说，“艺术为何会有一部历史”？作者以其特有的方式给出了回答。因此，如果说《艺术的故事》有一种艺术史的模式的话，那就是艺术问题史的模式。它不仅不同于艺术进步史模式，而且尤其反对那种已成了陈词烂调的艺术是时代精神表现的模式。正是在讨论艺术问题的提出与解决时，作者建立了一个社会情境的模式，这个模式的主要内容就是艺术家所面临的问题情境。难能可贵的是，作者用简洁的语言把手中的问题表达得如此清楚透彻，真是一个了不起的贡献。

本书不因用语浅近而降低理论的深度，正所谓“意深而文明”，使其写作本身就成了一种艺术。《艺术的故事》的心理学出发点正是这种观念，作者谈到了原始人和古埃及人画他们的所知，而印象主义者却想画他们的所见。通读全书，我们看艺术家如何从原始人和古埃及人的概念方法一步步走到印象主义的方法。尤其值得注意的是，作者在结尾写道：在印象主义的方案中也许有某种矛盾导致了再现艺术在20世纪的崩溃。因为实际上没有哪位艺术家可以抛弃所有的法规和程式，单纯地画他的所见。换言之，作者提出了所见与所知理论本身存在的一个巨大问题。从而把这个理论问题留给了他的更高深的著作《艺术与错觉》去解决。至此，我们可以进一步地说，《艺术的故事》不仅教给人们欣赏艺术，而且它还让人们欣赏了知识和智慧的魅力。所以，这本书值得我们去读。

读了这本书《艺术的故事》后，感觉它为我打开了一个崭新的世界，这也是我们学艺术讨论最多的一个问题——创新问题。《艺术的故事》从头至尾就是讲艺术怎样创新，艺术的风格怎样变化，一个新的风格怎样取代旧的风格。旧的风格是不是就完全死亡呢，不是，它还会有死灰复燃的时候。这本书讲了一个传统不断变化、不断延续，一个艺术创新的问题，就这点而言最适合学艺术来读的。

《艺术的故事》顾名思义不是一部高深的学术著作，作者开宗明义：本书打算奉献给那些需要对一个陌生而迷人的领域略知门径的读者。因此作者的任务是用浅近的语言，让读者用崭新的眼光去观看艺术作品。简而言之，这是一部通过艺术史来帮助人们欣赏艺术的通俗读物。

记得德国艺术史家温克尔曼在观看一件巴洛克雕塑时说的第一句话就是：“这是什么样的轮廓啊！”显然，艺术欣赏的首要问题就是形式问题。这也使我们想到了另一位伟大的艺术史家、形式分析的奠基者沃尔夫林，他在《艺术史的基本概念》中曾对形式分析的问题提出了五对概念，即线描性和绘画性、平面和深度、封闭形式和开放形式、多样性和同一性、明晰和朦胧。这五对概念影响深远，成了后来讲授艺术形式的出发点。然而在《艺术的故事》中，我们却看到了作者更简洁的手法，他只用构图设计的平面性和忠实自然的立体性这一对概念就完成了沃尔夫林五对概念所起的作用。特别值得注意的是，这种分析法也是作者贯穿全书的一个重要观点，我们在阅读时将不难发现。

本书作者的另一个重要思想，即作者在前言中所交代的一个观点：一方面，在艺术问题的解决上，某个问题的解决方案无论怎样激动人心，都毫无例外的在别处激起了新问题；另一方面，艺术发展在一个方面有什么所得或进步，都必然会在另一个方面有所失，主观的进步概念无论多么重要也不等同于客观的艺术价值的提高。正是由于这些原因，《艺术的故事》讲述的是各种传统不断迂回、不断改变的故事，每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来，因为在这个故事中，哪一方面也不如这样的景观奇妙：即一条有生命的传统锁链还继续把当前的艺术跟金字塔时代的艺术联系在一起。换句话说，“艺术为何会有一部历史”？作者以其特有的方式给出了回答。因此，如果说《艺术的故事》有一种艺术史的模式的话，那就是艺术问题史的模式。它不仅不同于艺术进步史模式，而且尤其反对那种已成了陈词烂调的艺术是时代精神表现的模式。正是在讨论艺术问题的提出与解决时，作者建立了一个社会情境的模式，这个模式的主要内容就是艺术家所面临的问题情境。难能可贵的是，作者用简洁的语言把手中的问题表达得如此清楚透彻，真是一个了不起的贡献。本书不因用语浅近而降低理论的深度，正所谓“意深而文明”，使其写作本身就成了一种艺术。

西文艺术史的研究，从作为一门学科算起，已有一百多年的历史。它的研究重镇在20世纪上半叶之前，主要集中在德语国家，所谓的艺术史的语言就是德语的语言。从20世纪初，艺术史研究中出现了一种趋势，即要为艺术史找到一种科学基础，于是学者纷纷把目光转向了心理学，并产生了很多心理学式的艺术史研究理论。其中有一种可称为所见与所知的理论。这种理论认为历代艺术家坚持不懈地与妨碍他们精确描绘视觉世界的知识进行斗争。知道事物实际如何，例如知道人的面部是以鼻子为中轴线两边对称，就会妨碍人们对侧面像的描绘，要获得纯粹的视觉艺术就需要不带成见地观看这个世界，就是这场与知识的破坏力量的斗争，以及要恢复“纯眼”的决心，使艺术从埃及的完全“概念性的”艺术走向了印象主义的完全“知觉性的”艺术。

艺术的故事读后感范文通用篇十

你说你想变得更加有艺术感一点，那么来看看艺术的故事读后感，可以受熏陶的哦。下面是本站小编精心为你整理艺术的故事读后感，希望你喜欢。

“艺术”是个遥远而崇高的词。每当我在一瞥中恍惚所见“艺术”两字，便畏惧般地匆匆避开，深怕自己如赤子的无知引来对其的亵渎。在中国，艺术的发展自商周的青铜器墓室中的壁画至高山流水的音乐翩翩优雅的舞蹈及唐煮宋点明沏泡的茶道，而如今我们更多的是在追求对古时的悠远的怀想而非致力于创造新鲜的血液。所以怀揣着一个中国梦的我总是梦想，在我的中国我们的中国里，会涌现出一批又一批的伟大艺术家，创造出一代又一代的巅峰之作。

只因我在少时总是摒弃了对于艺术的亲近的念头，无论是童年时期的习画或是书法，总抱着一种敬而远之的态度，因此此类不成爱好便也只能草草了事。而如今当我真诚地怀着强烈的膜拜之心看那古今集大成者的书画杰作或是身边同龄人引以为傲的大笔一挥的作品，便又为以前的年幼无知后悔不已。身处中国，目光所及之处是遍地开花的书法国画古玩。面对市场上充斥的良莠不齐的作品，如何炼出一双火眼金睛至关重要。

但是敲开艺术领域的大门是件极其艰难的事儿，因为你永远也猜想不到这个圈子里的都是些什么物种。他们或孤僻或癫狂或神经质或敏感得要命(此皆艺术家们的独有特色)。书房里曾有摞成一刀的书画册，其中的仕女图我到如今也没看出有什么稀罕劲儿。然而读《艺术的故事》时我看见贡布里希说过：“事实上，左右我们对一幅画的爱憎之情的往往是画面上某个人物的表现方法。”这样的一句话打消了我对古代美女们丰满肥美的脸庞以及狭长细小的眯眯眼因不解而产生的反感。

当第一遍拿起书粗粗翻过《艺术的故事》，意料之中地看到第七章《向东瞻望：伊斯兰教国家，中国，2至13世纪》。中国作为四大文明古国之一，艺术史的发展理所应当地作为超前所在。但是在中国，艺术愈来愈作为高端高雅的象征，旨在人们并不是能够轻易地够到艺术的被拔的很高的高度。前段时间我的舅舅为我带来一幅喷漆画。他在意大利街头闲逛时看到一位街头艺人在现场作画销售。他花了十欧元买下一幅瀑布画并带回中国。显然在国外，艺术是件自由自在的事儿。艺人们可以无所畏惧生活来源，以自己的灵感及对艺术的热爱而轻松地活着。国内鲜少能够看到有谁能够坐在街头带有艺术家的漫不经心随意潇洒的气质售卖自己的作品。我看到的更多是流于形式的出现：那些梳着马尾的男人们。为此我感到深深的悲哀，不是与艺术有关的男人都要留起长发以此骄傲地向世人告知“我是艺术家”。所以我想，中国的艺术要脚踏实地实实际际，以此来真正的在品质上提升自己的高度。

最先接触这本书是一个艺术史的师兄推荐，他说，应该从艺术的角度去看看历史。后来上了徐老师的课，终于下决心阅读这本大部头。其实我有点混乱的是《艺术的故事》这本书究竟是在中国艺术史这门课还是公共考古学这门课上徐老师推荐的呢?我记得是在：“我们这个时代的克里姆”时提到过这本书。说起这两门课，总觉得老师在星期四晚上的课表情比较放松，在周五的课上，带着些许疲惫。好吧，回到公共考古学，学习公共考古学有什么用?首先我认为它有别于那些culture的课程。今天上了一个课，老师吐槽culture，认为中大在各种通识课程上加了个culture，希望学生们有点人文素养。公共考古学这么课究竟给我们带来什么?“作为娱乐的考古学，作为知识的考古学，作为表达的考古学”，我想我也很想像老师一样问一句，我们这个时代的克里姆呢?不过，在老师给我们说了这么多个故事，然后自己回到家乡走一趟之后，对待公共考古学，这一个“单一的、自上而下的、作为集体名词的“公共”，作为教育、灌输和宣传手段的公共考古学。多元的、自下而上的、将集体视为个性鲜明的个人的组合的“公共”，作为表达和斗争的公共考古学”倒是有了“理论这东西说多无益。理论再精细，还是不能替代实践。”

当我一个如此的门外汉在翻阅这部书的过程中，那过明或暗或书画或雕刻以及贡布里希言语精辟深入人心的评价无时无刻不让人有一种三步一跪三步一拜的匍匐朝圣之感。然而惊奇的是，我在合上尾页的时刻豁然有了一种君临天下之感。这种感觉我想同格雷诺耶制造出天堂气味的香水，同三毛高坐在撒哈拉沙漠租来小屋的沙发上漠视一切是同样的。我想到我要用艺术者的眼光看待这个我所生活了十六年的世界，我的双眼不能再在尘世灰蒙蒙的污垢缝隙间用世俗的眼光看待一切。“在入世中做着出世的梦。”我希望的目光能够越过千年的尘嚣穿透以光年为单位的距离，远远地眺望这整个，我所生活的平凡而伟大的世界。

前段时间在旅游时翻过一本《从风景到人文风景20xx》的现代画册，其中一幅《神灵守护鲸鱼》让我感动得几乎落泪。苍茫浩瀚的深蓝色大背景下，只有画页最下方偏右处有一头与深蓝色相衬成辉的洁白鲸鱼。而在剩余深蓝色的海洋中，作者画满了浅蓝带白的鲸鱼神灵，所有神灵或东或西，皆在为下方这头可爱的鲸鱼护航。我并没有深层次地妄想着去了解作者此画的意图，我只是单纯地一见钟情。贡布里希没有为我指出我这样无端地被感动是否因为我对艺术还是充满了虔诚的热爱。

就在昨天下午我抱着 吉他听老师给我放钢琴版的《天空之城》。我热泪盈眶地扭过头去，声音哽咽地让老师暂停，继而若无其事地回过头来继续自己的练习。不得不说音乐美在这本书中并没有涉及，我想可能是音乐更多的需要的是耳朵的原因。有时艺术给我帕台农神庙的震惊感，其中根根巨柱顶天立地，音乐也是其中之一。好比听柴小协会让我不能自已，音乐就在那时倏的一声在空中绽开一束烟火。

我想我爱艺术。这是人类毕生无法拒绝的一件事儿，你会自然而然地对其倾心倾心再倾心。我爱中国，在我的中国梦中我期盼中国艺术能够茁壮发展。当隔着万水千山远远眺望的高度被脚踏实地的一步又一步向上所取代时，不由地心怀感激。我感激《艺术的故事》，我感激贡布里希，我感激所有对艺术做出贡献的人。我感激啊，没有艺术便没有如今的曼妙世界。

然而——

“实际上没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”

艺术的故事读后感范文通用篇十一

这本书很早之前就买了，但由于过于厚重就一直没有时间去读，这次放寒假之前还在想要不要拿回家读，因为怕时间不够读完，又不愿意再拿回来。不过，对这本书的阅读速度还是比我想象的要快很多，本以为对于这种关于艺术的著作会很难啃，但事实上这本书的风格真的就像其名字一样，读起来像故事一样流畅有趣，并没有什么晦涩深奥的专业术语，完全是顺着历史的轨迹去回顾艺术的发展。

在本书的开头部分，作者就提出了一个观点：不同时期不同风格的艺术作品所传递的理念是不同的，因此，不能说某一时期要比另一时期的作品更先进，即艺术风格的发展并非是线性的。在原始社会，艺术的出现往往带有对神明崇拜的思想，是作为一种图腾的替代物而出现的。在古埃及，人们认为把人画在墙壁上可以使人得以继续存在，因此，那时的绘画的特点就是要表现出人的特点，用面部的侧面像表示人的五官构成，用躯干的正面像表示人有双臂，而下肢则一前一后的表示双腿的位置，这样的人物显然与人所见的不同。这种绘画方法对古希腊的绘画艺术影响也十分深远，但相比之下古希腊人更关注正常的人的视图，这在古希腊的雕刻中可以很清晰的观察到。由于古希腊人将神视为与人一样的模样，因此他们对神的雕像都是将人的身体进行美化而制成的，人体的肌肉与身材的比例都非常的完美，这个时候我们就已经可以看出当时工匠的技术有多么精湛。

罗马继承了古希腊的遗产，不过罗马时期的建筑则更有特点，从罗马的角斗场可以看到三层不同的希腊建筑的柱式。罗马人对拱顶的使用对后世的建筑风格影响极大。在罗马帝国时期发生的一个重大事件就是__正统地位的确立，这一事件对艺术的发展也产生了很大的影响。巴西利卡式的教堂将罗马建筑的拱顶和凯旋门式的大门结合起来形成罗马时期的教堂的建筑风格，同时，为了装饰教堂内部，绘画和雕刻也得以发展。然而，这一时期艺术的发展完全是为了__宣扬教义而服务，即用艺术作品讲述圣经的故事，因此，当我们观看这一时期的绘画或雕刻作品时，会发现其题材大多相同，且其构图和风格的缺乏新鲜感，因为教会不允许庄严的圣经受到扭曲地表现。东西教会分裂以后，受蛮族入侵的影响，艺术的风格也在相互融合，建筑的风格开始向哥特式的建筑转变，用尖顶代替圆顶，并用飞拱支撑尖顶的重量，墙壁上也装饰有大量的玻璃窗。

中世纪的艺术都在讲述圣经的故事，因此题材和风格都大体相同。但一些画家的关注点开始有转变，他们致力于将作品所表现的场景尽可能真是的表现，而这就要求对人有更深入的观察，这时就进入了文艺复兴时期。文艺复习时期的艺术家们致力于复习古罗马时期的传统，因此他们又开始对古罗马时期的建筑和雕塑进行了重新的学习，这一过程的领导者们主要集中在意大利，本书中作者用很多的篇幅介绍了这一时期的艺术发展。其主要是分两个区域介绍：意大利的创新和北方地区的艺术。在意大利，对于人体结构的解剖观察使得艺术家们能以各种造型绘制出精确的人体造型，而透视法的发明更是为画面的构图提供了数学上的依据，这两者的结合，使意大利地区的艺术家人才辈出，绘画因此成为有依据可学的一种技术。而在北方，自杨·凡·艾克以后，对细节的不断刻画使得绘画成为模仿现实的镜子。意大利在艺术上的新发现传入北方各地，与其绘画风格相互融合，产生了各种不同风格的作品。

宗教改革之后，君主的权利越来越大，艺术作品的题材也越来越丰富，不只是宗教题材，人物画像、静物、神话故事都被应用在各种艺术作品中，艺术家们也不断创新试图突破传统。巴洛克风格的建筑就是对文艺复兴时期所遵循的传统建筑风格的突破，巴洛克风格的建筑往往用双排柱、波纹装饰、雕像战利品等元素装饰，与传统的罗马式建筑或哥特式建筑相比有很明显的叛逆感。在绘画方面，文艺复习时期所确立的科学的绘画技巧已经成为画家们必须学习的技能，然而，有些人并不完全相信这些信条，马内等人在色彩方面有不同的看法，即我们在看事物时，事物各部分出现在我们的头脑中的只是一片混合的颜色，而不是传统绘画中的那些细节的实际颜色。基于这种观点，这些画家用一些色块来组合成脑海中所见到的场景，他们被称为印象派，并逐渐得到了认可。跟随印象派的思想，塞尚将印象派的画表现的更有层次感，以获得新的画面秩序。梵高则大胆的运用线条来表达自己的感情；高更则回归到更原始的状态，去描绘原始世界的景象。顺着这几条线索，艺术的发展进入了现代。现代艺术更多的是一种实验性质的尝试，突破人们习以为常的艺术表达方式，去表现人的梦境、意识等更抽象的世界，往往是将常识打破或用简单的图形和颜色来构成作品，对其作品的解读亦有很多个方面。

上面就是根据本书大致总结的一些知识和看法，想到哪写到哪，逻辑并不连贯且遗漏的地方很多，本书非常精彩，其涵盖的范围十分广泛，并非我这点文字就能概括的，作为一本艺术史书籍，本书并没有讲解如何去解读和分析一部艺术作品，但在艺术的发展史上，不同的历史时期有着不同的艺术理念，而在同一时期又有着各种不同风格的艺术家和艺术作品，对这些理念及其发展的过程有详细的了解有助于更好的理解和欣赏一部作品。作者说这本书是写给十五六岁的少年的入门书籍，我一直觉得中国的教育缺少对艺术的鉴赏的知识，而以这本书作为对西方艺术史和艺术的入门绝对是一个很好的开始。

艺术的故事读后感范文通用篇十二

艺术的故事,读完后大家有什么感受呢?不妨来看看。小编精心为你整理《艺术的故事》读后感，希望你喜欢。

1、实际上没有艺术这种东西，只有艺术家而已。所谓的艺术家，从前是用有色土在洞窟的石壁上大略画个野牛形状，现在则是购买颜料，为招贴板设计广告画;过去也好，现在也好，艺术家还做其他许多工作。只是我们要牢牢记住，艺术这个名称用于不同时期和不同地方，所指的事物会大不相同，只要我们心中明白根本没有大写的艺术其物，那么把上述工作统统叫做艺术也无妨。

2、音乐不属于艺术吗?为啥书中不提音乐?

4、古埃及人从最能体现事物的特色的角度去表现他，哪怕在严格缜密的快照现实之下是违背的。比如赫亚尔墓室的一扇木门。

5、埃及人对每一个细节都有强烈的秩序感，以致于略加变动就会全盘大乱。

6、埃及艺术最伟大的特色之一就是所有建筑绘画和雕刻都遵循着同一条法则，如果一个民族的全部创造物都服从于一个法则，我们就把这一法则叫做一种「风格」，风格很难从语言上去区别，去辨认。但是用眼睛就很容易。

8、中国艺术家不像埃及人那么喜欢有棱角的生硬形状，而是比较喜欢弯曲的弧线。要画飞跃的马时，似乎是把它用许多圆形组合起来。我们可以看到中国雕刻也是这样，都好像是在回环旋转，却又不失坚固和稳定的感觉。

9、我们必须认识到，一旦艺术家最终彻底绝念于把事物表现成我们眼见的样子，他们的面前将会展现多么伟大的前景。。。绘画的确倾向于变成一种使用图画的书写形式;然而这种简化手法的恢复，却给了中世纪艺术家一家新的自由，去放手实验更复杂的构图(构图一词是composition，即放在一起之意)形式。没有那些方法，基督教的教义就绝不能转化成可以目睹的形状。形状如此，色彩更是这样。。。。正是由于摆脱了模仿自然界这一束缚，获得了自由，他们才能传达出那种超自然的观念。

10、不过西欧有一点总是跟东方大相悬殊。在东方，那些风格持续了几千年，而且似乎没有理由要它们改变。西方就绝不理解这种固定性;西方是不断地探求新的处理方法和新的观念，永不停息。

11、在文艺复兴时期的大师看来，艺术中那些新方法和新发现本身从来不是最终目标，他们总是使用那些方法和发现，使题材的涵义进一步贴近我们的心灵。

12、15世纪佛罗伦萨的画家和雕刻家也经常发现自己的处境是必须使新方案适应旧传统。在新和旧之间，在哥特式传统和现代五形式之间搞调和是15世纪中期许多艺术名家的特点。

13、他们也许会认为发现透视法和研究大自然就能把面临的一切困难全部解决。但是我们绝不能忘记艺术跟科学完全不同。艺术家的手段，他的技巧，固然能够发展，但是艺术自身却很难说是以科学发展的方式前进。某一方面的任何发现，都会在其他地方造成新困难。我们记得中世纪画家不理解正确的素描法，然而恰恰是这个缺点使他们能够随心所欲地在画面上分布形象，形成完美的图案。。。。等到把画画得像镜子一样反映现实这种新观念被采取以后，怎样摆布人物形象的问题就再也不那么好解决了。在现实中，人物并不是和谐地组织在一起，也不是在浅淡的背景中鲜明地突现出来。换句话说，这里有一个危险，艺术家的新能力会把他最珍贵的天赋毁灭掉，使他无法创造一个可爱而惬意的统一体。

14、意大利15世纪那些效法马萨乔的艺术家的伟大作品，有一个共同之处：作品的形象看起来有些僵硬，几乎像是木制的。艺术家们已经试验过各种方法打破这个难关。例如。。。，然而，只有达芬奇找到了解决问题有效方法。这就是：画家必须给观众留下猜想的余地。如果轮廓画得不那么明确，如果形状有些模糊，仿佛消失在阴影之中，那么枯燥、生硬的印象就能够避免。这就是达芬奇发现的著名的画法，意大利人称之为渐隐法，这种模糊不清的轮廓和柔和的色彩使得一个形状融入另一个形状之中，总是给我们留下想像的余地。

以前，我认为艺术作品就是艺术家将自己的内心表达出来的产物。但是在欧洲，曾经有几百年的艺术作品都是为宗教服务的，是为了将宗教故事形象化，将宗教教义更深入地植入教徒的心中，中国一些伟大的贤哲也把艺术看成一种工具，提醒人们回忆过去黄金盛世的美德典范。

像本书作者说的，“实际上没有艺术这种东西，只有艺术家而已。所谓艺术家，从前使用有色土在洞窟的石壁上大略画个野牛形状，现在则是购买颜料，为招贴板设计广告画;过去也好，现在也好，艺术家还做其他许多工作。只是我们要牢牢记住，艺术这个名称用于不同时期和不同地方，所指的事物会大不相同。只要我们心中明白根本没有大写的艺术其物，那么把上述工作统统叫做艺术倒也无妨。”

从公元前5020xx年的埃及文明看到19世纪的现代主义，感受到文化的不断传承和突破，并且觉得整个艺术史和社会史是分不开的。艺术也像很多东西一样，是一座城，我们辛辛苦苦的构建一座城，一座稳固的坚实的城，然后又不断从城里走出来，寻求突破。偶尔，会因为走的太远，再回过头去看看曾建造过的城，获得启发继续前行。于是留下了一座座美丽的丰碑。

我觉得埃及艺术可能真的是个源头吧。接着是美索不达米亚文明、克里特岛的被埋葬的文明。很奇怪的是，那些古代文明中的艺术都强调真实和精确。这和我们中国传统的绘画表现很不一样。是什么造成这样的不同呢?待我之后再看看中国绘画或艺术之类的书籍再做探讨。接着而来的，就是希腊文明。最引人注目的是优雅圣洁的神祗雕像，有着完美的人体和优美的曲线衣饰。然后是罗马文明。有一说是认为罗马艺术是对希腊艺术的拙劣模仿。但是幸亏罗马艺术保存了很多失落的希腊艺术，这才使我们还能遥想一下希腊艺术的辉煌。不过，罗马建筑方面的恢弘，实在让人惊叹。想看看罗马斗兽场、万佛殿、凯旋门。巨大的拱支撑起来的万佛殿，书上说光是从穹顶中间的一个圆洞中照进来的，但保证了佛殿内部明亮均匀的光线，想想就觉得很神圣。沐浴那样圣洁的光下应该心灵也会变得柔软，得到净化吧。不知道月光洒下来是什么样的感觉?回归正题，据说罗马的奢侈放纵，因此留有不少的雕塑。

巴洛克时期，这个之前貌似是矫饰主义?

1.充满动感和戏剧性的宗教化。

2.风俗画(仍然富含宗教的神圣感，画面暗含宗教含义)洛尔?

3.肖像画鲁本斯?

色彩和空气。

巴洛克时期的建筑真是让我惊叹不已啊!首先先说一下改革吧，改变了之前希腊罗马式的直线平衡稳定架构，有了曲线和卷涡旋纹，变得动感起来。但最最惊艳的还是走进天主教堂，看到它内部巨幅的壁画，印象最深的就是那个把天花板画成圣母飞升的情景的壁画，华丽的色彩、明亮的光线、层层泛着金边的白云，虽然书上的插图是黑白的，但是光凭想象就可以知道有多震撼，更不用说如果亲眼看见了。

新古典主义：新教国家和天主教国家的对比，新教拒绝奢华。

(ps：1789年法国大革命所以这个国家既经历过巴洛克风格又经历过新古典主义……英法就不一样了，比较早)。

洛可可时期：轻盈纤细的画风，富丽奢华的装饰。在法国盛行过短暂的几十年。太过纤细的东西，田园牧歌似的场景、充满爱的基调。

读了这本书《艺术的故事》后，感觉它为我打开了一个崭新的世界，这也是我们学艺术讨论最多的一个问题——创新问题。《艺术的故事》从头至尾就是讲艺术怎样创新，艺术的风格怎样变化，一个新的风格怎样取代旧的风格。旧的风格是不是就完全死亡呢，不是，它还会有死灰复燃的时候。这本书讲了一个传统不断变化、不断延续，一个艺术创新的问题，就这点而言最适合学艺术来读的。

《艺术的故事》顾名思义不是一部高深的学术著作，作者开宗明义：本书打算奉献给那些需要对一个陌生而迷人的领域略知门径的读者。因此作者的任务是用浅近的语言，让读者用崭新的眼光去观看艺术作品。简而言之，这是一部通过艺术史来帮助人们欣赏艺术的通俗读物。

记得德国艺术史家温克尔曼在观看一件巴洛克雕塑时说的第一句话就是：“这是什么样的轮廓啊!”显然，艺术欣赏的首要问题就是形式问题。这也使我们想到了另一位伟大的艺术史家、形式分析的奠基者沃尔夫林，他在《艺术史的基本概念》中曾对形式分析的问题提出了五对概念，即线描性和绘画性、平面和深度、封闭形式和开放形式、多样性和同一性、明晰和朦胧。这五对概念影响深远，成了后来讲授艺术形式的出发点。然而在《艺术的故事》中，我们却看到了作者更简洁的手法，他只用构图设计的平面性和忠实自然的立体性这一对概念就完成了沃尔夫林五对概念所起的作用。特别值得注意的是，这种分析法也是作者贯穿全书的一个重要观点，我们在阅读时将不难发现。

本书作者的另一个重要思想，即作者在前言中所交代的一个观点：一方面，在艺术问题的解决上，某个问题的解决方案无论怎样激动人心，都毫无例外的在别处激起了新问题;另一方面，艺术发展在一个方面有什么所得或进步，都必然会在另一个方面有所失，主观的进步概念无论多么重要也不等同于客观的艺术价值的提高。正是由于这些原因，《艺术的故事》讲述的是各种传统不断迂回、不断改变的故事，每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来，因为在这个故事中，哪一方面也不如这样的景观奇妙：即一条有生命的传统锁链还继续把当前的艺术跟金字塔时代的艺术联系在一起。换句话说，“艺术为何会有一部历史”?作者以其特有的方式给出了回答。因此，如果说《艺术的故事》有一种艺术史的模式的话，那就是艺术问题史的模式。它不仅不同于艺术进步史模式，而且尤其反对那种已成了陈词烂调的艺术是时代精神表现的模式。正是在讨论艺术问题的提出与解决时，作者建立了一个社会情境的模式，这个模式的主要内容就是艺术家所面临的问题情境。难能可贵的是，作者用简洁的语言把手中的问题表达得如此清楚透彻，真是一个了不起的贡献。本书不因用语浅近而降低理论的深度，正所谓“意深而文明”，使其写作本身就成了一种艺术。

西文艺术史的研究，从作为一门学科算起，已有一百多年的历史。它的研究重镇在20世纪上半叶之前，主要集中在德语国家，所谓的艺术史的语言就是德语的语言。从20世纪初，艺术史研究中出现了一种趋势，即要为艺术史找到一种科学基础，于是学者纷纷把目光转向了心理学，并产生了很多心理学式的艺术史研究理论。其中有一种可称为所见与所知的理论。这种理论认为历代艺术家坚持不懈地与妨碍他们精确描绘视觉世界的知识进行斗争。知道事物实际如何，例如知道人的面部是以鼻子为中轴线两边对称，就会妨碍人们对侧面像的描绘，要获得纯粹的视觉艺术就需要不带成见地观看这个世界，就是这场与知识的破坏力量的斗争，以及要恢复“纯眼”的决心，使艺术从埃及的完全“概念性的”艺术走向了印象主义的完全“知觉性的”艺术。

艺术的故事读后感范文通用篇十三

这本书讲述了100个各种各样的艺术家的故事。全书共100页，每一页都有一位艺术家的生平、人物名言。以及一个蕴含着深刻哲理的小故事，最后还有一个启示。它们大多数都是包含着一个简单易懂的道理。其中，我最喜欢的故事有：为丢勒祷告的手、施特劳斯的衬衫、海顿挑战风暴等等故事。这些故事都激励我们要勤奋学习、刻苦努力，为自己的理想而奋斗。想要成功，就必须脚踏实地，一步一个脚印的努力而执着的前行。

令我感触最深的就属机智敏锐的拉斐尔这个故事了。

意大利杰出的年轻画家拉斐尔，不但绘画才能超群，而且还是一位洞察力极强的人。文艺复兴时期，罗马富豪们大势显摆自己的富裕。经常召开宴席。由于拉斐尔有着卓越的成就，自然也不例外是受邀请参加宴席的嘉宾。可是他讨厌这种风气，所以总想找机会打击一下这些富豪们。

一次，拉斐尔和他的朋友们以及教皇等名流，被富豪阿戈斯蒂诺宴请吃饭。宴席十分气派，餐具全是昂贵的银具。阿戈斯蒂诺为了显示自己的荣华富贵。每当吃完珍宴，就会把银盘都丢到河里。大家大吃一惊，可拉斐尔却不以为然，悄声对朋友说：我料定他早就在河里撒下了大网，银盘一定都落在了网里，等我们走后他再将网捞起来。

为了证实自己的猜想，拉斐尔便在距离自己最近的银盘里作了记号。下次再来的时候，只要还能发现这只银盘......想到这，他们大笑起来。果然不出所料，当他们再次来做客时，便发现了那只银盘。他们当众揭穿了阿戈斯蒂诺的把戏，给了他一个深刻的教训。

名人看起来遥不可及，其实也是普通的人。只要我们学名人的精神和智慧，就一定会成为未来的名人。

艺术的故事读后感范文通用篇十四

像本书作者说的，“实际上没有艺术这种东西，只有艺术家而已。所谓艺术家，从前使用有色土在洞窟的石壁上大略画个野牛形状，现在则是购买颜料，为招贴板设计广告画;过去也好，现在也好，艺术家还做其他许多工作。只是我们要牢牢记住，艺术这个名称用于不同时期和不同地方，所指的事物会大不相同。只要我们心中明白根本没有大写的艺术其物，那么把上述工作统统叫做艺术倒也无妨。”

从公元前50的埃及文明看到19世纪的现代主义，感受到文化的不断传承和突破，并且觉得整个艺术史和社会史是分不开的。艺术也像很多东西一样，是一座城，我们辛辛苦苦的构建一座城，一座稳固的坚实的城，然后又不断从城里走出来，寻求突破。偶尔，会因为走的太远，再回过头去看看曾建造过的城，获得启发继续前行。于是留下了一座座美丽的丰碑。

我觉得埃及艺术可能真的是个源头吧。接着是美索不达米亚文明、克里特岛的被埋葬的文明。很奇怪的是，那些古代文明中的艺术都强调真实和精确。这和我们中国传统的绘画表现很不一样。是什么造成这样的不同呢?待我之后再看看中国绘画或艺术之类的书籍再做探讨。接着而来的，就是希腊文明。最引人注目的是优雅圣洁的神祗雕像，有着完美的人体和优美的曲线衣饰。然后是罗马文明。有一说是认为罗马艺术是对希腊艺术的拙劣模仿。但是幸亏罗马艺术保存了很多失落的希腊艺术，这才使我们还能遥想一下希腊艺术的辉煌。不过，罗马建筑方面的恢弘，实在让人惊叹。想看看罗马斗兽场、万佛殿、凯旋门。巨大的拱支撑起来的万佛殿，书上说光是从穹顶中间的一个圆洞中照进来的，但保证了佛殿内部明亮均匀的光线，想想就觉得很神圣。沐浴那样圣洁的光下应该心灵也会变得柔软，得到净化吧。不知道月光洒下来是什么样的感觉?回归正题，据说罗马的奢侈放纵，因此留有不少的雕塑。

巴洛克时期，这个之前貌似是矫饰主义?

1.充满动感和戏剧性的宗教化

2.风俗画(仍然富含宗教的神圣感，画面暗含宗教含义)洛尔?

3.肖像画鲁本斯?

色彩和空气

巴洛克时期的建筑真是让我惊叹不已啊!首先先说一下改革吧，改变了之前希腊罗马式的直线平衡稳定架构，有了曲线和卷涡旋纹，变得动感起来。但最最惊艳的还是走进天主教堂，看到它内部巨幅的壁画，印象最深的就是那个把天花板画成圣母飞升的情景的壁画，华丽的色彩、明亮的光线、层层泛着金边的白云，虽然书上的插图是黑白的，但是光凭想象就可以知道有多震撼，更不用说如果亲眼看见了。

新古典主义：新教国家和天主教国家的对比，新教拒绝奢华。

(ps：1789年法国大革命所以这个国家既经历过巴洛克风格又经历过新古典主义……英法就不一样了，比较早)

洛可可时期：轻盈纤细的画风，富丽奢华的装饰。在法国盛行过短暂的几十年。太过纤细的东西，田园牧歌似的场景、充满爱的基调。

艺术的故事读后感范文通用篇十五

接触《艺术的故事》这本书是挺意外的，因为研究生考试开始选的学校参考书目就有这本书。看之前总觉得像在应付考试，细读下来却对这本书有了些许敬意。

《艺术的故事》是贡布里希爵士编著的，书中概括地叙述了从最早的洞窟绘画到20世纪前半叶的实验艺术发展历程。里面的内容很多，绘画、雕塑、建筑均有所涉及。倘若是其它艺术史类的著作，六七百页厚的书籍细看下来多少是需要些勇气的。还好本书通俗易懂，简明晓畅的语言就能表达严肃的题目。在这里若让我概述一下每一个章节多少显得有些不合实际。因此，我更愿意来总结一下诸如“透视的发现和在绘画中的应用”这样一个小的脉络。

“透视”这个词在我们看来并不陌生。甚至我们第一天学习美术画个正方体老师们就会给我们讲透视。可能在今天的人看来，利用透视营造真实的空间显得那么司空见惯，可在这些东西刚被发现时当时的人们该是多么惊愕啊！

《艺术的故事》这本书在3、6、10、12、13章中涉及到过透视问题。我大概有这样一个脉络，透视的发现和发展经过了4个阶段。

透视在没有被明确的提出之前被称为短缩法。最初发现短缩法是在比公元前500年稍早一些的一个希腊花瓶上。画的是辞行出征的战士，右脚仍然是继承了古埃及的“保险”画法，但是左脚已经是经过透视短缩了。我们看到5个脚趾好像一排五个小圆圈。也许这么小的一个发现不值得我们这么兴奋，但实际上这意味着古老的艺术已经死亡而被埋葬了。后来的希腊化时期和拜占庭时期的画中也出现过短缩法。当时的艺术家是把远处的东西画的很小，近处的东西画的很大。可是远处的物体有规律的缩小这条法则在古典文化时期还没有被采用。

乔托所画的《“信德”的拟人形象》中，我们看到了手臂的短缩法，脸部和颈部的明暗造型，流动的衣褶中深深的阴影。像这样的东西已经有1000多年之久完全不画了。乔托重新发现了在平面上造成深度错觉的艺术。

到了15世纪初期，布鲁内莱斯基发现了“透视法”。我们已经看到，尽管希腊人通晓短缩法、希腊化时期的画家精于造成景深的错觉感，但是连他们也不知道物体在离开我们远去时体积看起来缩小是遵循什么数学法则。马萨乔迅速掌握了这种透视手段并体现在画中。在他的《三位一体以及圣母、圣约翰和供养人》这幅壁画中，墙面好像被凿了一个洞。通过洞口人们可以窥视到里面的一座布鲁内莱斯基风格的新型葬仪礼拜堂。

到了15世纪后期，安杰利科修士的一幅《圣母领报》中，我们立刻可以看出透视技艺对他来说毫无困难。乌切洛更是全神贯注于透视研究之中。通过他所热爱的透视技艺试图构成一个真实的舞台，使他的人物在那个舞台上有立体感、有真实感。虽然乌切洛还没有学会怎样使用光线、明暗和大气来修润严格透视画法的刺目的轮廓。但他也体验到了透视法给他带来的新奇效果。

曼泰尼亚沿着马萨乔的路子走了下去。他的人物像马萨乔的人物那样动人，那样有雕塑感。曼泰尼亚意在使用透视法创造一个舞台，使他的人物好像立体实物一样站在上面活动。他好像一个高明的舞台监督那样，布列人物来表达这一瞬间的意义和事件的过程。

当然，对透视的探索仍在继续，只是艺术家遇到的问题更多的体现在其它方面了。《艺术的故事》这本书中涉及较少。希望以后能看更多的书籍，进一步总结透视发展的脉络。

艺术的故事读后感范文通用篇十六

“没有艺术这回事，只有艺术家而已。”这是贡布里希书中的第一句话。他说，艺术在不同时代所指的事物会大不相同。诚然，艺术与审美分不开，而审美在现代是一件自由而私人化的事情；然而，追根溯源，想要从远古时期获得艺术定义——山洞中发现远古时期的彩绘，被现代人赞不绝口。可这些所谓的“艺术”放在几万年前，只是为了驯服猎物的而进行的涂画，其功能性职责远大于艺术属性。

“艺术是什么？”似乎是一道无解的题，无法用语言组织答案，但其实，答案早已写在艺术家的作品。《艺术的故事》是贡布里希版的艺术史，他用艺术家与作品的故事串联起艺术的数千年。书中，贡布里希尝试为读者建造连贯的艺术史理解。他乐此不疲地用故事引导读者读下去，并一次又一次带领读者跳跃式回忆之前提到的作品，配合着后半册的印刷作品，那些细细碎碎的“知识点”忽然在脑子里连成一线。

“艺术的故事中哪一个方面都不如这个方面奇妙可观——一条有生命的传统锁链还继续把我们当前的艺术跟金字塔时代的艺术联系在一起。”贡布里希写到。历史没有所谓的“新篇章”，时代也不像图书章节一样，翻页即结束。任何作品都不是横空出世，每一位作家都会或多或少受前期某个艺术风格的影响，而每一个作品和故事也都回顾着过去又导向未来。西方古典艺术作品，对艺术史稍有了解的人都可以说出一二，但也经常会停留在作品罗列的层面。贡布里希就是在帮助读者往艺术的世界再进一步——建立艺术史思维网络。

贡布里希不仅在宏观层面上为读者建立史论基础，也在细致的描绘中尝试打破固有的“标签化”理解。为了朗朗上口，每一个时期都被总结出大致的标签，这也是“教科书史观”给人种下的刻板印象。例如，说起中世纪和它的艺术，“黑暗、控制、教化”等灰色调的词语会浮现在脑海里，这是一种碎片化和片面的理解。的确，优美、标准和生动不是中世纪作品的追求，意义才是。这个时期的绘画和雕塑形象不强调真实的描绘，而更注重背后的宗教意义。

然而，就是这种透过形象来研究象征和符号意义的过程打开了“图像学”的大门。如果说，埃及艺术表达的是知道的存在，希腊人细致的描绘眼睛看见的事物，而中世纪的艺术家开始在作品中表现感觉。比如，在欧洲的中世纪教堂中，不难看到彩色的玻璃窗——浓郁的红色和鲜明的蓝成为人物的底色——他们任意运用色彩，跳脱出感官的世界，更加注重感觉的表达。如此自由而任性的表现，恰恰是“被控制”的中世纪艺术家做到了。

贡布里希认为艺术家应该有“跳脱感观世界”的能力。“一旦艺术家最终彻底放弃把事物表现出我们眼见的样子，他们的面前将会展现多么伟大的前景。”然而，当下社会的儿童艺术教育很容易引领孩子放弃“伟大的前景”，他们被教育把天真的想象力框在“标准答案”里，所有的声音都在告诉孩子：“天必湛蓝，草必青青。”

文章开头提到，贡布里希认为没有艺术这回事，但他的后半句转折道，艺术家是真真切切的存在。“那些男男女女，具有惊人的天赋，平衡形状和色彩以达到合适。不仅如此，他们不肯半途中止，却时时刻刻准备放弃唾手可得的效果，放弃表面的成功，去踏踏实实的经历辛苦和痛苦。”他相信，在每个时代都会有艺术家诞生。当然，我们生活的时代一定也存在伟大的艺术家。只是身在其中，很难跳脱出看待“今日艺术”，也难以判定这是否是一个有利于艺术发展的时代。

定要参加当前的个人画展。

贡布里希反驳说：“根本没有这样的赛跑，如果有，那我们也最好记住龟兔赛跑的寓言。”

艺术的故事读后感范文通用篇十七

我们对艺术的起源不甚了了。过去对绘画、雕塑、建筑的态度不仅仅是纯粹当作艺术品，而是当作有明确用途的东西。如果不了解过去艺术必须服务的目的，也就很难理解过去的艺术。上溯历史越远，艺术必须服务的目的越明确，越奇特，如原始人的艺术，接近人类起源的状况，出于实用的目的，施行法术，对抗大自然和超自然的力量。

这种“原始”的东西在我们身上还有，例如对相片，还有一些迷信的残余。原始人对于实物与图画的界限更不清楚。

猜想原始人对于图画威力的普遍信仰，留下了最悠久的古迹，如拉斯科洞窟壁画。一些原始部落能佐证这个猜想。

艺术家的工作就是运用他们的全部技艺和知识为行施法术提供能发挥作用的作品。身边依然有这种事情，国旗、婚戒。

然而即使礼仪和习惯已经规定好，也还是给趣味和技艺留下了选择和活动余地。

原始艺术作品按照预先规定而行，但艺术家仍然留有自己气质余地。原始艺术，并不意味着艺术家对技艺仅仅有原始的知识。例如新西兰的毛利木雕，技艺精湛。当然，一件东西难于制作不一定就能说明它是艺术品，但原始部落的技术水平足以证明他们的手艺很好，他们与我们不同不是由于技艺，而是由于观念。“整个艺术发展史不是技术成熟程度的发展史，而是观念和要求的变化史。”

部落艺术品何以看起来生疏，涂鸦的实验告诉我们，原始艺术家用自己喜欢和顺手的形状构成人物或面孔，或许不大像原物，但能保持pattern的统一与和谐。

原始艺术家创立了一套套精细方法用这种装饰性的样式去表现各种人物与图腾。以北美印第安海达部落酋长房屋的图腾柱为例。

原始艺术往往需要理解其目的，才能理解艺术家倾注的感情和劳动。也许不理解其寓意，但仍能欣赏其周密的手法。艺术在其奇特的起源时期，不应该用现在的观念去对待，以为其目的是开心或装饰。那时的文明，观念与我们大不一样，所以作品显得生疏而不自然。以古代美洲为例，阿兹特克、印加、玛雅。

早期文明的制像不仅跟法术和宗教有关，也是最初的文字形式。虽说对神秘起源所知有限，但可以想想书画同源。

艺术的故事读后感范文通用篇十八

我们对艺术的起源不甚了了。过去对绘画、雕塑、建筑的态度不仅仅是纯粹当作艺术品，而是当作有明确用途的东西。如果不了解过去艺术必须服务的目的，也就很难理解过去的艺术。上溯历史越远，艺术必须服务的目的越明确，越奇特，如原始人的艺术，接近人类起源的状况，出于实用的目的，施行法术，对抗大自然和超自然的力量。

这种“原始”的东西在我们身上还有，例如对相片，还有一些迷信的残余。原始人对于实物与图画的界限更不清楚。

猜想原始人对于图画威力的普遍信仰，留下了最悠久的古迹，如拉斯科洞窟壁画。一些原始部落能佐证这个猜想。

拉斯科洞窟壁画约公元前15000—前10000年。

艺术家的工作就是运用他们的全部技艺和知识为行施法术提供能发挥作用的作品。身边依然有这种事情，国旗、婚戒。

然而即使礼仪和习惯已经规定好，也还是给趣味和技艺留下了选择和活动余地。

原始艺术作品按照预先规定而行，但艺术家仍然留有自己气质余地。原始艺术，并不意味着艺术家对技艺仅仅有原始的知识。例如新西兰的毛利木雕，技艺精湛。当然，一件东西难于制作不一定就能说明它是艺术品，但原始部落的技术水平足以证明他们的手艺很好，他们与我们不同不是由于技艺，而是由于观念。“整个艺术发展史不是技术成熟程度的发展史，而是观念和要求的变化史。”

部落艺术品何以看起来生疏，涂鸦的实验告诉我们，原始艺术家用自己喜欢和顺手的形状构成人物或面孔，或许不大像原物，但能保持pattern的统一与和谐。

伊努伊特的舞蹈面具阿拉斯加约1880年。

原始艺术家创立了一套套精细方法用这种装饰性的样式去表现各种人物与图腾。以北美印第安海达部落酋长房屋的图腾柱为例。

原始艺术往往需要理解其目的，才能理解艺术家倾注的感情和劳动。也许不理解其寓意，但仍能欣赏其周密的手法。艺术在其奇特的起源时期，不应该用现在的观念去对待，以为其目的是开心或装饰。那时的文明，观念与我们大不一样，所以作品显得生疏而不自然。以古代美洲为例，阿兹特克、印加、玛雅。

阿兹特克的雨神特拉劳克14—15世纪。

早期文明的制像不仅跟法术和宗教有关，也是最初的文字形式。虽说对神秘起源所知有限，但可以想想书画同源。

艺术的故事读后感范文通用篇十九

这本书讲了一个传统不断变化、不断延续，一个艺术创新的问题，就这点而言最适合学艺术的学生来读的。该书被誉为艺术史中的圣经。据说它被译成30种文字。就是这本书把成千上万的人引入了艺术的殿堂。作者贡布里希是当代最有洞见的美术史家，也是最具独创性的思想家之一。生于奥地利的维也纳，后移居英国并入英国籍。任美术界最高荣誉——剑桥和牛津大学斯莱德美术讲座教授，以及哈佛等多所大学的客座教授，屡获欧美国际学术机构的特殊荣誉。他还有学术著作有《艺术与错觉》、《秩序感》、《艺术发展史》、《象征的图像》等。50年前《艺术的故事》刚问世时的一段书评说：“这部肯定被广泛阅读的著作将会影响一代人的思想。贡布里希的学问，尽管在这一领域工作的任何学者都不难察觉，但他却表达得不露声色，而且几乎在每个论题上都讲出了新意。他以寥寥数语就阐发了一个时代的整体气氛。”这段文字出自当时的艺术史权威博厄斯之手，半个世纪后被证明绝非溢美之词。《艺术的故事》顾名思义不是一部高深的学术著作，作者开宗明义：本书打算奉献给那些需要对一个陌生而迷人的领域略知门径的读者。因此作者的任务是用浅近的语言，让读者用崭新的眼光去观看艺术作品。简而言之，这是一部通过艺术史来帮助人们欣赏艺术的通俗读物。

《艺术的故事》讲述的是各种传统不断迂回、不断改变的故事，每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来，因为在这个故事中，哪一方面也不如这样的景观奇妙：即一条有生命的传统锁链还继续把当前的艺术跟金字塔时代的艺术联系在一起。换句话说，“艺术为何会有一部历史”？作者以其特有的方式给出了回答。因此，如果说《艺术的故事》有一种艺术史的模式的话，那就是艺术问题史的模式。它不仅不同于艺术进步史模式，而且尤其反对那种已成了陈词烂调的艺术是时代精神表现的模式。正是在讨论艺术问题的提出与解决时，作者建立了一个社会情境的模式，这个模式的主要内容就是艺术家所面临的问题情境。难能可贵的是，作者用简洁的语言把手中的问题表达得如此清楚透彻，真是一个了不起的贡献。

本书不因用语浅近而降低理论的深度，正所谓“意深而文明”，使其写作本身就成了一种艺术。《艺术的故事》的心理学出发点正是这种观念，作者谈到了原始人和古埃及人画他们的所知，而印象主义者却想画他们的所见。通读全书，我们看艺术家如何从原始人和古埃及人的概念方法一步步走到印象主义的方法。尤其值得注意的是，作者在结尾写道：在印象主义的方案中也许有某种矛盾导致了再现艺术在20世纪的崩溃。因为实际上没有哪位艺术家可以抛弃所有的法规和程式，单纯地画他的所见。换言之，作者提出了所见与所知理论本身存在的一个巨大问题。从而把这个理论问题留给了他的更高深的著作《艺术与错觉》去解决。至此，我们可以进一步地说，《艺术的故事》不仅教给人们欣赏艺术，而且它还让人们欣赏了知识和智慧的魅力。所以，这本书值得我们去读。

艺术的故事读后感范文通用篇二十

贡布里希先生的《艺术的故事》（杨成凯先生译版）按时间顺序记录了从史前到20世纪上半叶的作画，建筑，雕塑的变化趋向，大多现实客观准确无误；超过400张画与照片，让不论何时的旧影清晰重现，对比清晰，趣味繁多。

这本书被别人亲切地称为：“上帝赐予艺术史门外汉的礼物”，如果大家因为这是一本专业类的书籍就怕自己读不懂，那么告诉大家并不是这样。简读几页便可知，这本书文字简明易懂，没有什么生僻的词汇，一些比较难懂的翻译译者也都注出了，普通人读起来完全没有问题。

也许会觉得这本书很枯燥、很厚，没有能力读完；但事实上，全书到正文部分结束一共有637页，基本上每两页都会配超过一张图，这些图有一部分是如蒙娜丽莎般的世界名画，有一部分的图读者则闻所未闻，每幅图都有自己的特点，可以前后比较，贡布里希先生也会带来一些独到的见解，透过这它们可以探索一些也许他都没有发现的点，像是画中有那一部分人体结构处理不协调，画家为什么会这样做？是因为他观察不仔细，对人体的研究不够透彻，还是故意去修改人体的比例以达到画面的整体和谐？在细品完整本书后，读者也许会形成一套自己的见解于思维。

对于本书的内容，会简要分享几点，可能不能完全正确地表达贡布里希先生的意思，但可以看看这本书中的一些贯穿全文线索是什么。

首先，贡布里希先生在导论的第一页就提到大多数人欣赏艺术的常见误区是“喜欢在画上看到一些在现实中也爱看的东西”。这本书为我们打开了一个全新的艺术世界：对古人来说，以美为美；但是对我们来说，更重要的是艺术品背后的成因和它具有革命创新性的地方。这是让我们正确对待艺术的一个较基本的原则。如果没有正确的理念，又何谈正确认识艺术？这些认知层面上的小小改变，思维的小小固化，可能就是让读者开始爱上艺术的重要因素。

其次，书中所阐述的题材，大多来自西方，一个我们相对不了解的地方。欣赏这些画作和了解它们的背景有利于我们对世界上其他国家的某一个时代有更好的整体把控能力，在这之后阅读其他的作品或者学习世界史，欧洲史时，脑海中可以浮现这个时期的画作风格，著名的作家，可以更深入地研究一些其他隐藏的讯息。

除此之外，雕塑艺术，也再现了许多文化间的交融与变迁，像是希腊文明是如何从古埃及一成不变的实用型艺术转变为自己的“真实”的艺术的。存在于建筑和雕塑中的细节甚至多于绘画，像是大家熟知的罗马斗兽场/圆形竞技场，给人一种规则而宏大的美。但是，不仔细观察的人又何会意识到，每一层的小拱门之间的柱的样式是不一样的？教堂内部的分隔经历了怎样的变化？火焰哥特式建筑的勾心斗角又是从何而来？阅读《艺术的故事》以后，关于这些微小又宏大的变迁，你可以了解更多。

结合上面这些特点，推荐这本书。因时代受限，20世纪50年代出版的这本书不乏男权主义的色彩，但是它清晰的调理和所蕴含的知识足以盖过这不足。对于那些不了解而又渴望了解艺术的，可以翻阅翻阅这本书，相信它能带来不小的收获。