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巴洛克时期的钢琴音乐论文【1】

摘 要：巴洛克时期在西方音乐的发展史上占有很重要的地位。

它为后来的钢琴音乐风格打下了坚定的基础。

阐释了巴洛克的概念，通过对巴洛克时期音乐创作，音乐风格，音乐体裁和音乐奏法上来论述巴洛克时期的音乐特征。

关键词：巴洛克 音乐特征

17世纪到18世纪上半叶的音乐发展时期，被称为巴洛克时期。

巴洛克音乐是指在文艺复兴之后兴起的，在之后很长一段时间流行的音乐，是通向古典音乐的桥梁。

巴洛克(baroque)一词来源于葡萄牙语“barocco”，意思是形态不够圆或不完美地珍珠，最初是建筑领域的术语，一复杂迂回的曲线形状，夸张地纹样形式和华丽的造型去表现动感和情调。

后逐渐用于艺术和音乐领域。

如果把文艺复兴的美学规则比作浑圆的珍珠，那巴洛克的美学规则就是形态不规则的珍珠，这也是为什么用巴洛克这个词语来形容这一时期，。

它反对文艺复兴时期的庄严、四平八稳、统一协调的艺术风格，崇尚奇特精雕细镂的风格。

巴洛克时期的音乐在这一时期得到了迅速发展，推进了整个西方音乐发展的历程。

器乐曲和声乐曲同时得到了发展，特别是古钢琴在这段时期得到了很大的提高和发展。

为钢琴之后的发展奠定了基础。

巴洛克时期，贵族掌权，乐师都为宫廷、教堂服务，他们所创作出的绝大部分的作品是为了取悦上流社会。

而宫廷音乐在这段时期占最主要地位，为了显示宫廷的富丽堂皇、贵族的奢华，宫廷乐师创作出的音乐都有着精致细腻和华丽的风格。

这一时期崇尚的美学观点是“情感论”，即音乐的目的在于直接引起听众或观众特定的情感，所以作曲家普遍强调作品的情感起伏，使用各种不同的创作手法、创作方式来表现不同的情感状态。

例如自然 音阶、大调式、简单的织体引起欢快的、向上的感情，而半音音阶、小调式、复杂的织体带来忧郁的、深沉的感情;大音程使人欢快，小音程使人忧伤;刺耳的和声配上急促的旋律可能引起愤怒，把几个高度独立的旋律作对位化的结合时使人固执。

而由于更多对音乐的需要和更多对情感的需求的出现，已有的音乐体裁已不能满足其要求，因此音乐作品中出现了许多新的曲式体裁，比如陆续出现了如托卡塔、前奏曲、幻想曲、奏鸣曲、协奏曲、组曲和赋格等重要体裁。

其中很多体裁在之后的时期不断地发展、演变，成为了经典的、成熟的.体裁形式，至今仍在使用。

而在作曲手法上，由于古钢琴的发展和改进，作曲家更加可以不断创造新的表达方式来表达自己所需的情感，如在旋律中加入大量装饰性的音符，节奏强烈、短促而律动，旋律精致、跳跃且持续不断。

作曲家们也开始使用节奏、旋律、调式、音色的变化和对比来引导听众们的感情。

这时乐谱中开始引入速度、力度的标记，但划分并不精细，而且同一速度一般贯穿一个乐章的始终。

这段时期复调音乐占据主导地位，大小调取代了教会调式，同时主调音乐也开始逐渐发展，但宗教音乐在西洋音乐中仍然占有很大的比重。

在奏法方面，巴洛克时期的作品总体说来，速度中庸，音乐平衡、庄严。

由于古钢琴音量非常小，钢片拨弦有局限性，所以力度上没有很大的变换，只是采用音区式力度和阶梯式力度，不能做渐强、渐弱起伏的变化。

和声上以复调音乐为主，产生了对位法，即在大小调式的基础上吧不同的旋律线条按一定原则组织起来，不仅要求横向线条独立，同时还要注意纵向的和声关系。

复调音乐史多层面、多线条、多重性的复杂思维，在声音上重视每个音的触键，不但每个音符要有良好的音质，同时还要注意每个线条的歌唱性。

奏法上也非常讲究。

当时古钢琴演奏强调表现力时靠奏法和装饰音，通常有两种奏法，即连奏和断奏。

在奏法上基本有两种基本原则1、音阶性-级进的音弹成连奏，三多以上的音处理成断奏2、八分音符弹成断奏，十六分音符弹成连奏。

装饰音是为了使旋律更美，更富趣味性，同时也是为了弥补当时古钢琴的局限性而大量出现的一种记法。

在演奏上有很大争议，如颤音是从这个音的上方音开始的，装饰音必须在拍子上开始。

古钢琴没有踏板，在现代钢琴上演奏巴赫等人的作品时可以尝试用一点踏板，以模仿古钢琴的音响，但一定要慎用，不要将踏板踩得太深，也不要将踏板踩得时间过长，以保持复调各声部的清晰。

在弹奏方法上，强调手指的单独弹奏，保持固定的手型与平静的手腕，后来转变为一种轻而浅的触键方法。

巴洛克时期最著名的古钢琴作曲家有法国的库普兰，拉莫，意大利的斯卡拉蒂，德国的巴赫，亨德尔。

但最具代表性的人物就是巴赫，他代表了巴洛克音乐的顶峰。

巴赫创作以复调手法为主，构思严密，感情内在，富裕哲理性和逻辑性，并在德国民族音乐的基础上，结合和吸收了当时流行于欧洲各国的音乐风格与形式，把巴洛克的音乐发展到了新的高度。

巴赫最突出的成就是把十二平均律运用到创作中，大大推动了键盘音乐的发展。

巴赫的作品不仅数量上浩如烟海，而且质量也很高，既有十分简洁而极有个性的主题，又有丰富的想象和强烈的表现，以及异常完美地音乐技巧。

主要作品有：200多部宗教及世俗“康塔塔”、若干部宗教《受难曲》、《平均律钢琴曲集》、《创意曲集》、《勃兰登堡协奏曲》及《赋格的艺术》等。

巴赫成为了巴洛克音乐的一个辉煌的终点，也为后来西方音乐的创作提供了重要的贡献。

因此，巴赫被世人称为“西方音乐之父”。

参考文献：

[1] 《巴洛克时期的音乐特征》——刘湘，科技信息

[2] 《巴洛克时期、古典主义时期、浪漫主义时期、近现代钢琴演奏风格比较》——吴英莲，锦州师范学院学报

巴洛克时期钢琴艺术风格的特色【2】

摘要：巴洛克时期是西方音乐的萌芽时期，乃至近代音乐文明的催生时期，在世界艺术发展史上具有重要的里程碑作用，这一时期的钢琴艺术风格特色可圈可点，值得细细品味。

关键词：巴洛克时期 钢琴艺术 风格特色

巴洛克时期是从公元1600年到公元1750年的150年时间，巴洛克时期是西方音乐史乃至世界音乐史发展历程中的重要时期，代表着一种艺术风格。

“巴洛克”源于西班牙语，译为汉语的意思是“变形的珍珠”，代表了与过去迥然不同的意思和别开生面的意味。

巴洛克时期正值西欧社会由封建主义向资本主义社会过渡时期，根深蒂固的封建社会虽然在这一时期已经摇摇欲坠，但当时的封建君主影响力还残留，皇权的威严还有市场，所以，此时的音乐艺术仍然在一定程度上为封建统治阶级服务。

因而，巴洛克时期的钢琴作品尽管从艺术风格的特点上有了恢弘大气、神圣庄严的重大变革，但在内容上，尚未脱离以皇室生活，重大的社会历史事件和神话传说为题材。

?这一时期的自然科学在欧洲发展迅猛，天文学、物理学、数学等科学定理的发现使人们前所未有地认识到宇宙的秩序之美和均衡之美。

所以反应宇宙的秩序和均衡之美成为当时艺术家争相追捧的创作潮流。

同时，接踵而来的启蒙运动，又引领人们崇尚理性，追求严谨和秩序，这一切又造成了这一时期的音乐作品在宗教神学和皇权的外衣下，表达着艺术家对个人享乐和精神满足的诉求。

一、节奏严谨平稳、律动周而复始

启蒙运动带来的理性之风影响到当时社会的方方面面，钢琴艺术创作同样受到了影响，理性信仰至上的思潮带给钢琴艺术创作以突出的结构严谨规整的艺术风格。

其中，巴赫的作品最有代表性。

他的作品的主基调从始至终都保持在一个基本的节奏之上，仿佛一直在叙述和沉思着什么，不再具有浪漫派的自由奔放、速度时快时慢的节奏特点。

但是，作为钢琴艺术又决不能总是处于同一风格的基调上，那样，艺术的魅力将无从实现。

器乐训练室装修报告范文怎么写二

为了全面贯彻党的教育方针，推进我校的素质教育和艺术教育，丰富校园文化生活，提高学生素质和艺术修养，展示我校的艺术风采，我校成立了器乐兴趣小组。主要开展葫芦丝、二胡和电子琴的学习活动。兴趣是学习音乐的基本动力，是学生与音乐保持密切联系、享受音乐，用音乐美化人生的前提。音乐兴趣小组应充分发挥艺术特有的魅力，根据学生身心发展规律和审美心理特征，以丰富多彩的教学内容和生动活泼的教学形式，激发和培养学生的学习兴趣。下面将本学期的葫芦丝兴趣小组开展的工作做个总结。

1、教师认真的准备好每一次活动，要求知识通俗易懂并有一定的兴趣性。

2、学生不得旷课，学生认真完成老师布置的任务。

3、学生积极和辅导教师进行配合，以便使音乐兴趣活动小组开展的具有生动性、活泼性。

4、上好器乐兴趣活动课，做到“四定”。即定内容、定人员、定时间、定地点，发展学生的个性特色，以此推动学生音乐素质的全面发展。

5、在完成音训练任务的同时，不断扩大学生的音乐视野，丰富学生的精神生活，进一步培养、发展学生的音乐兴趣，使他们学有所长，培养学生的集体主义精神。

6、经常督促学生回家多练、多听的好习惯，使之不断巩固、加强。并在此尽量减少对老师的依赖心理等，平时将定期不定期的向学生推荐一些好的音乐，器乐曲。

7、给学生提供舞台，提供各种形式，多鼓励学生，肯定学生的长处，让他们有充分展示自己的机会。定期进行汇报及相应的实践活动。

8、自身专业业务素质应不断提高，做到勤学苦练。

9、在冬季运动会的汇演中，孩子们在全校老师和同学面前演奏了《沧海一声笑》，得到了老师和同学的一致好评。

1、有的学生的基本功没练好，在演奏中有一定的困难。可在分组练习后，各小组进行展示，既可以检验学生的演奏情况，及时进行指导，同时让学生体会到自己在齐奏中的位置、作用，以取得整体统一和协调。

2、学生的表演能力不强，心理素质较差。可在教学中，鼓励学生展示自我，上台表演，在表演中既锻炼了胆量，同时又获得满足感与成就感，进而化为继续学习的动力。

“兴趣小组”顾名思义是以“兴趣”为主，只要学生对葫芦丝、二胡、电子琴等感兴趣，而能够用心去学习，并能学会老师所传授的知识我们就很开心了，本学期只是一个起步阶段，愿我们的努力能够为学校提出的器乐进课堂出一份小小的力。愿器乐能够真正的带给孩子们一份快乐、一份自豪、一份自信、一份荣耀。使学生们的学习兴趣更高，更多地去学习知识，拓宽自己的知识面。

器乐训练室装修报告范文怎么写三

论巴洛克时期器乐的发展论文

从大约16(也有人认为从1580年前后)到1750年这一个世纪，在西方音乐史上被称为巴洛克时期。和我们对任何时期的划分一样，对这个时期划分也是相对的。因为巴洛克音乐的一些特征虽在1600年以前(文艺复兴晚期)就已经出现了。而有些特征虽然在1730年以后就开始逐渐衰落，却残存于1750年以后的前古典主义时期。我们之所以巴洛克时期限定在这150年左右，首先为了研究和学习上的方便，其次是因为这个时期的音乐的确也存在着一种内存的风格上的统一。

下面主要讲一下器乐在这时期西方一些国家的发展以及特征。

意大利的器乐

这个时期，在意大利各种不同体裁演奏的器乐获得了广泛的发展，在亨德尔和巴赫作品出现以前，意大利一直是局于欧洲音乐发展中最先进的地位，意大利作曲家创作了新的器乐类型：室内演奏，大协奏曲，小提琴协奏曲，古钢琴音乐和管风琴音乐的发展比较小，意大利器乐具有一系列的新风格特点：主调一和声写法占主要地位，横成线体中的一个因素，或运用模仿的写法，成为赋格式风格，就是这种风格很像赋格。这时期的器乐的特征是技巧性，独奏性的因素很发达，技巧性因素的体现者仍然是弓弦乐器。这时器乐的主题材料非常新颖，与前一个时期的复调音乐比较起来，新的器乐体裁的特点就是主题非常鲜明，器乐的主题是在舞蹈体裁，歌剧和部分的复调音乐的影响下形成的。在意大利最具有代表性的作曲家是多米尼科，斯卡拉蒂。

多米尼科-斯卡拉蒂(domenico scadatti，1685～1757)为键盘音乐做出了非常大的贡献，他为键盘乐器大约写了555首，是键盘乐器史上留下宝贵的财富。

在结构上，斯卡拉蒂的奏鸣曲虽然仍用二部曲式，但已稍同于典型的巴洛克二部曲式了，他更多地开始运用再现的二部曲式，虽然在这里还没有出现独立而完整的再现，但已有明显的再现因素，特别是有些奏鸣曲的第二部分的开始处已具有展开性，这就使作品的结构更加接近古典奏鸣曲式。因此，斯卡拉蒂的.奏鸣曲的结构实际上已经是古典奏鸣曲式的萌芽。

英国与法国的器乐

在17世纪初，在英国古钢琴音乐得到了很大的发展。其中最有代表性的作曲家是帕赛尔，他对英国器乐的发展有很大的贡献。他写了大量的变奏曲，并且改编了许多民歌和生活歌曲的旋律，他的古钢琴音乐作品是英国古钢琴音乐的最高典范，这些作品以艺术上的细腻而突出。帕赛尔是英国作曲家中唯一的一个在室内器乐方面写了值得注意的典范作品的作曲家。特别是他写了许多“三重奏鸣曲”，这些奏鸣曲是非常有意思的，并且包含了帕赛尔的一切创作特点：抒情的表现力，旋律性，丰富的和声，充分发挥了乐器的可能性。

法国主要是讲古钢琴音乐，音乐法国作曲家们在古钢琴方面有很大的贡献。在17实际末出现了鲁库泊蓝(louis couperin,1626－1661)和其他几位作曲家(如玛尔商 louismarchand,1669－1792、达坎louis claude daauin,1694-1772)。法国的古钢琴是室内艺术，是宫廷贵族沙龙艺术。它是在这种环境里产生发展起来的。这种艺术是精美细致的，有很多程式化的因素，大自然的形象，农村生活风俗的情景是以田园诗的色彩来捕绘的。在法国古钢琴音乐的作品里装饰音七折八扣很大的作用，旋律里装饰着颤音，回音，波音，倚音等等。必须指出，在这种艺术里是有着相当程度的民族基础的，这一点表现在有本民族的风景形象，描绘了日常生活的情景，运用了民间的体裁，虽然对这些东西的表先都以贵族化了，法国古钢琴体裁基本上是小品。

德国的器乐

器乐在17世纪德国音乐历史中具有很重要的意义，虽然17世纪还没有出现很卓越的作曲家。但是它给具有世界艺术意义的作曲家(巴赫和亨德尔)的出现准备了基础。下面主要讲一下古钢琴在德国的发展。谈到器乐自然回想到伟大的作曲家巴赫，在巴赫的创作中，复调音乐风格达到了高度的发展。巴赫的艺术富于高度的。深刻的哲理意味，具有极其强烈的戏剧性和非常丰富的抒情性。

约翰·塞巴斯蒂安·巴赫(johann sebastion bach,1685-1750)出生于德国中部图林根地区的一个著名的音乐家族。

巴赫的器乐以钢琴音乐为最重要。巴赫的钢琴音乐，体裁形式非常多样，但根据写法的不同大致分为5类：(1)舞曲；(2)前奏曲；(3)赋格；(4)即兴曲；(5)协奏曲。

如上所述，器乐音乐在巴洛克时期在西方不断得到发展。这个时期是一个充满各种探索和实验的复杂时期，由于复调、舞曲、变奏、即兴曲等等因素的各种不同程度，不同方式的结合，产生了不同的体裁。有些体裁只被运用一时，有些体裁则具有较强的生命力，不断得到发展，在这个时期不仅器乐的体裁形式逐渐固定下来，而且器乐乐曲的风格也逐渐形成。

以意大利、英国、法国、以及德国为中心的作曲家门对于这时期的器乐发展做出了很大的贡献。他们在发展器乐音乐艺术的过程中所积累的丰富的经验。为古典主义艺术创造提供了基础。

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论器乐教学中的情感因素及其培养论文

内容摘要：在器乐教学中，情感分为审美情感和学习情感，贯穿在器乐教学的整个过程中，处于主导地位。重视学生的情感培养，对器乐教学具有积极作用。学生的情感体验、学习兴趣、师生之间的情感交流和学生的学习动机等是培养学生情感因素的主要渠道。

关 键 词：器乐教学 情感因素 审美情感 学习情感

器乐教学是学校音乐教育的主要内容之一，它对于激发学生学习音乐的兴趣，提高对音乐的理解、表达和创造能力，发挥音乐教育的审美功能，都有着重要作用。[1]情感是指人的喜、怒、哀、乐等心理形式，它反映着人对外部世界的对象和现象的主观态度，是人对客观现实的一种特殊的反映形式，是人对于客观事物是否符合自己的需要和目的所做出的一种反映形式。在音乐学习中，情感分为审美情感和学习情感，存在于一切教学活动之中。在器乐教学中，牢牢把握情感这条主线，将器乐教学与情感因素有机地结合起来，通过培养学生的音乐审美情感和音乐学习情感，不断丰富学生的情感体验，提升学生的情感强度，使情感同音乐情绪和谐地沟通与交流，是器乐教学所追求的目标。[2]

一、器乐教学中的情感因素分析

（一）审美情感和学习情感的关系

在音乐情感中，音乐审美情感以生活和艺术领域中美与丑、悲与喜等为对象，活跃在生活和艺术的广阔领域，它的最高目的是美。学习情感主要以增强学生的学习动力为主，包括学生的学习兴趣、师生关系、学习音乐的良好态度和学习习惯等。

音乐教育是审美教育，审美是音乐教育的核心，而审美情感始终伴随着审美活动的全过程。教师在教学过程中注重学生的审美情感的培养，使学生对音乐审美情感有更深的体验并获得一种审美享受，自然会使学生更加热爱音乐，深化加强其音乐学习情感；学生音乐学习情感的加强，反过来又能进一步提高学习的兴趣和爱好，学习效率大为提高，这又将使学生对音乐审美情感的体验更加深刻。因此，笔者认为音乐审美情感与音乐学习情感二者之间相辅相成，互为促进。

(二) 情感在器乐教学中的主导地位

音乐是情感的艺术，它是人类表达感情的特殊方式，在器乐教学中，情感教育是第一位的，具有主导地位，并且贯穿在器乐教学的整个过程之中。在器乐学习过程中，学生一旦具备了表现情感的意识，他们就会在学习时全身心地投入，运用各种技能技巧，主动地去创造美妙的音响效果，这样不仅可以提高学生学习音乐的兴趣和音乐的表现能力，满足他们的自我表现欲望，还能增强学生音乐情感的启发和培养，唤醒丰富的情感心理活动，使器乐演奏技能更加提高，器乐教学更加深入。可目前有很多教师尤其是高师的器乐教师，只注重学生的音准、节奏、音色和技巧等技术层面的教学，而忽略了对音乐情感的启发和培养，这是一种无视情感的教学，是一种不完整的.教学，这不但会使学生的音乐发展潜力受到限制，还会影响教师的教学。[3]作为教师，在教学中要培养学生感受各种情感要素同音乐技术的学习同步进行，使学生在学习的过程中主动去体验情感，并转化为自己的独特感受，再通过具体的演奏形式予以表现。只有这样才能更好地完成新课程标准中提出的知识、能力以及情感态度和价值观三方面的具体目标。

（三）音乐审美情感与音乐技能技巧的关系

我们强调情感在器乐教学中的价值，并不排斥教学中的技能技巧的传授。在器乐教学中，学生主要是通过器乐作品来真正领会音乐艺术形式特殊的审美价值，培养其审美情感的。而在器乐作品中，富有表现力的情感和生动的音乐形象，需要通过正确而又不乏创新意味的技能技巧予以表现，两者是统一的整体，技能技巧训练的目的就是为了更好地表现音乐的审美情感。[4]目前，许多器乐教师尤其是高师的器乐教师，非常重视技能技巧的传授，而忽略了情感表现的培养。这种“重技轻艺”的传统音乐教育观念导致许多学生错误地认为，只要掌握了一定的技能技巧，就可以尽情地去表现音乐，这是一种无视情感的教学，是一种不完整的教学，这不但会使学生的音乐发展潜力受到限制，还会影响教师的教学。技能技巧只不过是音乐表现的手段，并不是获得成功的唯一条件，更不是器乐演奏的目的，对于器乐学习者和演奏者来说，重要的是把各种技能技巧灵活应用于各种音乐审美情感要素中去，获得艺术感情的完善统一，真正实现自身的价值，而不是一味地炫耀技术技巧。当然，作为教师不能过分强调技能技巧在教学中的重要性，但也不能忽略技能技巧在教学中的必要性，要想提高学生的音乐表现能力，就必须引导学生掌握一定的演奏技能，器乐演奏的才能很大一部分体现在技能技巧的掌握和应用的能力上，如果没有一定的演奏技能，再好的音乐设想也不可能得到实现。因此，笔者认为，在器乐教学中，技能训练和音乐情感之间，前者是手段，后者是目的，两者均不可偏废，教师在教学过程中应正确处理好两者之间的关系。

二、如何加强器乐教学中情感因素的培养

（一）加强学生音乐审美情感的培养

审美情感，作为审美教育的基本特征之一，普遍存在于一切审美活动之中。音乐审美情感的培养主要以丰富情感体验为基础，培养学生对不同题材、体裁、风格、形式的音乐作品情感内涵的感受、理解和表现力。器乐作品在题材、体裁等方面，比声乐作品更为丰富、广泛。并且用器乐表现音乐，由于脱离了歌词，相对于唱歌来讲，就更需要培养学生的情感体验，尤其是民族器乐教学。当代著名教育心理学家詹姆士·墨塞尔说：“器乐教学可以说是通往更好的体验音乐的桥梁”。[5]我国是四大文明古国之一，有深厚的文化底蕴，民族众多，风格多样，民族乐器种类繁多，器乐作品更是层出不穷。因此，在器乐教学中，加强学生对民族音乐作品的理解对培养学生的音乐审美情感具有重要作用。

在器乐教学中，教师对学生要进行正确的情感启发与培养，要以自己对音乐作品的深入理解和动情表现激发学生的情感共鸣，体验音乐的美感；培养学生在演奏乐曲时，通过对演奏作品的背景、音乐风格、地域特征等的了解来加强对情感的抒发，并将自己的情感融入其中，使作品鲜活而生动。这是一个复杂的心理转换和发展过程，只有把握好这一过程，学生的演奏才能做到声情并茂，产生动人心弦的效果。

（二）加强学生音乐学习情感的培养

根据音乐学习情感的定义及器乐教学的经验总结，笔者认为加强学生音乐学习情感的培养主要通过以下几点来进行：

兴趣，是引起和维持注意的重要因素。对感兴趣的事物，人们总会主动愉快地去探究它，使活动过程和认识过程不再是一种负担；兴趣是学习的巨大动力，是学生主动进行学习和研究的精神力量。兴趣的培养是音乐教学的首要任务和目标，就器乐教学而言，没有兴趣作基础，包括传授音乐基础知识和基本技能在内的音乐教学基本任务就难以完成，更谈不到情感的表现，尤其是枯燥的技术练习、单纯的理性讲述等都会使学生对音乐产生消极、厌烦情绪。因此，要想加强器乐教学中情感因素的培养，就必须加强学生学习的兴趣，让学生时刻保持一种对音乐学习的积极心态和愉悦体验。当然，在教学过程中，教师要成为学生兴趣的动力来源，担负起培养学生兴趣的重任。

情感交流，是培养学生学习音乐良好态度的主要渠道。情感是人的需要是否得到满足时所产生的一种内心体验，人获得某种满足，就会产生积极肯定的情绪体验，而师生之间善意的情感沟通过程，对学生的积极人际体验来说是最为直接的，这也是教学主动性的基础。学生的情感常取决于对任课老师的喜好，古人云：“亲其师，才能信其道”。如果教师对每个学生都抱着积极、热情、信任的态度，并在教学中让学生感受到这种态度，他们就会有一种受到信赖、鼓舞与激励的内心情感体验，进而从内心升腾起对老师的信赖和爱戴，“爱屋及乌”，由喜欢老师而喜欢他所任教的学科，从而愉快接受教师的教诲，并努力将教诲转化为行动，从而实现教师的期望。所以，在器乐教学实践中，应该把师生之间的各种情感交流视为一座桥梁，通过这座桥梁，教师可以进入学生的内心世界，使教学双方达到默契配合。[6]

动机，是由内在的认知观念加上或强或弱的情绪所决定的，学生要想进步，内在的认知观念就建议他必须刻苦学习，同时，伴随此观念的情绪激励敦促他积极进取、追求成功。动机对加强学生的学习毅力具有重要作用。作为一名器乐教师，应该既教书又育人，对学生加以正确引导，让学生明确学习的动机，了解音乐的真正含义，树立学习的自信心。同时，加强学生的德育教育，使他们热爱祖国、热爱人民、热爱民族文化，培养他们的爱国主义情感，这是音乐教育的主要责任。马克思说过：一个人追求的目标越大，他奋斗的动力就越大。一个思想素质低下的学生不可能具有宏伟的目标和远大的理想，因而在学习上也就不能产生巨大的学习动力。

以上主要论述了情感在器乐教学中的价值及其培养途径，总之，丰富学生的情感体验是音乐课程的核心教育目标之一，在器乐教学中，重视学生的情感培养，对器乐教学具有积极作用。

参考文献：

[1][2]课程标准研制组.音乐课程标准解读[m].北京：北京师范大学出版社..

[3]谢红 .浅谈高师音乐教学中情感表现能力培养的重要性[j].中国音乐，2002(3)67.

[4]关继文.情感与意识：器乐教学心理探微[j].中国音乐，(2)53.

[5]曹理 何工.音乐学习与教育心理[m].上海：上海音乐出版社，:64.

[6]关继文.情感与意识：器乐教学心理探微[j].中国音乐，2004(2)53.