最新装饰艺术方面论文范本(精选17篇)

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装饰艺术方面论文范本篇一

[摘要]千年的历史，浩若星辰的传统装饰艺术，就像一颗嵌在艺术史项链上的钻石璀璨明亮，为我们留下一个巨大艺术宝库，供后人享之不尽。一个民族站在如此深厚的文化积淀面前，应该如何面对过去，又该如何把握末来。21世纪人类已进入一个信息与太空的时代，人类的遗产密码在不断地破译，既定的定义被新的论证所取代，在这样一个激烈变革的时代，人的意识正在经历着一场困惑的危机，面对日新月异的科技，许多人无所适从，我们应该找到一种平衡，优秀的传统文化在现代社会中的价值是什么？该如何继承学习，又该通过何种载体来体现。

[关键词]传统装饰艺术陶瓷装饰艺术结合。

一、传统陶瓷装饰的特色。

中国的传统装饰艺术就像一部中国的历史源远流长，在这样一个漫长的时空中我们也只能是艺海撷贝。

宋瓷的发展，深受宋文化审美的影响，在其装饰风格上，和宋画一样追求一种细节的真实和诗意的“灵气”，画面多为飘逸潇洒，一气呵成。在宋的五大名窑中，以磁州窑、耀州窑的装饰为上品，折枝莲花、花叶、卷草、缠枝、牡丹、莲瓣飞鸟衔草、凤穿牡丹等等，题材内容广泛，造型饱满，构图生动，尤其称道“刻划法”的装饰手段，它集装饰、工具材料的美为一体，在瓷土上行刀自如，腕力顿挫抑扬，最后的一层青釉把装饰美与工艺美完美无瑕地结合体现了出来。瓶、碗、盆边脚在连续纹样装饰上，此时也达到了一个顶峰，它既衬托了主纹饰又丰满了器皿的整个造型。此外，民窑在装饰风格上的较为随意，从而坯体刻划装饰形式，为陶瓷美学开辟了一个新的境界，它不但追求质地之美，还体现材料间交合之美，釉与坯体、坯体与装饰的划痕迹美。它们都体现了这一时期的美学特征，对这一时期装饰艺术的推动起着不可估量的作用。如龙泉窑绿而晶润的梅子青，耀州窑的葱绿，磁州窑的黑白化妆土等，都是坯体装饰与表釉结合的经典代表。

传统装饰艺术虽历经千年的衍变，确未在变迁中暗然失色，反而愈加有东方民族的特色，历经时间长河的冲刷，更显出其独有的魅力。科技革命已经把人类带到一个前所未有的空间中，生活的多元化、意识的宽泛化，使艺术的传承薪火相传。

陶瓷艺术发展过程中的继承性，是一个历史的扬弃与发展的过程，从装饰题材到内容和形式，从创造方法到技巧，我们今天无一不是在继承了前人的优秀成果的基础上，发展起来的。优秀的装饰纹样如“牡丹纹”、“莲花纹”、“卷草纹”等等在继承和改良的基础上，仍然被今人认为是极具民族特色的装饰纹样而广泛地运用，正是这种历史的积淀使这些“纹饰”大受欢迎。具有民族性，也就是具有世界性，传统的陶瓷装饰艺术在经历了千年之后，仍然具有强烈的感染力，艺术在时代的变革中发展，在发展的过程中容纳百川，囊括经典，汇成了变异多彩的艺术长河，在流淌过程中，产生了继承性和统一性。

我们今天的陶瓷装饰艺术行为，无不是站在古人的肩上，在先人已奠定的基础上进行创造的，在所谓“前人栽树，后人乖凉”的基础上继承与借鉴其有益的东西上发展起来的。

二、传统陶瓷装饰在现代陶瓷中的.运用。

在现代陶瓷装饰上，追求艺术上的独创性和鲜明的个性风格，是中国陶瓷艺术家长期坚持的优良传统，各个地区的不同窑场，甚至各个窑场不同作坊，在保持传统形式、民族风格的基础上各自发挥自己的优势，努力创造和发展自己艺术个性，使得现代陶瓷艺术百花齐放。

1．民族风格在现代陶瓷装饰上的反映。

在陶瓷装饰方面，先人们给我们留下了丰富的艺术宝库。现代的陶瓷艺术家在继承民族优秀的陶瓷装饰经验的同时，结合现代人的审美情趣和先进工艺创造出许多装饰上具鲜明时代特征，意蕴美好的陶瓷艺术作品。

既有传统特色，又有时代新意。现代陶瓷艺术家在注重传统的同时，力求作品完美的艺术效果，永恒的艺术魅力。例如，景德镇巴德伟设计制作的“楚乐”台灯，就是作者运用了多年积累的有关历史、文学、书画等方面的知识及各种专业技能，在造型上借助了青铜编钟古朴、深厚、气度恢宏的民族风格，在装饰上主体画面采用三面汉砖刻画像：收获、弋射、导车，画面填上青花色科，用刻刀剔去空白部分，任其自然斑驳的痕迹，刻刀留下的凹凸不平的涩胎与青花形成色调与光泽的对比，画面之间竖直凹起部分，采用阳文篆刻书：“致广大，尽精微，融古今”，围绕房篆刻阴文书“读书破万卷，落笔超群英”，并填上珑釉，画面的上下绿边饰以乳钉，其它部分帽粘上一层细碎的泥颗粒，从而增强了整个装饰的粗犷、质朴风格，通体施青釉，使青花色料在青绿釉下显得格外沉着、庄重，达到传统与现代的完美结合。又例如瓷板画“冬”，它是以景德镇传统刷花工艺来表现的，装饰内容以表现自然界冬天雪景的气氛，展现出的是一幅宁静舒展和秀美的乡村雪景图画。作者在表现形式上，把现代人们的审美趣味与爱好通过色彩内容有机地融合在一起，不仅使传统刷花技术得到充分的发挥，也使传统刷花艺术重新展示了新的精神风貌。

装饰艺术方面论文范本篇二

摘要。

在现如今随着社会的进步，人们的生活水平也不段得提高，但是这也给人们带来了很大的压力，人们不得不找一些娱乐的场所来释放自己的压力，使自己更好的得到放松，人们除了去一些酒吧，ktv这种娱乐场所外，更吸引人的就是茶楼，它是符合各阶级人的聚会的场所，在这里人们可以逍遥的聊天，冷静的洽商，还可以下棋和观赏茶艺表演，举办各类茶事流动。因此茶楼成了最好的聚会场所，茶也就成了世界公认的饮料。人们对于茶楼的设计也就有了别出心裁的设计。但是大部分的设计都离不开中国的传统文化，因此在整体的茶楼设计上，需要充分的体现出茶楼文化。让人能在在期间能够起到放松，安静的场所。设计茶楼创新风格就是在不要循规蹈矩，要与传统背道而驰要别出心裁，要顺应主流。这些设计充分展示了茶楼的装饰、布局、建筑风格和历史特点。

关键词：茶楼文化公认。

论文题目：中式风格与茶楼设计的交融性。

一、国内外现状综述。

茶楼是体闲清雅好场所。休闲是一种时代概念，但休闲的样式或类似休闲的消遣方式却古已有之，休闲与人类历史同在在漫长的历史岁月中，中国人创造了独特的文明传统，也形成了一系列独具特色的休闲样式，茶楼就是其中一列。今日之休闲是现代社会的新潮+其形式多种多样，丰富多彩，茶楼仍列。

第1。

期徐采成2l世纪茶楼发展趋势57其中。作为传统饮料的茶，与人们血脉中的文化渊源一脉相承，喝茶对都市人来说有返朴归真的感觉。

到茶楼休闲，这是茶楼振兴的时代文化内涵，到茶楼品茗消费已成为都市人的时尚一杯清荼似可映大干世界的斑澜色彩，让人谈泊名利，又可品昧短暂人生的苦辣酸甜，使人陶冶情操。对于年轻人来说，茶楼饮茶是休闲。绝大多数的现代化茶楼。充满悠悠自得、轻松浪漫的气氛，馆内大都配备了供客人翻阅的各式报刊、扑克、围棋等休闲道具。有的情侣相拥絮语绵绵，或三五成群荼客指点江山高谈阔论，或独自凭栏凝思通想。

年轻人相聚茶楼+或打牌、或品茶、或谈心诉衷肠，各得其所，各得其乐，新式茶坊成了年轻人理想的休闲场所。中年人一茗在手，或听艺术讲座，或看荼艺表演，博古论今，茶香缭绕，享尽休闲乐趣。老年人在廉价茶楼，用茶香加醇追忆昔日，感怀今天的滋味，纯粹人生休闲。茶楼也是商务洽谈的好地方。许多茶楼店中有小问，环境安静优雅，可以在这里接待客商，边品茗，边洽谈，谈成也行，谈不成也以茶会友，别有情趣。有的经商者+在名片上印上每天几点在茶楼几座会客，以求在茶楼作交易。

现如今中国的茶文化应有尽有，点一杯清淡的香味的茶，与茶友谈闲天论地，借一缕茗香，营建一方安稳平静，制造一个修身养性。茶楼已经成为了城市里的一种符号，它用外观诠释着茶的文化、茶的历史，又内在的包容着现代都市人的情感宣泄。

圈现代茶楼的文化与各种文化相融合、碰撞，形成了全新的文化，因此设计师也在寻求着适应这种变化，感悟茶楼文化，研究和领会文化内涵，掌握内在，重于创新，形成有别于传统又不失传统风格的设计，从而更好的满足人们的审美愉悦。

而日式风格的茶楼设计说明常常认为茶楼经营理念合适而使用格子的图案作为扮饰，譬如在饭桌上铺上干净素净的格子布的桌巾，边上放一盏简简唯独、罩子同为格子条纹的白的颜色纸灯，俨然是清爽新鲜典雅的日式笔调。拿世界文化双遗产地武夷山来说，它就具有独特的文化传说和特有的装饰材料，到当地的茶楼，坐在店内可见室内装饰材料多已翠竹和木料为主，空气中飘着阵阵兰花幽香，听着店主娓娓动听的描述着大王和玉女的动人爱情故事品上一壶上好的大红袍，感觉上真不愧是别有一番风味。

二、研究目的。

该开题报告的目的就是让更多的人去了解中国文化，通过中式元素在茶楼中的交融性，使茶楼能够带给人一种清新、安静、舒适的环境。能让顾客在一天的劳累后在这里更好的放松自己，有一个愉快的心情。使顾客在期间更能感受到轻松和悠闲的感觉。

三、

主要内容。

在急速袭来的经济大潮与人口迁移的洪流中,人们正在逐渐失去传统与自我意识的深沉联系,正在成为自己领域中的陌生人。如今，茶楼的精神依旧，但是有些观念已经发生了相当大的变化。茶楼虽然还是人们聚会的地方，但也是一种另类的休闲和娱乐场所。然而传统文化是不可再生资源,是民族血脉的相溶点。茶楼是中国茶文化的衍生物，是时代的折射和浓缩，唐人的豪放，宋人的.精细，明人的雅致，清人的闲散，都定格在了中国象形文字的无声画面中，在这历史演变的过程中涉及的文化问题，可以得知传统文化在茶楼设计中处于重要地位，中国传统文化可以说是茶楼设计中的精髓。

所以说在选择风格上理所当然会融入中式风格，将中式元素成功的运用到茶楼的设计中,只有充分的理解利用中式元素,感悟中国的文学艺术,进一步了解中国社会才可以激活自己的传统文化,从整体空间的层次上营造良好的建筑环境,充分展现特定地域的特色文化内涵,发扬我国的本土文化精神,对我们社会、国家的长远发展具有不可估量的推进作用。只有自己民族的东西才是最有说服力的,才能经得起考验,冲向世界。不过，有很多茶楼设计的实例，无疑是当今最优秀茶楼的范例，有其受到赞许的理由。有的设计循规蹈矩，有的与传统背道而驰，有的别出心裁，有的顺应主流。这些设计充分展示了茶楼的装饰、布局、建筑风格和历史特点等。总之，每一个设计都极富生命力!

四、学术价值。

中国茶文化博大精深，而西方文化则最值得我们去借鉴感悟，要在一个固定的空间内创造出不同的风格.这无疑对设计师是极大的挑战。改革开放以来，西方的文化大量涌人中国，对于中国传统的设计风格冲击很大，茶楼亦是如此。就像唐装、旗袍穿到现代人的身上总些改良一样，这样才有新意。茶楼的设计也大量借鉴了酒吧等其他娱乐休闲场所的设计风格，越来越多的体现出东西方、古典与现代融合的迹象。它以古代的装饰为主，中间吸取了大量的现代元素，东西形式合璧，将西方的实用主义结合东方的情调。这种风格是感性和理性的结合，设计师在感性的设计时要明确的通过装饰去表达理念，从而达到较高的意识品位。在设计上，启用了以典雅的中式新古典为设计主题，其中造型上运用了网格窗和漏景过道。

使顾客在期间更能感受到轻松和悠闲的感觉。装修风格以含蓄清雅为主，体现出了东方式的精神内涵。其中多点缀文房四宝，书画瓷器等，更体现了中国的文化。为了更能让顾客感到满意，更加能够吸引各地顾客，在装修上则以简单时尚为主，其实这并不是豪华的装修就一定能吸引顾客。太过豪华的茶楼会让顾客觉得这里的消费比较高，反而在无形中流失了许多顾客。茶楼装修的总体风格上，不需要太华丽，但必须要有自己的特色。天然居茶楼就是坚持自己的理念，既突出了中国文化，还有现代的风格。把茶楼设计成最时尚最有特色的休闲场所，通过用室内的摆设和装修给人带来一种全新的现在茶楼感觉，使人们一进到里面就想到了现在的酒吧一样，使个阶层的人都会喜欢上这里。

五、实用意义。

该茶楼重在环境上给人安静和温馨的感觉。在其中的材料中大多使用的是生态木，这样会把人们带回大自然的感觉，在大厅里设设置了很多展示台，这样人们不但能品尝清香的茶，还能观看茶道的很多艺术品，以此对茶有更深一步的了解。茶楼是中华民族传统文化的一部分，对于成都人来说，茶楼也是一个较实惠的消费场所，为人们提供了一个方便的休闲活动，所以在接待大厅里展示了关于茶文化的展品，更能够让人们对茶文化的认识。

贴近自然就是一项很重要的设计理念，此茶楼设计时留了很多的窗户，这样茶楼内的工作人员以及顾客都可以自然地看到外面，更容易把阳光接入室内。这样的茶楼设计，轻而易举就消除了茶楼的封闭感觉以及黑暗沉闷的气氛，更有温馨的感觉。

茶楼，并不单单是饮用茶水的地方，茶楼是中华民族传统文化的一部分，天然居茶楼也是一个较实惠的消费场所，为人们提供了一个方便的休闲活动，如交友、聊天,打麻将等不同风格的茶楼。

主要参考文献。

《茶文化在现代茶楼环境设计中的渗透与应用研究》李琼音《室内设计资料集》。

《中国室内设计年鉴》有关于中国文化的文籍。

彭强，刘字.现代茶艺馆投资与设计解读【j】.广州茶业，20xx，(5)：123.张长征.青岛茶楼的设计风格评析【j】.中国科技信息，20xx，(8)：221.

装饰艺术方面论文范本篇三

摘要：

艺术、景观、建筑三者之间存在着密切的联系。

三者虽相互影响、相互学习，由于知识体系不同，设计师们接受的训练不同，三者呈现出的作品仍然存在差异。

本文将从设计过程到最后作品的呈现来展现出三种艺术的差异，以及对于它们产生的思考。

关键词：

大地艺术。

景观设计。

建筑设计。

场地精神。

学生建造。

1实地建造。

在同样的场地条件，同样的材料要求下，在学生建造活动中，3种不同的作品对场地不同的理解展现出了很大的区别。

在“东南大学三校联合学生建造活动中，不同学科的参与，呈现出了3种风格迥异的作品，分别体现出了大地艺术、景观设计以及建筑设计的特色。

大地艺术的作品充满视觉冲击力，结构自由随性。

景观设计作品与场地有很大的关联性，和场地对话。

建筑设计的作品很完整，自成体系，结构完整。

2大地艺术。

大地艺术诞生于20世纪60年代晚期，引导人们关注自然，注重生态，坚持可持续发展原则。

大地艺术通常都是宏大壮观的，让人发自肺腑的感到对大自然的崇拜、敬畏。

大地艺术的创作主要受到艺术的影响，和许多艺术创作一样，支配创作者的是激情、灵感。

在实际建造中，区别于建筑学科学生严谨有控制性的设计建造，它的设计及建造过程是自由的。

甚至没有完全的图纸，就在一次次的手动实验和调整中落成。

3景观设计。

景观(landscape)：是指土地及土地上的空间和物体所构成的综合体。

它是复杂的自然过程和人类活动在大地上的烙印。

景观设计体现了人对自然的认知，用自己的审美，针对自己的需求，将自然材料作为要素，营造出适合人类活动的环境。

同时，在建筑和环境中，景观还起到一个缓冲作用，协调两者，平衡人与自然的关系。

在建造中，景观学科的学生作品也充分体现出了这种特征。

在和环境的交流对话上，景观学科学生的作品最突出。

即使在一个小构筑物中也体现了人对自然地改造，希望人们的活动可以通过放置的构筑物产生改变，有意识地引导人的活动。

同时也体现了它在协调人与自然关系中起到的作用。

在山间的小路上放置了这个作品，使路的视觉效果没有那么强烈突兀，非常柔和地缓解了路与绿色植被的冲突，通过设计协调人与自然的关系。

建筑的产生体现了人和自然的斗争。

为了对抗寒风、雨水，人们必须搭围合的构筑物来保暖，久而久之，不同形状、不同材料地综合使用丰富了构筑物的造型，建筑诞生了。

建筑在这三者之中无疑是体量感，造型感最能得到体现的。

建造中，建筑学科学生的作品充分体现了这一点。

在设计过程中十分严谨，对节点、结构的研究思考非常透彻。

在建造过程中，也是充满了控制力，每一个步骤都是在人的控制掌控之下，一步一步将构筑物呈现。

在最后的成品中，它的结构最为完整，自成一体系。

让人觉得无论放置在什么环境中都可以，没有和环境发生过多联系。

它向我们展示的主要是结构的美感，设计的控制力。

5总结。

在一次建造中，在同样的环境中，3种作品的展现体现出3个学科的区别。

建筑学强调人的控制，强调人在设计中的重要性，作品完整，不需要自然的参与，自成体系。

景观设计则是通过人的设计，人造构筑物的安置协调人类改造和大自然的巨大差异，它的主要作用是协调人与自然的关系，柔化尖锐矛盾同时也改造自然使之适合自己需求。

而大地艺术却是在通过自身的视觉冲击来引发人们思考，不存在什么实用意义，却是为了唤醒人们精神上的共鸣而存在。

在倡导绿色生态设计的今天，三者在以后的发展中，势必会有更多的交集。

建筑将更加注重与自然的融合对话，景观会更加注重对自然的利用以及对建筑外环境的.改造，大地艺术将会出现更多好的作品，让人们对人与自然关系做出更深入的思考，给建筑设计和景观设计带来源源不断的灵感和启发。

装饰艺术方面论文范本篇四

论文摘要:敦煌壁画和彩塑中丰富的首饰纹样从魏晋时期发展至元代。北朝造型风格简洁、粗犷，到隋唐时进入发展强盛期，人们生活富足，追求奢华的生活，促进了珠宝加工工艺的发展，风格由简洁转为繁复，首饰种类更加丰富。到了五代时期，北方频频战争，首饰装饰已走出人们日常生活视线，步入衰落，饰物造型粗大。莫高窟首饰纹样的发展过程也表现了不同文化的影响，早期受中原文化的影响，到隋唐时期，商贸的发展促进了民族文化的交融，首饰装饰风格具有明显的西域特征，到五代时期受战争的影响，中原风格又占居主导地位。首饰纹样的发展随着石窟艺术的整体发展脉络而经历了质朴——华丽——简洁的总体演变过程。

敦煌学涵盖的内容广泛，装饰图案是其中的一个研究方向。近几十年来对敦煌装饰的研究，更关注于壁画中的藻井、背光、边饰、龛楣等装饰图案，并对这些纹样进行了系统的整理临摹和纹样分析工作。但是对于壁画和彩塑中丰富的首饰纹样还有待进行更细致的研究整理。当我们认真地分析这些从魏晋时期到元代，随着石窟艺术的整体发展脉络而经历了发展、兴盛、衰弱的首饰纹样，会发现这部分的装饰纹样有着自身的发展特征。

敦煌首饰装饰纹样根据装饰的部位不同可分为：头冠、胸饰、腰饰、手镯、臂钏、脚饰、耳饰、璎珞等。敦煌莫高窟中佛身上的饰物较少，首饰变化主要体现在菩萨身上，这与印度佛身上丰富的首饰装饰的特征有所不同。莫高窟不同时期的首饰造型各异，有一个逐渐演变的过程。要分析首饰装饰图案，首先要把它纳入敦煌莫高窟艺术的整体发展脉络中。从现存的莫高窟早期洞窟中，可以感受到其深受西域、印度佛教艺术的影响。莫高窟石窟艺术是佛教由印度传入中原线路中的一个重点。因此，早期莫高窟的首饰图案具有西域粗犷、概括的装饰风格，但在首饰种类上则沿袭了印度首饰的特点。

一、北朝时期。

具有西域、印度佛教装饰风格的莫高窟北朝时期首饰，风格简洁、拙朴。其主要的首饰图案，北凉时期为颈饰和胸饰，表现手法多为浮雕。到了北魏、西魏时期，壁画绘制更加精细，壁画中菩萨的头冠独具特色，表现手法多为手绘。

北凉时期的颈饰一般呈宽带状，由长方形方块排列组成。方块色彩为石绿、深褐相间，在每一方块中间浮塑有一朵小花，单层花瓣，中间花芯突出。在宽带颈饰底边的石绿、深褐色块的相连处，会垂饰一串小珠。这一时期在此式样的颈饰上还有一种变化，宽带底边为莲瓣形尖角，如同现代服装中的桃形领，相间设色，底边缀饰圆珠。

北凉时期的胸饰呈两种造型，一种为单串长念珠，长椭圆形珠子与小正圆形珠子相间串连，胸饰长及肚脐。在珠串的正中底部还串有一朵小花，与颈饰上的小花呼应。胸饰的长形珠与正圆形珠设色也为石绿、深褐相间。这种相间用色使人联想到首饰的材质为翡翠、深色的陶珠，同时也与此时期石窟壁画中藻井、边饰运用石绿、深褐、白间隔用色的装饰风格相统一。这种造型的胸饰或从颈部正面垂于胸前，或单肩斜挎佩戴于胁侍菩萨胸前。两种佩戴形式在印度佛教塑像中都有出现。另一种垂至肚脐的胸饰造型，中间浮塑一圆形花头，两边装饰两块三角形，上面用刀简单地划出线纹。三角形的两边有双线连至颈部。这一装饰造型使人联想到印度犍陀罗菩萨胸前的对兽头璎珞，据说是王公贵族服饰的真实写照。

北凉的臂钏、手镯造型简单，仅为浮塑的一个圆环，壁画上胁侍菩萨的臂钏会在正面多画一个圈。耳饰也为简单的圆形环，没有串珠的坠饰。此时期以堆贴浮塑或手绘造型的首饰，从造型和表现手法上都透露出粗犷和简洁的特点，特别是饰物与菩萨体形相比，明显比例过大，更显粗犷。

北魏、西魏时期，中原的画风和道教精神更多地在壁画中显现，壁画中人物刻画细致、形象飘逸。菩萨头冠是这时期颇具特色的饰物，多为波斯风格的'三日月式冠，中间大三角形前会装饰两三个口衔流苏的鸟头，飘带两头双层系起形成两个三角形，飘带的尾端随风飘扬，加强了飘逸的动感。

在北魏254窟萨太子本生画中，我们也看到太子颈饰和胸饰纹样与菩萨的首饰造型有些不同。颈饰和胸饰同为黄金材质、宽窄一致的链子，没有石绿、深褐色彩相间的宽带，颈饰下坠饰三个黄金珠。有特点的是颈饰与胸饰相连呈“人”字形，中间打一结并坠饰椭圆形吊坠，上面镶绿色翡翠。这种颈饰与胸饰呈“人”字形相连的款式，可能是西域王族首饰的造型，而且在唐代莫高窟艺术的首饰造型中还可以看出在这种“人”字形上的发展，即颈饰、胸饰、腰饰与璎珞连缀在一起。

首饰装饰也是对生活的反映，北朝时期战乱频繁，在人们意识中肯定极少注意用首饰装饰自己，因此绘制佛像时重点放在故事情节上，首饰只是简单表现，造型上也反映了西域的装饰风格。

二、隋唐时期。

隋代时间虽然短暂，但却是一个不容忽视的承上启下的时期，并且也是受波斯文化影响的时期。这时期的首饰装饰手法仍沿袭早期的浮塑、手绘形式，装饰风格仍显简洁，但已开始大量用金，而且在饰物造型上也有些许变化。

颈饰和胸饰：这时期颈饰和胸饰的造型开始注意形式上的统一。早期石绿、深褐色块间隔的宽带颈饰造型已极少出现，并且宽带两边加了线饰，效果更加精细。在浮塑手法表现的胸饰中，早期第二种胸饰造型保留下来，中间浮塑的坠饰多为方环，肩部垂下的链绳从环中穿过，如同现代的丝巾扣饰，环内镶石绿色翡翠。这种浮塑表现的饰物线条粗硬，有的与腰饰相连垂至小腿，加上比例粗大的方环，给人如同带着脚镣、枷锁的感觉。

隋代的颈饰和胸饰的突出变化体现在以金绘制的首饰造型上，此类首饰由粗细均匀的金线勾绘，如：420窟中菩萨的首饰分三层，第一层为颈饰，第二层垂至胸部，第三层垂至肚脐，在肚脐处打结后分两股垂至膝盖绕于背后。颈饰的正面底部断开，两端向上相对卷起，形成一如意形，中间还余留空隙，造型独特。第二层胸饰与第三层胸饰中间有一直线相连，在每一个连接处有一圆形花饰，内镶石青色珠宝。

臂钏沿袭早期的造型，正臂面圆环内镶以大块的石绿石青色珠宝。手镯为两个金质圆环。同样为金质的耳环底部坠有一朵盛开的小花。菩萨头冠为三朵火焰纹，火焰中心点以石青。

隋代首饰的表现形式仍然简洁，但在首饰相串联的结构上更加复杂化了。

唐代是中国封建社会金银器艺术发展的顶峰。唐代经济发展，人们热衷于追求奢华享乐的生活，民族文化交流频繁，西域游牧民族素来重视制造贵金属，萨珊波斯外来因素的影响也促进了唐代金银器的发展。

初唐的首饰已渐入辉煌期。头饰、耳饰、臂饰、手镯、颈饰、胸饰、腰饰，变化丰富、刻画细致，多为大小均匀的联珠串制造型。颈饰、胸饰、腰饰三串相连，而且特别注意头饰、耳饰、臂饰、手镯造型与颈饰、胸饰、腰饰成配套的款式。因此，初唐的饰物需以成套来表述。下面分析几款：此时期浮塑的颈饰较早期刻画更精细，特别是坠饰，造型以花朵和卷草为主，线条雕刻流畅。

在手绘的颈饰中，其中一款为早期石绿、深褐方块相间形式的再次出现。颈饰下坠有金质圆珠和绿色流苏。在颈饰两肩处饰有半个花瓣形装饰，垂下联珠胸饰。胸饰在肚脐处饰有一六瓣莲花纹，设石青、深褐两色。花下垂有璎珞，翻转的三瓣叶生动活泼。三股联珠垂下，中间一股配有圆形玉环，并结两股飘带垂至小腿间。两边的联珠垂至环形玉佩下方，饰以绿色流苏，三个饰物排列错落有序。在绿色流苏下又结联珠，垂至膝盖处结两环形玉佩，下坠饰以珍珠流苏，然后绕于背后。

配套的头冠，中心圆环内饰有发射形波纹线，分别填以石绿、深褐与颈饰相配套。圆环上顶日月形装饰。冠两边饰白线勾画的正面莲花，两枝婀娜卷曲的三瓣叶将两边的莲花与中心圆环连为一体。在两边莲花中还垂下两璎珞至耳后。从这种日月形头冠造型上，我们看到了波斯王朝头冠造型的再现，与服饰上的联珠纹一样，反映了隋、唐时期外来纹样的渗透。

耳环为白线小莲花，三瓣桃形花瓣下垂璎珞。手镯为着土红色宽带，两边勾精细的小联珠。

第二款：隋代绘金的对勾如意造型此时又有发展，金线为白色联珠代替，两勾严谨相连，而且对勾下还用白线勾画精细的花形坠饰和珍珠的流苏，花心为土红色而流苏为石绿色。颈饰两边有两白线勾画的小花，从中垂下联珠胸饰。联珠胸饰与颈饰款式一致，中心花形坠饰下饰璎珞，分三股垂下，与上一款相同，中间一股配有圆形玉环，结两股飘带垂至小腿间。两边的联珠垂至环形玉佩下方，饰以两环形玉佩，然后联珠绕于背后。此款腰饰是与服装相连的，腰部系裙的腰带中间处垂下两股联珠绕至背后，联珠在两胯侧边又垂下坠绿色流苏的联珠，流苏依次排列，仿佛腰部系一珠裙。两胯部又垂下两缕长至小腿的联珠，并分别在大腿部、膝盖处、小腿部对称缀有流苏，流苏的颜色也有变化，为两石绿间土红，小腿处流苏为深褐。

头冠白莲花中嵌绿翡翠，四周饰卷草状火焰纹，两边同饰嵌绿翡翠的小莲花，中心垂下璎珞至耳后。

耳环为白线莲花纹，手镯以金边外套细白边，外圈为黑色联珠纹和土红色边，形成边边相套的形式。

初唐的首饰造型玲珑细碎，多用白色细线勾勒，唐代喜好装饰的特征显露端倪。在色彩上注意跳跃用色，装饰手法步入成熟。

初唐时期饰物以圆珠串联的形式为主，多缀饰。特别是头饰造型，渐成为主要的饰物，在沿袭早期以三部分组合的形式上，头顶顶饰与两耳上部的装饰造型变化丰富，以火焰纹、如意纹、荷花、茶花等元素来进行组合，而且在头冠和两耳部还增加了垂饰的璎珞。

至盛唐以后，圆珠有了大小变化，而且缀饰增多，有一细叶荷花造型的缀饰，显得零落细碎。浮雕造型的臂饰和胸饰，出现了雕刻精细的四瓣如意宝相花和四出忍冬形式的描金组合纹样。在盛唐的头饰中还加入了坐佛的形象。

中唐时期，饰物在保持装饰纹样细碎的总体风格下，造型上有了新的特征，特别体现在臂饰上。如中唐158窟南壁涅变中的菩萨头冠，以如意卷草镶宝珠的形式为母体，造型向上高耸，犹如尖塔。臂饰仍保持装饰主体面向侧面，呈尖桃形造型，外饰对称卷草纹，中心嵌有白色珍珠和绿色翡翠。

在晚唐14窟南壁观音菩萨像中，这种细如针尖的饰物造型特征更加明确。头冠三个组成部分，在镶红绿宝石沉重的底座上，尖耸着以五个白色珍珠叠饰的长针。臂饰造型也与之相配套，五根细针如同带着指套的指甲。臂饰这种装饰面朝向的变化也反映在晚唐196窟中，五代时期的臂饰没有此种朝向变化。196窟中尖耸的细针有的被早期的日月造型所代替，但仍然强调了尖细的造型。

三、五代时期。

五代时期北方的纷争使得商贸活动受到阻碍，西域外来纹样风格在装饰上体现得较少，主要沿袭了中原文化风格。五代时期，莫高窟的装饰艺术整体渐入低谷，人物造型僵化，相应饰物风格略显粗大。念珠不再如唐代那样在同样大小的珠粒上串联璎珞，而是三三两两串成一组，形成粗细变化，仅饰少量的璎珞。珍珠和宝珠颗粒硕大，缺少精细刻画。

敦煌莫高窟艺术的首饰装饰，经历了北朝简洁、粗犷造型风格，到隋唐时期首饰纹样进入发展盛期，风格由简洁转为繁复，首饰种类更加丰富，反映了唐代人们富裕奢华的生活，促进了珠宝加工工艺的发展。到了五代时期，北方频频战争，首饰装饰已走出人们日常生活视野而步入衰落，饰物造型粗大。莫高窟首饰纹样的发展过程也表现出了不同文化的影响，早期受中原文化的影响，到隋唐时期，商贸的发展促进了民族文化的交融，首饰装饰风格具有明显的西域风格，到五代时期受战争的影响，中原风格又居主导地位。首饰装饰的造型是具有一定发展背景的，这还有待以后进一步研究探讨。

装饰艺术方面论文范本篇五

现代艺术设计关于面的整合创新。传统艺术设计当中对面的处理达到了较高的艺术水平。但是这些成果并不能直接应用在现代艺术设计当中，而是应当经过必要的加工整合才能发挥出更加有效的作用。现代艺术设计中赋予面更加广阔的功能，面的宽度和广度两个特征被充分利用起来，而且面的厚度也被充分开发出来。在现代艺术设计当中发挥着更加重要的作用。在艺术当中，面具有一定的抽象性，而现代艺术设计就是针对这种抽闲属性进行切割、重叠，赋予其更加强大的表现功能，同时也给与这些面更为丰富的视觉效果。

2传统元素的几何特性在现代设计中的创新。

几何图形是现代艺术设计中一个重要元素，同时对于几何图形独具匠心的艺术处理也是我国传统构图中的一个重要应用方式。几何语言是构成主义的因子，同时也承担着更为重要的表达效果和作用。几何语言虽然在表达审美思想方面存在诸多不完美之处，但是现代艺术设计的抽象性却能够在几何图形的构成中发挥重大作用。对于一些特定的主题利用几何化的语言形态表达出更加有效的主题和作用，使其成为更加有效的基础地位，这些都为语言的成功运用奠定了良好的基础。同时这些语言也为现代艺术设计增添了更为丰富的视觉效果。因此，在艺术设计的不同阶段，应当充分结合传统元素，以及这些传统符号背后最蕴含的`意义和独特的特征。这些不同的方面应当具备更加积极的理想和现实意义。同时这些影响因素也成为影响他们关键技术的重要理论基础[2]。

3结语。

充分利用这些传统的元素设计理念加强传统构图在现在构图基础上产生的强大作用。同时还应当利用这些传统文化精髓确保传统构图的重要意义。传统元素的内涵从微观层面来看包含对点线面的处理和应用。另外在宏观层面来看还具有更为广阔的元素构成。例如人物形象、色彩等等，这些元素在现代艺术设计当中作为一种文化符号具有更为广阔的应用空间。如何赋予这些传统文化符号更为广阔的艺术空间也是现代艺术创新的一个重要方向。例如色彩的运用在我国传统文化当中内涵丰富，色彩几乎成为一些领域的符号，例如红色的剪纸、红色的年画等等。红色在中国传统文化中被视为吉祥喜庆的象征。这种象征意义在现代艺术设计中也应当被充分借鉴和采纳。同样剪纸艺术中的人物形象，有的具有较强的故事性，有的直接来源于民间传说。这些符号在现代艺术设计中在烘托不同的表达主题时也应当结合适当的创新和充分的利用。

装饰艺术方面论文范本篇六

地域性原则是一种开放性的态度，它是指一个民族或地域的建筑特色，来源于本国本地建设资源的最佳利用。它是一种广义的和人文的资源，自然资源，如地形、光线、气候和风等等;人文资源，如种族、历史、风格、身份地位以及结构方法等等。在尊重当地的自然资源和人文资源的基础上，建筑立面装饰方能够体现出地域特色和文化特征，从而能够使人们体会到认同感和归属感。

1.2时代性原则。

1.3大众性原则。

大众性原则同时代性原则一样，也包含两个层次：第一，对于现代建筑立面装饰的设计不应是设计师个性化设计的体现或者是其试验产品，而应该是根据政治、经济、社会、文化和技术等多方面的因素进行设计，所得到的结果;第二，现代建筑立面设计应该是能够被社会广大群众所理解和认同的装饰，尽量做到雅俗共赏。

1.4经济性原则。

经济性原则要求建筑立面中的装饰应有准确的定位，不能盲目表现。众所周知，建筑立面设计能够用来表现财富和经济地位，这很容易导致不顾建筑装饰的艺术性而将各种豪华材料堆砌起来的现象的出现，从而成为实现城市形象工程的手段。

装饰艺术方面论文范本篇七

表现主义先锋高更和凡高身处在后印象主义中，其艺术也从浪漫、现实、印象主义甚至巴洛克中汲取营养，又影响着野兽、立体、综合等主义。表现主义之父蒙克，从后印象主义和象征主义的探索中发展出自己的路子，也不乏象征性的内容、野兽派的色彩。还有两位现代表现主义不得不提到的人物，即恩索和康定斯基，而恩索又是超现实主义和20世纪幻想派之父，康定斯基则是抽象派之父。看来很难判断哪位画家、哪幅作品、哪个时期是表现主义的，而各种主义更多是艺术批评中运用的公式或标签，更应是一个概念或理念。

如果说绘画从对宗教的弘扬和自然的再现这一传统中解放出来，发生变革，那么现实主义是将自然与社会结合进行表达；印象主义是将自身的感受与自然结合进行表达；而表现主义则是终于摆脱自然，独立于自然之外，对人自身的内心、精神、情感、感受等的表达。而后的许多主义又脱离了人，就绘画而绘画，发掘绘画世界本身的价值。从另一个方面说，所有绘画艺术都有“表现性”和“再现性”，两者是相对存在的。即便如米开朗琪罗、拉斐尔或雷诺兹、安格尔的绘画也有表现性；如康定斯基或蒙德里安的绘画也有再现性。

所以作为艺术运动的“表现主义”的提出，本意是以革命者的身份与“再现”对立的立场，而“再现”的承载不是绘画的再现性，它应是当时学院派古典主义、新古典主义和现实主义等既有艺术。一般认为“表现主义”一词在19被《狂飙》杂志正式使用。但在这之前，1880年就有批评家用“表现主义者”来描述表现自身情感的现代画家。

19在巴黎举办的画展上，画家茹利安奥古斯特埃尔维以《表现主义》命名自己的油画作品。“表现主义”的产生是“革命者”区别“旧艺术”而创造出的“新艺术”的名称，它的本质与现代艺术运动“革命与实验”是一致的。“高更把绘画的本质看成是某种独立与自然之外的东西，当成记忆经验中的一种‘综合’，而不是印象主义者所认为的那种直接的知觉经验中的东西。”“凡高试图用红色和绿色为手段，来表现人类可怕的激情。”

蒙克将内心世界的表现发挥得淋漓尽致，造型问题是第二位的，心理方面的问题才是第一位的。他的艺术作品表现人类的苦难、贫困、暴力和激情。主题多暗示和寓意病痛、孤独、恐惧、忧郁、死亡、暴力和性欲。恩索奇特的幻想、对恐怖的探索揭示了艺术家纷乱的内心世界和感情的强烈程度，作品践踏了形式原则以便表达主题，空间组合的杂乱无章是为描画世界的杂乱无章。康定斯基强调纯色的心理效果，渴望通过一种纯“心灵性”的新艺术使世界更新。绘画本身抽象的色彩与形式的和谐，必须“以触及人类灵魂的原则为唯一基础”。以上五位画家可以说蒙克是比较纯粹的“表现主义”，所以表现主义和蒙克通常一起提及，同时与表现主义一起提及的还有德国。

二、在19世纪末和20世纪初的艺术巨变中。

法国是当之无愧的中心，几乎所有具有国际性影响的思潮都以它为中心展开，在造就了本土艺术家的同时，它还是各国艺术家的圣地，很多艺术家到了巴黎才有了成功。但从表现主义开始，这种与巴黎的疏离与对立有了兆头，与法国的那种试图建立一种世界性流行语言相反，表现主义强调个性和种族性，它以斯拉夫民族和北欧国家的宏大、悲悯情怀为精神依托，对所处时代的动荡不安有着最细致和钟情的表现，并以悲剧的形式面貌和气质为其总体的特征。客观上讲蒙克的影响对表现主义在德国的重大发展有着相当的贡献，但表现主义在德国有最集中的表现，更重要的是主观与精神气质方面的契合，德国由浪漫主义到自然主义再到表现主义，都体现出了一种敏感、激荡的民族心理情绪，这不是一个容易简单地快乐起来的民族。

除了精神气质的契合，还有一个理论背景，新康德派哲学家菲德勒大概是第一个认识到作品是“内在需要”所产生的评论家，他认为艺术作品本来就是艺术家独特的视觉知觉对象，以他的选择能力所得出的自由形式，还有“移情作用”这一理论得出的色彩、线条、形状或空间，都是一种特定情绪特征的提示。随后沃林哲认为现代艺术家在走向对自然的有选择性的组合或抽象的“内在的不可抗拒的冲动”。桥社、青骑士等众多德国画家将这些理论、观念充分强调和实践。

20世纪初德国有“桥社”和“青骑士”等艺术团体。“桥社”是蒙克的追随者，成员基本都出生于普通家庭，其作品给予普通人同情；惊讶大城市的'魔力同时又表达身在其中的焦虑；热衷表现舞蹈的瞬间，这可能与他们的15分钟素描法训练有关；此外在艺术上融合了非洲艺术的一些元素。“青骑士”的作品更为抽象，他们对内在精神和情感更感兴趣，并试图用视觉的形和色来表达，可谓纯“心灵性”的新艺术。德国表现主义艺术家普遍有“革命”色彩，强烈要求变革已有的艺术形式，规模宏大的叙事性题材极少出现，而经过简化和夸张的人物、风景和景物大量涌现。其作品倾向表达痛苦、绝望、紧张、狂喜之类的极端情感。虽然20世纪初德国大部分表现主义画家在画面上始终没能走出蒙克、凡高、高更、马蒂斯等现代艺术巨匠的阴影，但他们的坚持是值得肯定的。

德国表现主义艺术家们的作品所展现出的艺术个性还是非常强的，同时他们各自的艺术主张也有所不同。就不同历史时期来看表现主义艺术特征上都存在着很大的差异。今天对表现主义的追溯，德国画家的光辉甚至掩盖了蒙克，原因之一是德国文化领域对德国表现主义持之以恒的强势宣传。20世纪有理论家把德国的表现主义追溯到16世纪的丢勒，不知是不是想摆脱挪威的蒙克和法国的印象主义而归宗到德国。从蒙克到第一次、二次世界大战之间，再从二战后到20世纪60年代的新表现主义，表现主义的画家们努力推动表现主义在各自国家的发展和成熟，并将影响扩展到巴西、墨西哥、西班牙、瑞士、美国和意大利等地。从20世纪20年代表现主义开始被介绍到中国，再到90年代陆续有油画家获得实践成功，表现主义作为一种手法和一片开拓出来的观念领域，似乎至今仍有它的余续。

装饰艺术方面论文范本篇八

摘要：中国民间剪纸来源于生活而不拘泥于现实，敢于突破历史的束缚，直抒情怀的创作精神赋予了民间剪纸更加顽强的生命力，也造就了民间剪纸别具一格的现代装饰美。中国民间剪纸在使用材质、创作题材、创作造型、应用方式上都具有现代装饰美。随着时代的发展，大工业经济即将取代传统民间工艺，而民间剪纸在传递传统文化精华的同时，还要适应现代生活的转变。

关键词：民间剪纸；现代设计；装饰美。

中国民间剪纸艺术受中国传统文化的影响，以其独特的艺术魅力，独领风骚的姿态，屹立于中国传统民间艺术中。一直以来，中国民间剪纸艺术都根植于我们生活的每个角落，有着广泛而深厚的民间基础，它保存着浓郁的乡土气息，被劳动人民所创造，又为劳动人民所享用，体现了中国最广大劳动人民的审美喜好。

一、中国民间剪纸在使用材质上的现代装饰美。

装饰美是指通过某些艺术技巧和手段来装饰加工生活实用品和供欣赏的陈设品所获取的审美属性。现代装饰美是指在设计风格上运用现代的手法和技巧来装饰加工生活实用品和生活品所展现的审美属性，其立足点在于传统，影响在现代，充分展示了装饰设计中的发展和再创造。中国民间剪纸是我国极为普及的一种民间艺术，流传甚广，数量庞大，形式多样，根基雄厚，是我国古老文明长河中熠熠生辉的一颗东方明珠。在各种民俗活动中，它都以自己的独特形态出现在我们的视野，默默地为我们的生活锦上添花，唤起我们对美好生活的希冀。传统的民间剪纸一般使用简易的纸张或与纸材料接近的易得的材料，便于裁剪和刻制，然而简易纸张极易破损、褪色的特质，致使传统的剪纸作品不易保存和流传。随着现代社会文明的发展和造纸行业的进步，为了能让已经逐渐淡出人们视野的民间剪纸技术再次回归时代舞台大放异彩，广大制作者对民间剪纸在使用材质上有革新的需求。这就需要现代艺术设计家在使用材质上大胆创新，不让民间剪纸技术被新时代淘汰出局。随着人们对民间剪纸各种形式的需求的日益俱增，纸质的材料已经不能满足人们的需求。于是，人们开始尝试新的领域，以期代替纸质和弥补民间剪纸在保存寿命、质感等方面的不便给我们带来的困扰。新技术带来的磁性纸给我们带来了福音，随之也为我们打破了民间剪纸在某些领域的界限，为我们启开了民间剪纸的现代装饰美的大门，人们开始尝试使用纺织面料、有机板玻璃、pvc、金属、皮革、陶瓷等材料来达到剪纸预期的效果。在一些特殊领域，人们为了达到自己想要的装饰效果，甚至打破了纸质材料的限制，开始尝试使用纺织材料、人造皮革、有机玻璃、金属等材料来表现剪纸的魅力。当然，不同的纸质材料带给人们的审美效果也是大不相同的。

二、中国民间剪纸在创作题材上的现代装饰美。

传统的民间剪纸的主流题材，一方面是以吉祥寓意，所以多以谐音法来表现，比如“连年有余”，就是在莲花的花纹上再刻条鲤鱼；“抓髻娃娃”就是在娃娃上再刻只公鸡：“岁岁平安”就是在稻穗上再刻只瓶子和鹌鹑。另一方面，是对神话故事和古代人物的怀念。大都是反映人们对美好生活的向往或是对流传的神话传说和先辈们英勇事迹的歌颂，亦或是对民俗文化的传承。进入新世纪的民间剪纸，一部分的创作题材仍在歌颂我们的传统剪纸文化，而现代的民间剪纸大都“脱掉”了纸的这张外衣，走起了新型材料之路，木材、金属、塑料、新型复合材料的运用给我们的民间剪纸带来了一个全新的展示舞台。随着材料的转变，剪纸的色彩也变得丰富多彩，甚至开始使用一些辅助的效果来让我们的剪纸具有更加强烈的视觉冲击力。民间剪纸蜕变之后，其在现代的.装饰美上也越来越能得到更好地诠释，它也不再只是窗户上的点缀之物，建筑设计，环境设计，标志设计及器皿设计中我们都能看到剪纸的倩影用镂空的形式展现，不论是几何化的树叶处理法，还是镂空雕刻技法的形式感走向，或者是从平面造型的倒三维空间的立体型跨越，都让我们再次感受到民间剪纸在现在装饰美的道路上又开辟了一条新的康庄大道。

三、中国民间剪纸在造型上的现代装饰美。

民间剪纸的造型一直带有强烈的民族性和地域性，在古代，民间剪纸大都是人们用来美化环境或者烘托喜庆气氛的，所以，在老百姓的生活中就自然地充当起了装饰的角色。也正是因为民间剪纸的这种民间性和装饰性，决定了他在造型艺术领域的装饰美。换句话说，民间剪纸就是“具有装饰美的造型艺术”。民间剪纸的造型艺术一直以来都保持着自己的特殊韵味，主创者大都是心灵手巧的农村女子。她们没有受过专业艺术的培训，也没有专业艺术家门的严谨与考究，更不用绞尽脑汁地为她们的作品想象主题和寓意，只需做到自己情感的真情流露和宣泄。所以她们的作品大都展现出返璞归真的艺术魅力，“一把剪刀，一张纸，为心所剪，为情所动”，是再好不过的注解，也正是这种主观性和非功利性才让我们的民间剪纸剪出了自己独特的意象造型艺术。民间剪纸大都来源于民间生活的真实写照，但又不仅仅是对所表现事物的简单描述和描摹，而是在追求客观性的基础上，通过对事物的夸大或缩小以改变对象的性质、样式、颜色等方式去改变事物本来的自然原型的常用标准，从而达到装饰美的目的并在装饰美的效果中展现出它们对生活的憧憬和对美好事物的向往。中国民间剪纸艺术家们对生活的朴素观察和对事物真相的追求以及对自然审美理念的执着，让他们能够突破艺术思维的主观束缚，驰骋于宇宙的全方位空间中，这也造就了中国民间剪纸艺术在造型上追求完整与美好的艺术契合。为了达到审美上的完美造型，艺术家们独辟蹊径，创造出来极富装饰韵味的神奇作品。如在剪纸作品中只是表现侧面面额的人物形象，作者常常会画出两只胳膊或者眼睛，这种表现法则就是对对象的各个方面进行全方位地展现，这种表现手法增强了剪纸的主观性、立体型和全面性，其最终的目的就是达到民间剪纸的完美特征。

四、中国民间剪纸在应用方式上的现代装饰美。

当传统民间剪纸还停留在对节日的庆祝和对民俗活动的祭奠时，我们就开始尝试用它来点缀我们的日常用品，或是张贴在各式各样模型的装饰上，让这样的镂空或者雕刻给我们的作品带来更加生动的整体美感，同时也会产生意想不到的视觉效果。民间剪纸艺术在现代装饰领域中运用最广泛的就是就是平面设计，然而随着新技术的产生，它就不仅仅只是局限在标志设计、书籍装帧、广告设计、包装设计、插图设计等传统的平面设计领域，而是开启了新世纪的现代平面设计的装饰美的大门。它开始游走于电脑游戏，动画影视等航道，甚至出现了剪纸相声、剪纸动画片这样的新的剪纸形式，让我们的民间剪纸由静转动，这也是在给我们弘扬中国传统文化及发展现代艺术锦上添花。民间剪纸作为一种符号语言应用在工业产品设计早已是独树一帜的。现在，许多的灯具设计师们都很喜欢采用镂空的纹样去设计灯罩，这种灯罩在灯光的照射下会显得光彩夺目，熠熠生辉。一些瓷器的设计也开始采用剪纸镂空的装饰手法，制作出来的产品在审美上具有赏心悦目的功效同时也具备渗漏的功能，让我们的产品变得富有魔力。在当代的一些大型时装秀中，我们也不难发现剪纸艺术的诠释，依靠人体的律动让镂空部分产生各式各样的形状变化，也通过形状的变化更好地展示人体的美感。随着全球经济一体化趋势的加快，民间剪纸这一源于大众的，在中华民族传统文化中占据代表性地位的民间艺术形式，会随着时代的发展，被随之而来的大工业化经济所取代。剪纸艺术也在这一背景下开始向现代剪纸艺术转型。中国民间剪纸在传递传统文化精华的同时，还要适应现代生活的转变。任何一种文化在总结他的发展前途时，首要考虑的是它能否跟随时代的步伐，不断进步、上升，开辟出一条自己的专属通道。与此同时，快速发展的现代化社会，也为民间剪纸的发展提供了一个广阔的发展空间。

参考文献：

[1]左汉中.中国民间美术造型[m].长沙：湖南美术出版社.1992.

[2]孙建君.中国民间美术[m].上海：上海画报出版社.2006.

[3]许恩沅.论装饰图案艺术[m].上海：东华大学出版社.2006.

[4]王伯敏.中国民间剪纸史[m].杭州：中国美术学院出版社.2006.

文档为doc格式。

装饰艺术方面论文范本篇九

摘要：随着时代的发展和进步，人类社会揭开了发展的新纪元。

传统的装饰艺术设计也面临着一场从感觉方式、思维方式、行为方式以至生存方式的革命，如何，使装饰艺术在新的时代变革中获得更新更好的发展，装饰艺术设计应当向人性化、数字化、绿色生态化、情感化这几个方向发展。

随着世界经济的发展，数字时代的进步，文化的多元化和进一步交融。

人类社会揭开了发展的新纪元。

传统的装饰艺术设计也面临着一场从感觉方式、思维方式、行为方式以至生存方式的革命，如何应对时代的变化，使装饰艺术在新的时代获得更新更好的发展，成为了摆在装饰艺术设计者的面前的问题，重新思考装饰艺术的发展。

综观近年来装饰艺术设计的发展，我认为，装饰艺术设计应当向以下几个方向发展。

装饰艺术的概念具有广义和狭义的两种含义：广义的泛指装饰现象和活动，具有极其普遍和宽泛的适应性，它统和于一切艺术行为或艺术现象之中，规定或制约着其特定的形式结构和意象本质。

狭义的一般指艺术设计中，具体的装饰品类、图案、纹饰等。

[1]。

(一)人性化。

人性化设计一词从二十世纪八十年代开始就开始为人们所熟悉，近年来，人性化设计更是形成了一股新的设计潮流，现已成为装饰艺术设计一种发展的必然方向。

人性化设计的本质是以人为本，为人而设计，人性化因素对设计形式和功能等方面的注入，人是设计的出发点和归宿，并赋予设计物以人性化的品格。

一方面，人性化设计要求人们在生理层面的需求必须满足。

这就要求装饰设计必须建立在人体工程学科学和系统的研究基础上，关注产品使用者的需求动机，追求真实功能的本质，符合使用者的生理和心理特点。

另一方面，科学的人本主义是人性化设计的核心思想。

这就要求人性化设计关注更高层次的人的需求，倡导人人平等和尊重的人文主义。

诸如尊重需求、自我实现需求等，有助于提高和改善人的人性和人格，赋予设计以文化内涵，促进人的社会化，促进社会和谐发展，改善人与人的关系，形成良好的人际环境，满足人们深层次的精神文化需求，在更高层次上反映人文关怀的深层内涵。

体现在设计师的设计中，要在适应机械化大生产的前提下，通过设计的形式要素的变化，力戒虚饰，以少装饰为要，但在适当的装饰确可以增加设计的情趣和个性，引发人们积极的情感体验和心理感受，使设计物灿然生色，以有形的“物质”去反映和承载无形的“精神”，使其完全成为一种精神体验，体现人性化设计的现代趋势。

(二)数字化。

数字时代兴起于二十世纪中叶的西方，它的出现揭开了人类社会发展的新纪元。

科技高度社会化的今天，数字化对人们的生活产生了极大的影响，不仅给人们带来了新的表达方式和视觉效果，更带来了新的观念及新的欣赏标准。

以数字化为基础，人类正在进行着一场从感觉、思维、行为以至生存方式的革命，数字化对设计领域的影响是深刻而深远的，数字化对装饰艺术的发展方向也进行着巨大的冲击和影响。

数字化的装饰艺术设计，具有可复制性;高纯度、高明度、高清晰度;互动性;流动的光效性;数字化形象;群体性等设计优势和特点。

首先，受数字艺术的影响，传统的装饰艺术的表现形式和表现手法、观念等正在发生着一定的变化，改变了人们传统的审美经验方式，带来了全新的视觉体验。

尤其是电脑在装饰艺术设计中的应用，已成为一种发展趋向，发展速度较快。

其次，随着信息时代的到来，数字技术的发展及应用更是加速了装饰艺术对人们日常生活的渗透。

数字化为新的艺术手段和传媒形式提供了技术基础，装饰艺术的发展变化研究的可知性和方便性得到了增强，数字化时代对装饰艺术的探索，数字技术与装饰艺术的完美结合冲击着人们的日常生活。

主要体现在观念、技术、形式、表现手段等。

利用数字科技与装饰艺术相结合，构建新的适应时代变革的装饰艺术，创作出许多富有时代特色的数字化装饰艺术设计作品。

最后，随着数字时代的兴起，数字技术为装饰艺术的设计提供了广阔的空间，数字化在设计中的运用，扩大了设计的思维空间，给人的思维以新的和不断变化的启示和视觉体验，开拓了人的思维广度和深度，其综合性、多面性、丰富性改变了传统的思维形式和设计方法，使其内涵发生了根本性的变化。

可以说，科学与艺术的结合是当今艺术设计的突出要求。

(三)绿色生态化。

随着经济社会的进一步发展，自然资源的大量消耗，人类对自然环境的破坏导致了一系列的恶果，环境因索成为人类生存利益的主体。

绿色是生命的象征，随着人们对环境意识的觉醒，现代社会的人们普遍都意识到与自然环境和谐可持续发展的重要性，装饰设计作为连接精神文明与物质文明的桥梁。

因此，绿色生态化也是装饰设计的应有之义，具体反映在装饰设计活动中，以绿色作为定语的“绿色生态化装饰设计”，其核心是创造符合绿色生态标准的环境良性循环规律的设计系统。

或在装饰中创造出山水绿树等景象，运用有生命的造型艺术，通过它们的使用来牵动人们的情思，使现代城市中的人们回归自然的情绪得到安慰。

材料的环保概念包括两个层面的含义：第一是材料自身。

以绿色生态作为定语的“绿色生态设计”，绿色生态设计从本质上来讲是宏观的战略概念，是“人与自然”之间取得平衡的`基本标志，其核心概念就是“环境与发展”的均衡创造符合绿色生态环境良性循环规律的设计系统。

人类设计创造活动应符合生态学的要求，要在分析当代科学技术特点的基础上，将绿色设计作为行业发展的最终战略目标，去努力寻找绿色设计的突破点。

我们也要看到，实现绿色生态化的装饰设计需要经过相当长的一个历史阶段的努力，这―人与地球可持续发展的战略思想指导下，在战略发展的十字路口，生态设计和研究备受重视。

(四)情感化。

情感指人对外界事物的一种反应，是人对生活的体验，它建立在生活实践的基础上，是善、恶、美、丑的体现，它代表人对外在事物做出的心理反应。

了解设计与情感的基本关系，一个完美的装饰设计作品需要设计师将自己对作品的感受的融入，只有融入设计师对生活的情感，形成感官与心灵上的共鸣。

将二者结合并运用于装饰艺术设计创作当中，才能达到一个优秀设计的目的，才能有效地运用于装饰设计实践。

运用情感应从内心出发。

情感在意识形态里是精神的一种表象，人的情感在艺术的海洋里有着极大的魅力。

情感在装饰设计艺术中的运用是较感性的，这种情感从作品中反映出来，并可通过作品来体验这种情感。

可以说，真正的设计作品是设计师自己的生活，自己的情感去塑造的。

因此，设计师必须在周围的环境和不断的实践中去寻找、去体验，用一双情感的眼睛去看世界，只有在生活中体验到情感才能将其表现在设计中。

情感的另一个重要作用就是可以把民族审美情绪同现代装饰艺术设计的某些因素结合起来，唯有从自己的文化和历史出发，将情感用设计的手法表现在对主题内容的把握上，从而形成独特的装饰艺术设计体系，才能作好装饰艺术设计。

装饰艺术方面论文范本篇十

建筑装饰艺术可以说贯穿人类历史，可以追溯到人类文明的最早期——原始人壁画。而近代装饰艺术运动发生于19世纪末的欧洲和美国。与19世纪中期发生的英美两国的工艺美术运动有很多相似的地方。

（1）都反对维多利亚装饰风格，旨在重新重视和热衷于传统手工艺；

（2）都喜欢采用以植物和动物为中心的装饰手法；

（3）影响范围广泛——这场装饰艺术运动在当时影响之深之广，以至于美国和几乎所有欧洲国家均卷入。

在这一时期，形成了几个有意义的设计中心。第一，巴黎六人团体。此团体于18成立，自然主义是其设计风格，并提出设计要回归自然的口号，曲线和植物纹样是其进行设计的特点。其中最优秀的设计师吉马德，在20世纪初期，在巴黎市政府的委托下，对100多个地铁入口进行设计，所用原材料基本是青铜和其他金属，将其自然主义特色发挥的淋漓尽致。第二，比利时新艺术运动。比利时作为欧洲新艺术运动的中心之一，涌现出了大量的杰出设计。霍塔旅馆是其中的代表作品。此建筑无论外观设计，还是室内设计都曲线流畅，色彩协调，形象堪称完美。第三，西班牙新艺术运动。安东尼高迪是此运动的杰出建筑设计师代表，米拉公寓这一极至作品则出自此伟大的设计师之手。该公寓特点是自然美观，整个设计避免使用直线和平面，以混凝土模具成型，内部家具、门窗等大范围模仿动物和植物的造型。将建筑设计打造成为一个完全的有机形态。

20世纪70年代，后现代主义装饰设计出现，是现代主义和国际主义设计的发展。后现代主义主张恢复装饰性，并强调装饰性，以形成装饰的多元化。

第一，符号性古典主义。具有装饰细节丰富、大量采用古典建筑符号等特点，如由查尔斯穆尔设计的.美国新奥尔良的意大利广场，以古典拱门为广场装饰，拱门重复、交叉，形式交叠，风格冲突，有冷嘲热讽之感。广场大水池中的半岛，正中有一个空框，以及三长方形门洞，很容易让人联想到古罗马的凯旋门。

第二，原教旨古典主义。不以古典符号或者是设计细节达到装饰效果为追求，也不以传统和古典结构获得古典韵味为追求，而是更多强调以古典城市布局为中心，以古典比例获得现代与传统的和谐。

第三，现代传统主义。作为一种设计，现代传统主义类的特点与符号古典主义比较相似，但更加讲究细节的装饰效果，不断丰富设计内容，往往也显得更加艳俗和奢华。美国的建筑家迈克格里夫斯作为现代传统主义的代表，波特兰市的公共服务中心为其所设计，是对其设计风格的充分体现——追求丰富的色彩以及对历史风格的表现。

装饰艺术方面论文范本篇十一

一般来说，民间艺术最富有传统色彩，各民族艺术家往往都是从民间艺术中吸取营养，就好像孩子吸取乳汁一样。我国是一个民族众多的国家，民间艺术丰富多彩，剪纸、年画、泥塑、木雕、蜡染等等。我国当今陶瓷装饰巧妙的吸收和借鉴了流行了两千多年的民间剪纸艺术。传统的剪纸其表现内容极为丰富，花鸟虫鱼，山水树石，人物走兽等应有尽有。题材也相当广泛，有寓意吉祥的，有借喻长命、富贵的，有企盼招财进宝等等。民间剪纸在装饰上的简炼、流畅、连续、概括性和表现形式上的多样性等特点，也形成了剪纸作品从创作构思到制作成品之速度快、时间短的特色。因此，它应用起来很灵活，适应性强。出于上述的种种因素，剪纸被陶瓷装饰吸收与借鉴，并得到广泛应用，这不仅增添了器物的美，同是也表达了现代陶艺术家们的崇尚美、向往美的纯真、善良的情感。色釉综合装饰“京剧脸谱”就是作者采用民间剪纸的形式在瓷瓶上表现京剧脸谱的上乘之作，作者运用剪纸的形式，使脸谱的面块和线条用色块根据艺术构思加以组合，并辅之以名贵的色釉装饰，更加突出了脸谱的色彩感和立体感，这种集剪纸艺术、脸谱艺术和现代陶瓷艺术于一体的艺术作品，进一步表现了浓郁的传统审美情趣。

三、小结。

现代陶瓷装饰的形成和发展，一方面要立足中国传统装饰艺术的成就，另一方面要善于融汇吸收外来文化中的有益营养，发展自身的现代陶瓷装饰。吸收外来文化，不是照搬，更不是消失自己的艺术特征，相反是为了进一步弘扬中华民族文化和优秀传统。

只有认真研究传统装饰艺术、总结和继承中国传统文化艺术这一份珍贵遗产，应用并吸收、融汇现代科技技术的新成就、新工艺，充分发挥现代陶瓷装饰善于表现传统审美情趣之特长，才能使中国现代陶瓷艺术在世界艺术中重放异彩，在世界市场竞争中永远立于不败之地。

参考文献：

[1]杨永善．说陶艺论．黑龙江美术出版社．。

[2]秦锡麟．中国陶瓷．江西美术出版社．。

[3]白明．世界现代陶瓷漫谈．。

[4]彭吉象．艺术概论．北京大学出版社．。

装饰艺术方面论文范本篇十二

1、生活化。

瓷器从本质上讲是满足人们生活所需所用的器物，是实用的器皿。实用、满足一定的生活基本需求，是瓷器基本属性的重要方面。现代设计元素的一个重要方面就是简约，其实简约就是一种生活化的体现。无论是实用性瓷器还是装饰性瓷器，在创作的过程中应当充分考虑生活化这一重要因素，做到“从生活中来，回到生活中去”。

2、艺术化。

艺术性、现代性的日用陶瓷器皿，受到了现代社会的欢迎。在陶瓷界，日用瓷与艺术瓷是“水”、“油”分离，艺术瓷摆在美术馆、博览会，即使进入家庭也是点缀；而与人们生活息息相关的日用瓷，数十年一个样。生活需要美，博览会就是倡导在使古朴的陶瓷具有使用功能的同时，将美感置于其中，这是景瓷艺术工作者不可推卸的责任。在创作景瓷的过程中，要充分考虑现代艺术、西方艺术的艺术化元素，如此创作出的景瓷作品才是符合时代特色的佳品。

3、装饰性。

景瓷作为艺术陶瓷中的代表，其装饰性远远要大于实用性。和其他工艺美术类似，现代陶瓷对装饰性要求较高，而现代美学对美的要求也更高，并不是一味追求孤品的美，而是追求整体美、环境美。景瓷艺术在创作过程中，不仅仅要对瓷器本身精雕细琢，还应当充分考虑整个环境的协调性，这样创作出来的作品才能够在自身巧夺天工的'同时做到与环境相得益彰。

4、个性化。

随着科技的进步，瓷器生产制作不断工业化、流水线化，市场上很多实用瓷器造型精美、品质卓越，极大程度上满足了人们生产生活的需要。但是千篇一律的市场现状也让瓷器艺术的美显得很单薄，现代社会对美的追求的一个重要体现就是个性化，而现代艺术设计的一个重要元素也是个性化。景瓷创作过程中应认识到个性化的重要性，在对单一作品进行创作的过程中，要仔细斟酌作品的风格、造型、图案，从而最终形成该作品本身的性格，满足鉴赏人群对个性化的需求。

5、情感化。

现代艺术设计的一个重要思路就是注重艺术品与人们的情感沟通。人们在欣赏瓷器的造型、质感、色彩、图案、温润程度时，欣赏的不仅仅是瓷器本身，还能够感受到瓷器制作者在创作瓷器时的心境、环境以及努力程度。从某种意义上来说，艺术品最重要的并不是创作，而是在于鉴赏和品位。在制作瓷器的过程中瓷器创作者应当充分考虑作品与鉴赏者之间的情感沟通，这样才能够创作出传神的、富有灵性的作品。

二、如何提升现代艺术设计元素与景德镇陶瓷结合。

1、不生搬硬套。

东方艺术、西方古典艺术以及现代艺术都各成体系，所以在现代艺术设计元素结合的过程中，不能生搬硬套，应当考虑瓷器本身的器形、瓷器的创作背景以及瓷器艺术家对艺术的表达诉求。如果简单地将各类艺术元素七拼八凑起来，最后的结果必然是毫无协调性可言的四不像作品，更何谈艺术、何谈美。瓷器是非常古老的工艺艺术，瓷器自身艺术元素众多，元素标签也很多，自称体系。只有对现代艺术中各类设计元素进行筛选和甄别，才能够遴选出可以与景德镇瓷器相互结合的设计元素，再通过艺术家精巧的构思，将这些现代设计元素与景德镇瓷器有机地结合起来，这样才能在现代艺术的大环境下彰显瓷器的艺术、瓷器的美。

2、注重审美情趣。

在现代艺术设计元素与景瓷艺术相结合的时候，最为重要的一点就是要注重景瓷作品所传达的审美情趣。在当今社会，景德镇瓷器作为观赏艺术，其艺术美、工艺美、情趣美的重要性不言而喻。现代艺术体系中审美情趣多样，并非所有的都是和景德镇瓷器相契合，尤其是很多现代艺术设计夸张、极致、色彩，完全与景瓷的特指背道而驰，无法与瓷器本身的美相得益彰。

3、注重艺术技法。

对于任何工艺技术而言，艺术技技法都无可回避，只有正确地、专业的、合适的技法才能够将其他艺术门类中的设计元素“大巧若拙”地“嫁接”到景德镇瓷器中来。若技法粗糙、工艺简陋地将现代设计元素与瓷器相结合，最后的结果必然是贻笑大方。

三、结语。

陶瓷是我国传统工艺，也是传统艺术，在当下陶瓷制品在满足基本的使用功能的同时，更多的是展示艺术的美感，满足人们精神层面的需求。现代社会是充分融合的社会，艺术门类众多、表现手法多样、艺术技法体系也十分健全。正确地、得体地、艺术地将现代艺术元素杂糅进景瓷艺术中来，能够大大提升景瓷艺术的生命力和影响力。

装饰艺术方面论文范本篇十三

我们知道，建筑作为视觉艺术的一种形式，其可以向人们丰富展示并且调节人们的视觉效果，因次，形式美的设计不容忽视。一位建筑师曾说过：“如果建筑造成的视觉感受有条有理且赏心悦目，人们精神上的健康、偷快和满足，都会因此明显得到增进。”其可以从以下三个方面来体现：

(1)增强对比。对比可以借助相互烘托的方式求得变化，它强调事物的差异性，因此建筑立面装饰设计通常会选择通过对比来产生易识别性和观赏的目的。另外，对比还可以从多个角度进行，例如方与圆的对比、正反方向的对比、直和曲的对比、虚与实的对比、色彩与质感的对比等等。

(2)重复与韵律。视觉艺术中的所体现的韵律原是用音乐来比喻一种感受的，在现代人们开来这更多的体现为审美通感。建筑立面装饰中的重复常包括线的重复、大小的重复、方向的重复、质感的重复、形状的重复、色调的重复等。

(3)渐进与调和。调和是指缩小差异。调和借助构图要素之间的谐调及连续性，以取得和谐所产生的美感。渐进是调和的一种手段，我们可以通过物体不同质感、色调、形状的渐进从而在另两个物质之间达到一种调和的效果。

2.2意境美的设计方法。

除了形象美的.设计，就是意境美的设计，意境美更多的体现其内在，在现在建筑立面设计中的意境美主要体现的是其内在文化韵味、经典和传统体现等等。目前社会群众对情感归属、审美和舒适等的心理需求，结合影响建筑立面装饰设计的其他因素，例如政治、经济、社会、文化和技术等等方面，可以将意境美的设计归为以下几个方面：第一，从立意的角度出发，既包括立自然之“意”，又包括立文化之“意”。

装饰艺术方面论文范本篇十四

以往的装饰艺术建立在具体流派的支撑基础上，内容和形式比较单一，但这种单一的装饰艺术已经不能满足当前人们的需求。如今，人们需要的是外观优美、结构精巧、色彩怡人而又没有复杂形式的多元化装饰，因此装饰艺术必须朝着多元化的方向发展。具体来说，这种多元化体现在三个方面。首先，装饰理念的多元化。21世纪，新事物不断出现，令人目不暇接，装饰艺术要打破以往单一流派的具体继承，吸纳多个流派的理念和思想，在设计理念方面体现出多元化。其次，装饰内容的多元化。为了满足人们的不同需求，装饰内容越来越多元化，无论是生活中常见的符号元素，还是抽象的符号元素，都可以进行提炼、改造、创新，并将之用于装饰中，从而丰富装饰的内容。最后，装饰风格的多元化。现代装饰艺术关注的是人的内心世界，内心世界的善变和难以捉摸使装饰艺术形成了多元化的风格，这种多元化在色彩方面的体现尤为明显。从心理学角度来讲，不同的色彩有不同的寓意，如红色代表热情、活泼，橙色代表时尚、青春等，根据不同的需求，设计者可以运用不同的色彩来表达自己的心理感受，从而使装饰艺术呈现出不同的风格。

2.2地方化。

与多元化相对应，地方化也是必不可少的。所谓地方化，就是指装饰艺术要有地方特色，呈现出个性化特点。不同的地域有不同的文化，包括民俗风情、历史文化、人文特色等，装饰艺术往往蕴含着这些文化元素。如今已经进入信息时代，发达的信息手段逐渐消除了区域的局限性，但是装饰艺术的地方化不能因此而消除，不论过去、现在，还是未来，装饰艺术始终都要围绕地方文化来设计，否则装饰艺术就变成了无本之木、无源之水。在内容上，装饰艺术要根据设计要求和人们的需求，吸纳地方题材，提取其中的文化符号，使内容体现出地方化特色；在形式上，装饰艺术要吸纳民间艺术的表现形式，并对其加以优化，使表现形式地方化。总之，地方化是装饰艺术的未来发展趋势，只有朝着地方化的方向发展，装饰艺术才能具有个性化的特点，其生命力才能强大持久。

2.3数字化。

21世纪，数字化成了装饰艺术的重要发展方向之一。随着科学技术的不断发展，数字化技术逐渐应用到了各个领域，其中就包括装饰艺术。这种技术在装饰艺术中的广泛应用，实现了装饰艺术的现代化，其之于装饰艺术的重要性主要体现在三个方面：首先，数字艺术具有使用方便、便于修改和保存的特点，将装饰艺术数字化，可以使艺术创造更快速、方便；其次，将数字化技术用于装饰艺术中，能够开拓设计师的思维深度和广度，完成许多人类无法完成的设计工作；最后，将数字化技术用于装饰艺术中，可以减小手力劳动的强度，避免复杂的手工描绘，轻松完成任务。在装饰设计中，设计师可以计算机为平台，利用不同的软件设计并制造出色彩缤纷、奇特别致的装饰艺术作品，为人们的生活增添生机与活力。

3结语。

社会是不断发展的，装饰艺术必须紧跟社会发展的脚步，朝着多元化、地方化、数字化的方向发展，使之符合社会的要求，满足人们的需求，呈现出夺目的光彩。

参考文献：

装饰艺术方面论文范本篇十五

摘要：装饰是人意识形态的产物，具有强烈的美感。随着时代的进步和社会的发展，我国装饰艺术发生了很大的变化，以往单一的装饰艺术变得多元化，这种发展趋势符合人们的审美标准。本文围绕装饰艺术，对新时期装饰艺术的发展方向进行分析，以期加深对装饰艺术的认识和了解，把握好装饰艺术的未来发展趋势。

关键词：装饰艺术；发展方向；多元化；地方化；数字化。

装饰艺术是经过一定时间的积累而形成的一种具有美学规律的艺术，是对社会美和自然美的高度概括，历史悠久，贯穿人类历史发展的各个时期，具有鲜明的时代特色，反映了人们对自己所处生活空间的认识和要求，包含了特定的社会情感和文化意识。从这一角度出发，装饰艺术的重要性不言而喻。近年来，我国装饰艺术发展迅速，同以往相比，在理念、内容、形式、风格等方面发生了很大的变化，开始朝着多元化、地方化、数字化方向发展。

装饰艺术与设计是分不开的，主要是为了美化生活空间、装点环境。从字面意思来理解，装饰艺术就是装扮、修饰；从美学角度来理解，装饰艺术是人精神生产的产物，是人内心对美的感受和审美情趣的体现。我国的装饰艺术历史悠久，从史前的陶彩、商周的青铜器、战国及秦汉的漆器、汉代的画像砖、魏晋隋唐的`石窟到唐宋的陶瓷、元朝的寺观、明代的家具等中，都能发现装饰艺术的身影。随着人类文明的不断进步和社会经济的不断发展，为了满足人们的需求，装饰艺术所含的信息越来越多，文化内涵越来越丰富，体现出了鲜明的时代特色。具体来说，装饰艺术的特点主要体现在四个方面。一是装饰艺术具有历史文化性。装饰艺术蕴含着丰富多彩的历史文化，它承载的信息充当着装饰、补充其他事物的角色，给这些事物增添了强烈的文化色彩。当将其作为其他事物的重要组成部分或一门独立的艺术来分析和欣赏时，我们就能从中发现装饰艺术的历史文化性。二是装饰艺术具有复合文化性。装饰是一种装扮他者的艺术，加上受哲学、美学等多重文化的影响，具有了强烈的复合文化性。三是装饰艺术具有文化差异性。装饰艺术具有相对的空间局域性，不同地域的装饰艺术蕴含着不同的文化，具有一定的文化差异性。虽然随着现代交通工具与信息手段的发展，地域的局限性得到了一定的消除，现代文化区域性特征在某种程度上呈弱化趋势，但是受装饰艺术表达性和直接性的影响，文化差异性仍是装饰艺术最突出的一个特征。四是装饰艺术具有主观选择性。装饰艺术是由一些符号元素构成的，这些符号元素有不同的文化含义，它们的选择由设计师自己决定，所以装饰艺术具有主观选择性。

装饰艺术方面论文范本篇十六

在现代技术建造条件下，人们更欣赏那些能体现现代工业就似乎、富有时代感的建筑立面装饰。

结构是采用一定的建筑材料，按照一定的力学原理与力学规律而构成的建筑骨骼。任何优秀的建筑作品都在体现形式美的同时，也必须符合结构逻辑。在进行建筑立面装饰设计时，应当恰当处理好结构暴露与隐蔽的关系，合乎情理的外露结构本身就是最自然、最经济的装饰形式。

3.2功能构件。

建筑立面的功能性构件是指在使用功能上有重要意义的部分，如大门解决了人们的进出和室外空间的渗透，窗户解决采光，阳台使人有了接近自然的机会等等。随着社会的发展，功能性构件愈来愈多，如通风百叶、遮阳板等。它们的发展与结构构件一样也是逐渐向装饰美学意义上靠拢。

由于传统建筑本身封闭性很强，窗户成了建筑立面装饰重要的构图要素，现代建筑运动产生了玻璃幕墙，大面积的玻璃可以使阳光随心所欲地进入室内，建筑也一度发展成为一个个通体透明的玻璃盒子，窗子在立面细部处理上一度消失。但一阵兴奋过后人们又对大面积的玻璃幕墙产生了单调的乏味感，设计师开始在光的幕墙上研究，试图从形式上，从功能上找回“窗”的影子。

3.3装饰构件。

建筑立面的装饰构件是指依附于建筑立面的装饰性物体，它并不是建筑立面上的结构构件或功能构件，但它所具有的依附性使其能依附于建筑立面的结构构件和功能构件上，同时保持了相对的独立。如建筑立面的墙面砖的设计，它作为建筑立面的装饰性构件具有相对的独立性，但它却与建筑有着密切的关联性，它的质地、颜色等要素都会影响到建筑美的表现。

4结语。

现代建筑立面是城市环境重要的组成要素，是城市面貌的直观反映。现代建筑立面装饰由于不同流派、不同类型、不同民族和不同欣赏层次，其主张可以是多元的、多变的，形式也可以百花齐放、千姿百态。在实际工作中需要将理论与实践相结合，从其实际效用出发，使其功能和外观有效地结合起来，成为现代建筑设计的积极因素，真正为社会群众设计出美的建筑。

参考文献：

[1]邹德侬著.中国现代建筑史[m].北京：机械工业出版社，.

[2]江瑜，李秋实，陈琛.浅谈现代建筑装饰设计中的中国文化寓意[j].四川建筑，

[3]陈瑞林著.20世纪装饰艺术[m].济南：山东美术出版社..

[4]张新荣著.建筑装饰简史[m].中国建筑工业出版社..

装饰艺术方面论文范本篇十七

随着建筑行业的发展和人们个性化需求的不断加大，对建筑设计有着更高的要求。

本文主要对构成艺术进行概述，并分析当代建筑设计中构成艺术的有效应用。

构成艺术。

当代建筑设计。

应用。

1构成艺术概述。

所谓的构成艺术，是在元素重组条件下而形成的艺术。

构成艺术发展中，遵循着人类社会“完美结合的发展规律，对艺术审美性有着一定的要求。

“构成艺术概念最早出现在西方，第一次世界大战后期，构成主义得以快速发展，《第三国际纪念塔》是构成艺术的典型代表作，对后期欧洲建筑运动产生重要影响。

构成艺术主要包括形态要素、心理要素两方面内容，可以给人以不同的感受。

构成艺术是造型艺术，从形态、空间、材料、质感等方面进行必要的规律组合，能够将构成艺术充分展现，满足人们对当代建筑设计的要求。

就构成艺术的特征来看，主要表现为审美主体特征、构成形态特征、主体因素特征等[1]。

当代建筑设计中，构成艺术有着一定的应用，是建筑艺术创作领域的延伸，同时可以满足建筑造型设计的审美需求。

点、线、面、体、色彩视觉心理等元素是构成艺术的重要组成部分，相关人员有必要从各元素视角出发，对构成艺术在建筑设计中的具体应用进行深入探析。

2.1构成艺术之点的应用。

对于建筑而言，窗户是“点。

单体建筑是城市的“点，可见，点是构成艺术最为基本的元素。

在建筑设计中，通过对点的合理布置，能够表达不同形态特征和传递情感。

点的应用主要表现在三个方面：首先，单点的应用。

点放置于不同位置，能够给人以单纯宁静之感。

例如：都江户东京博物馆中“点的装饰，能够彰显端庄威严的氛围。

其次，双点的应用，具有张力之感，如日本人脸住宅，充当“眼睛的窗户是“点，可以给人以集聚之感，同时彰显建筑设计的与众不同之感。

最后，多点的应用，通过对多点的协调运用，可以增强建筑设计的视觉冲击感。

如东方明珠建筑设计中，3个球体从上往下逐渐增大，具有韵律感，且建筑气势磅礴。

2.2构成艺术之线的应用。

线是构成艺术的重要组成部分，能够通过不同形式而达到装饰建筑的目的。

在建筑设计中，线能够营造各类型风格的建筑，带给人强烈的视觉冲击影响。

构成艺术之线的应用，在建筑设计中有着两方面的体现：首先，线能够将许多无联系的物体进行连接，形成一个整体。

也可以将一个整体分为若干部分，使之形成新的造型艺术。

在不同组合方式下的线，有主次之分，对建筑视觉效果有不同影响，也能凸显空间感和立体感，创作出优秀的建筑作品。

其次，线在建筑设计中的应用，具有导向性特点，如水平线、垂直线、斜线等，对建筑视觉效果有差异性影响。

如香港中国银行大厦外观设计中，采用线元素，打破传统玻璃建筑中呆板束缚。

2.3构成艺术之面的应用。

线是面的基本构成要素，包括几何面和自然面，有着规则或不规则之分，可以带给人以强烈的视觉冲击影响。

当代建筑设计中，通过面的不同组合方式，能够营造不同的空间环境，给人以轻巧感，同时在面应用中，施以穿插、叠加等形式，有利于增强建筑外观的艺术美感，给人以独特的韵味回味。

就“面而言，在城市整体形象中占据重要地位，如立面可以作为街道划分、公共空间划分的墙面，在满足人们社会需求的基础上，可增强建筑设计的审美效果。

然而，在当代建筑设计中，要有效应用“面的构成艺术，需要设计者不断提升自身的综合审美素质，以彰显建筑设计的独特性。

2.4构成艺术之体的应用。

体具有三维空间，是构成艺术的重要组成，以面为基础。

在当代建筑设计中，通过对不同立体图形的拼接，可以组合成更具独特性的建筑形式。

目前，我国建筑行业得以快速发展，伴随人们生活水平的提高，对建筑有着个性化的需求，而建筑设计人员在开展设计活动中，将其加以充分运用，可以丰富建筑形式和突出建筑的个性化，满足人们需求。

2.5构成艺术之色彩视觉心理的应用。

色彩视觉心理是构成艺术的重要组成部分，以点线面体为基础，与人们心灵世界之间架起沟通的桥梁。

现阶段，我国建筑设计中，可能受多种条件的制约影响，影响建筑设计效果，而设计者设计意图不能得以充分表达。

然而，在设计活动中，注重对色彩视觉心理的有效应用，能够将设计创意情感传递。

首先，合理调配色彩，依据建筑物所处位置、周围环境等条件而对色彩加以调整，有助于烘托环境氛围。

其次，在设计活动中，有效应用构成艺术，以设计具有强烈视觉冲击影响的建筑，增强视觉效果。

最后，建筑设计应满足人们的心理要求，与其建立必要的心灵沟通，对增强现代建筑设计效果发挥着重要作用。

可见，基于色彩视觉心理的构成艺术在建筑设计中有良好的应用效果。

3结论。

随着社会的发展与进步，建筑行业发展得到充足的动力，能够满足人们生存的物质基础条件。

点线面体是构成艺术的重要组成元素，在建筑设计中，通过对构成艺术的有效应用，能够增强设计效果，有利于促进建筑行业的可持续发展。

另外，我国相关部门人员，有必要对构成艺术进行进一步的了解，以充分发挥构成艺术的积极作用，确保建筑设计活动有序进行。

作者：张月婷单位：潍坊工程职业学院。

参考文献。