最新抗日油画创作论文范文范本(精选12篇)

人生中不可避免地会面临各种各样的选择，因此我们需要学会合理地进行决策和判断。善于提炼关键信息，是写好总结的关键。小编为大家推荐了一些总结的要点和注意事项，希望能给大家带来启示。

抗日油画创作论文范文范本篇一

摘要：当代艺术已迅速从媒体的解放到媒体观念化转变，前者改变了艺术的存在方式而使任何东西都可以成为艺术，这是艺术走出架上时的最初状态；而后者将这种新的艺术存在方式纳入到新的艺术结构中，即将任何媒体维系在观念之中。文中阐明了艺术创作中不可为观念而观念、为形式而形式，而应在观念先于形式的前提下，为表达强烈的主观感情去寻找合适的艺术表现形式。

关键词：油画创作；思想观念；艺术形式；装置。

油画诞生于欧洲并发展于西方，作为一种艺术形式体现了西方人文精神和认识世界的方式。油画传入我国不过百年历史，直到目前已经发展到了一个空前繁荣的阶段。当代艺术已迅速从媒体的解放到媒体观念化转变，前者改变了艺术的存在方式而使任何东西都可以成为艺术，这是艺术走出架上时的最初状态；而后者将这种新的艺术存在方式纳入到新的艺术结构中，即将任何媒体维系在观念之中。

艺术的形式语言至关重要，它是连接艺术作品和观者的纽带，我们强调画面表现形式的时候，并不意味着可轻视作品的精神内涵和作者的思想观念。如果认为绘画只是表现形式语言的问题，那就从根本上否定了绘画的本质特征，绘画表现形式语言的完美程度，又依赖于作者的内在精神力量。传统的美术形态是一个艺术形式和语言技巧比较完善的体系，它的发展始终伴随着对形式语言的追求。

当下中国油画造型语言对图像元素的关注受传统中国绘画视觉图式和西方现代艺术的影响。随着人们艺术观念和审美观念的转变，当今中国艺术创造者一方面不再满足于对传统语言技法的研究，更多的是把目光盯住在世界文化发展的前沿动态，同时，他们也不断从民族传统美术的土壤中汲取营养，以中国传统绘画特有的审美角度扬弃了传统画面的图画叙事，他们自由地从各个方面提炼能激发自我敏感的因素，并在个人画面上赋予这些因素的全新的意味。

纵观当代艺术，有很多优秀画家能将思想观念与作品表现形式在自己的创作中很好的结合，用有意味的画面形式去体现创作者的思想观念，作者的思想内涵，将物予以人性化。如著名油画家尚扬的创作，没有西方现代主义后期一些画家的过分玩弄形式语言，在色彩、线条等形式因素中沉溺，缺乏内涵的流弊。他始终能热情地关注生活，他的作品《大风景系列》关注的是人类文化的历史变迁，他将地底奔突的熔岩视为人体中奔流的血液，火山经历了沉静、积蓄、不安、涌动到强劲喷发的过程，大体相当于一个时代文化思潮变迁的轨迹，他作品中喷发出的云雾是文明的碎片和沉淀，其中有汽车、茶壶、钟表、以及麦当劳的标志“m”、英文“sale”则点出了这个时代浓厚的商业气息，这些文明的碎片，作为一种视觉符号，实质是作为时代文化的表层隐喻，具有某种非连贯的象征意义。

又如著名油画家石冲的创作，他曾经画过一些超写实的油画作品，光洁的表面在石冲油画里是引人注目的特征，但这个光滑的特征，只是他所想表现的画面主题的'一个“调味品”，一个手段上、媒介上的趣味形式，是为画面主题服务的，是“手段”而不是“目的”，他在制作那种令人迷惑的光滑表面质感的同时，仍在努力为自己的画面注入更多的内容与“意义”，使得自己想诉说的某种哲理、思想观念想法通过自己的画面形象传达出来。

进入90年代以后，新生代的代表画家们的绘画不仅仅停留在表达他们的自我状态上，同时还表现了这代人整体的精神面貌。画面的视觉形式感一直是画家十分重视的问题，它把画家的意匠提高到美的韵律，但形式语言不应成为画家个人怪诞的癖好，从而失去了朴素自然的品格。

综观艺术史，二十世纪的抽象派画家康定斯基、蒙德里安的作品就追求画面的形式。在蒙德里安的画中，以具有特定含义的符号来表达画家的“自我”，由于表现的含义和对象本身没有内在的逻辑关系，恐怕要超出造型艺术中视觉度的稳定性而不成其为造型艺术。任何事物都是有一定极限的，在视觉艺术中这就是影响人们欣赏的视觉度的关节点。

自从19杜尚展示了惊世骇俗的现成品艺术以来，当前世界的艺术潮流越来越向一种自然、原初、朴素的方式发展，这在装置等实物艺术形式中表现得最为明显。它们以各种各样的材料作为主要的艺术表现媒介，但总起来讲，仍是以现成品本身的物质形态作为表现载体，有着一个静态的物质外壳。也有一些画家过多的受西方绘画形式的直接影响，在表达精神内涵而遭受了形式的约束，而且越来越淹没在形式自身的泥潭之中，过分的注重形式是有一定危险的。

当前，中国油画的创作存在一个较大的问题是过分的、片面的强调个性和创作性（以油画为例），当下油画创作的制作性太强，考虑表面和形式的东西太多，画家为个性而个性、为创造而创造、为观念而观念、为形式而形式，这样创作出的作品自然缺乏动人的力量。“生活是艺术的唯一源泉”，其实，形式感本身也是来自生活的，也只有融人生活才能达到“自然”、“天成”的这种高品味，我们的创作也只有在观念先于形式的前提下，为表达强烈的主观感情去寻找合适的艺术表现形式。

参考文献：

[1]徐勇民.学校艺术教育与素质教育论坛[m].武汉:湖北美术出版社..

[2]周长江.解读创作.上海书画出版社..

抗日油画创作论文范文范本篇二

在造型艺术中,作品样式的'推陈出新,实质上是对点、线、面造型本体元素的创造性运用及其相互问从建构剑解构再到建构的循环式整合.

作者：郭祖昌作者单位：广州美术学院油画系刊名：艺术界英文刊名：artlife年，卷(期)：“”(2)分类号：关键词：

抗日油画创作论文范文范本篇三

为了能够更好的巩固学生的专业知识，增强学生们的创造力和探索能力，提高相关的专业技能，高校开设油画创作教学，为学生们以后的油画创作奠定基础。本文重点研究了高校开设的油画创作的课程教学，进行了深入探索，以便以后能够让油画创作的教学体系更加完善。

油画；高校；美术专业；教学

油画教学由于优化本身具有的一些如多样性、艺术性、不固定性等特点而缺少严密完善的体系。很多教师在教学的时候通常会采用与教材相结合的方式，讲授油画创作的规律、构图形式等，或者是组织写生活动，这样不能够让学生们形成一个很好的油画创作的整体意识，反而出现色彩错乱、笔法生硬的问题，教学效果非常不理想。因此说，现阶段仍然有一些问题存在于油画创作的教学中，这就体现了教学的高质量、高效率的重要性。

传媒等高科技产品在当今社会十分发达，很多从事油画艺术创作的人更多的使用电脑和数码相机进行创作，忽略了写生的重要性。陈丹青提出：几年来，当代艺术以及传统艺术对写生都有着很大程度的忽略，写生从上个世纪八十年代开始更是被贬值，人们对着照片去画画，而不再进行写生这一实践活动。“30年来，全国院校师生的写生能力，一代不如一代，而事实上第一代的写生仍没有过关”。这句话体现了真实的情况，面对真实的景色和面对照片的感觉是完全不同的，在面对实景的时候要当场完成作品，尝试打破自己已有的创作风格，开辟出一天新的道路。写生是一种具有积极意义的探索行为，它不能够被条条框框束缚，变成追忆以前画家如何画画的形式，在瞻仰前人陈旧的同时要有创新，不能够对以往的作品重复复习，这样写生就会失去它原本的意义。构图和用色的习惯都是固守成规的东西，却又在创作过程中不断的出现，这就像守着一潭死水，是对创造力的扼杀。艺术家们在写生的时候能够与生活对话产生不同的感受，产生对世界的新体验。最重要的就是这样可以刺激画家，使他们有着敏捷的思维和饱满的热情进行油画创作。据说苏里科夫《女贵族莫洛卓娃》的创作灵感就是在冬天的雪地上看见一只低垂的乌鸦之后产生的。

在古典主义、新古典主义、印象派、后印象派、象征主义、表现主义、野兽派、抽象派、超现实主义及其他众多的流派中经历之后，西方油画也产生了一些变化，积累了丰富的经验和艺术语言。欧洲产生了很多油画方面的杰出画家，创作了很多优秀作品，为我们现代人学习西方绘画留下了宝贵的财富，提供了借鉴的内容。文艺复兴画家安格尔、达芬奇、米开朗基罗、提香、新古典主义画家大卫，都是西方美术史上杰出的画家，他们从前辈那里吸取了经验，总结了绘画技巧，然后在不同的时期成为艺术的里程碑。近代的立体主义画家毕加索在早期也学习了很多凡高、劳特累特、塞尚、高更等画家的作品，从中提取了适合自己的部分，领悟了油画的魅力，进而创作了很多风格独特的作品。徐悲鸿、林风眠等是我国产生的优秀油画艺术家的代表，他们对中外油画艺术进行了系统的学习，借鉴不同流派和风格的作品，结合自身的实际情况，形成了自己独特的风格，为自己在中国美术史上的地位打下了坚实的基础。油画是以西方绘画为根基的艺术形式，高校美术专业的学生们在学习油画时要以西方艺术大师的作品中吸取经验。

现今社会油画的创作中已经睡载体和艺术手法没有了固定的要求，前辈们的陈旧以及先进的文化氛围给了我们自由发挥的空间。在绘画中每个人都有属于自己的绘画语言，田克盛说“：用自己的语言说自己的意思。”要做到这一点也是很不容易的，没有人可以评判我们自己的语言是对是错，我们要在艺术实践中不断的探索和研究，提高审识能力，实现自我的选择。绘画者选择的题材不是但以不变的，他们会选择让自己感动的题材。印象派大师毕沙罗说：“要在大自然中选择最适合于你自己气质的主题。”一幅作品想要成功，就要表现自己最熟悉的内容或者事物，然后用内心为其润色。俄罗斯巡回展览画派大师列宾在青年时期也遇到过类似的问题。列宾的毕业创作《睚鲁女儿的复活》完成后产生了很大的反响，获得了为期三年出国进修的机会。但是在法国留学期间的作品在展出时并没有引起太多的注意，这是很不可思议的。当他从巴黎回到家乡之后，创作的大量作品却获得了巨大的成功，被誉为批判现实主义的泰斗。对此列宾认为，在法国他获得的是创作经历以及技巧，但是回到家乡之后才能有更好的感情流露，俄罗斯才是他创作的源泉。想要让艺术品具有精神性，那就要让他传递某种精神。在油画作品完成之前的整个过程都是艺术家充盈自己全部人格精神和艺术品格的过程。没有艺术家精神因素渗透的画面，是缺少色彩和形式的有效组合的。现代油画在“个性化”方面有着激烈的讨论。一些人以为油画的个性就是如：人物变异、独特笔触、色彩独创等的“表现主义”，这样的想法时不完全的，只是流于表面的思考并没有深入的认识。画家的情感和表现欲望此时画作表现力的根本来源，画家不同的艺术风格和审美是通过不同的形象体现出来的，这就是艺术家们的“个性化”的艺术语言，艺术家的家属精神、人格魅力、创造精神融合在一起才能更好的形成意见艺术品。所以真实的情感才是“个性化”语言培养的基础，追求表面的形式并不能产生“个性化”语言。不管是素描还是色彩，室内还是室外，写生都是我们创作过程中取之不尽、用之不竭的源泉，学生们在研究西方大师的画作时可以吸取其中的有益部分，与自己的风格相结合，提高自身绘画技巧和创作经验，想要保证作品取得成功还要选择合适的题材，加之真实的情感。不能够在创作过程中一味地追求“个性化”语言，失去了属于自己的个人天赋，艺术源于生活，在生活中情感又是抒发内心精神世界的有效途径，每个人的生活经历不同，他们在创作时产生的情感就不同，创作出来的作品也会有所不同。想要准确的表达自己的精神追求和感受就要选择适合自己的艺术语言，展现自己的艺术个性，这样才能更好的展示作品。

结合现阶段高校在美术专业的油画创作教学中讯在的问题，以及本人多年的额教学经验和学习成果，下文将从三个方面对怎样开阵高品质、高效率的油画创作教学进行阐释，以达到完善美术专业教育体系和提高油画创作教学质量的目的。

（一）引导性教学

与其他教学不同，油画教学需要绘画者有强烈的主观意识，在这一方面是教师们很难准确把握的，一方面，油画创作具有与众不同的艺术语言形式和艺术观念，教师只有在深入教学的过程中，才能保证学生们能够准确理解，提高个人水平；另一方面，油画创作表面上知识一种随性而为的精神创作，却有着“只可意会不可言传”的深刻内涵。在油画创作的教学过程中，包含油画内的立意、构图、色彩、情感都是需要学生们有感而发的。在这一方面教师不能够代替学生们完成，所以就要在教学过程中突出学生的主体地位，进行适当准确的引导，让学生们能够在创作时充分展现自己的艺术个性和创造能力，对油画的表达、认识、色彩、语言有正确的认知，便于学生更好的感悟生活，形成具有特色的'油画作品。

（二）感悟式教学

课堂教授和下乡体验式教学是以往油画创作教学的主要方式，学生们在老师的带领下去工厂街道、田野乡间等地进行生活的体验，收集创作的素材。但是在这样的教学方式中，学生们并不了解他们体验的工厂街道、田野乡间有着怎样的意义，他们的油画创作就会流于表面，作品大同小异，没有属于个人的深刻感悟和体会，缺少个人情感。所以，作者个人认为感悟式教学是更好的感受。应用于油画创作教学中的感悟式教学主要教师们在带领学生进行户外写生的基础上，让学生们了解他们所处的环境，更好的融入到周围的景象、人物、事物中，深刻地感受一草一木带给他们的，这样可以使学生们创作的立意变得丰富多样，构图不再单一，利于学生们在创作过程中更好的融入个人情感，进而使作品变成有灵魂、有生命的，促进了油画创作教学的进步。

（三）欣赏式临摹教学

在十五世纪以前，欧洲绘画中的彩蛋奠定了油画形成的基础，并且发展至今愈加繁荣，也可以说是历史悠久。教师们重视鼓励学生们看名家的作品，不仅仅是看表面的东西，还要深刻的体会作者的创作背景和其中融合的个人情感。在油画创作教学的过程中，教师在带领学生们欣赏国内外优化大师作品的色彩、构图、立意的同时还要对学生渗透有关创作背景的知识，促进学生们对作品中情感更好的领悟，让学生们在同一种背景下尝试创作，与大师们的作品对比，总结经验、技法创作灵感，丰富学生们作品中的情感，促进油画创作的高质量、高效率。除了上述三种途径以外，在研究高质量、高效率的油画创作教学时，教师也要提高自身的专业素养，增强教学能力。

在高校的美术教学中油画创作有着很重要的地位，是学生们确定艺术风貌的努力方向和良好基础。也就是说在创作教学过程中教师能否给予学生们正确的引导就决定了学生们是否能够很好的掌握油画创作。结合多年的创作教学经验，作者分析了高校美术专业油画创作教学研究的相关问题，希望能够为学生们更好地掌握油画创作的技巧提供一些借鉴，仅供参考。

[1]洪新发.洪新发具象油画[j].大舞台，2014（8）.

[2]洪新发.融合创新———感悟中国油画的艺术创作[j].湖北师范学院学报（哲学社会科学版），2013（3）.

[3]洪新发.当代油画本土化思维初探———浅谈中国油画意象表现与审美[j].湖北师范学院学报（哲学社会科学版），2012（4）.

[4]洪新发.高师美术专业教育现状与思考[j].湖北师范学院学报（哲学社会科学版），2011（3）.

[5]洪新发.刍议新具象油画表现及后期演变发展[j].湖北师范学院学报（哲学社会科学版），2010（6）.

[6]李启木，陈荣周，洪新发.绿色生态德化魅力化危为机独具特色的循环经济———访德化县县委书记陈全顺[j].中国乡镇企业，2009（2）.

[7]洪新发.简析绘画教学中学生心理因素对心态的影响[j].湖北师范学院学报（哲学社会科学版），2009（3）.

[8]洪新发.浅谈美术高考招生模式的弊端与改革措施[j].美术大观，2009（5）.

[9]洪新发.教师引进门修艺在个人———论绘画教学师生间关系与作用[j].美术向导看，2009（1）.

[10]洪新发.刍议油画静物创作[j].美术大观，2008（6）.

抗日油画创作论文范文范本篇四

油画作为一种艺术形式，具有独特的表现力和魅力，因此一直是艺术家们倾心追求的对象。在经过多年的油画创作探索和实践中，我深深体会到了油画创作的独特之处。下面我将从学习与实践、色彩与构图、细节与氛围以及创作过程中的思考与反思四个方面，分享我的油画创作心得体会。

学习与实践是油画创作的基础。对于任何一种艺术形式来说，学习和实践都是必不可少的环节。在学习阶段，我通过研究油画的历史和发展，了解了众多油画大师的作品和创作技巧。同时，我还学习了绘画的基本知识和技巧，如色彩理论、构图原理等。在实践过程中，我通过模仿大师的作品和实践练习，逐渐理解和掌握了油画的表现力和技巧。学以致用，将学到的知识和技巧应用到实际的创作中，不断提高自己的绘画水平。

色彩与构图是油画创作中至关重要的要素。色彩是油画最具表现力的因素之一，它可以传递情感和氛围，表现出画面的立体感和层次感。在我的创作中，我经常运用柔和的色彩来描绘自然景观，以达到表达内心感受的目的。另外，构图是一个画面整体布局的基本原则，它可以决定画面的平衡和重心，影响观者的视觉效果。在构图时，我会注意元素的安排和层次的分明，力求达到画面的和谐与美观。

细节与氛围相辅相成，共同构建画面的魅力。细节可以增强画面的真实感和细腻度，同时也更能表现出画家的技巧和用心。在我的创作中，我注重细节的处理，尤其是人物和静物的描绘，希望通过细腻的笔触和丰富的细节来展现作品的魅力。另外，氛围是油画创作中需要特别关注的要素，它可以通过明暗、光影等技巧来表现出画面所要表达的情感和主题。在创作过程中，我常常思考如何通过色彩和构图来打造出适合作品氛围的效果，使观者能够真切地感受到画面所传递的情感和意境。

创作过程中的思考和反思是油画创作中不可或缺的环节。在实践的过程中，我常常会通过观察和思考来进一步提高自己的创作水平。例如，对于一幅完成的作品，我会仔细审视，找出不足之处，并思考如何改进和提高。我会向他人征求意见和建议，倾听他们对我的作品的评价和意见，以获得不同的观点和反馈。另外，我还经常进行自我反思，总结和分析自己的创作经验和失误，寻找问题的原因和解决办法。通过思考和反思，我不断完善自己的创作技巧和风格，提高创作的质量和水平。

总之，油画创作是一条需要持久和不断努力的艺术之路。通过学习与实践，我不断提高自己的绘画水平和技巧，同时也在艺术创作中获得了更多的体会和心得。在今后的创作中，我将继续努力，不断探索和尝试，以打造出更多更好的作品，为观者带来更多的艺术享受和感受。

抗日油画创作论文范文范本篇五

油画的写生与创作关系密切，写生是创作的基础，同时也是艺术家在创作前期搜集素材的一种方式。写生也可以成为创作的一部分，优秀的写生作品同样也属于创作作品，可以说，写生和创作之间并没有明确的界限。单纯地将写生和创作割裂开来是不正确的，简单地把写生视为习作也是不可取的，油画的写生与创作是相互影响、相互交融的关系。

写生是创作的基础，最显着地体现在美术院校的教学体系当中。写生课程通常安排在大一、大二、大三学年，这些课程都是循序渐进、由易到难的，而毕业创作通常安排在大四学年。通过前三学年写生的基础训练，为最终的毕业创作提供技术保障，这就体现了写生对创作的基础性作用。因为油画创作的要求相对较高，不经过系统写生训练是很难完成的，需要通过长时间的写生来解决构图、造型、色彩、解剖等方面的问题。这种课堂写生带有一定的练习性，不要求作品的完整性，通常也称为“习作”.因此，在这种情形下，油画写生更多的是尊重客观对象，较为忠实地记录对象，否则就无法达到学习的目的和效果。油画写生是油画创作的基础，是绘画者一生的必修课，并不仅仅是针对美术院校的学生而言。即使成名的画家也还经常进行写生练习，例如于小冬、杨参军、郭润文等油画家。

写生画不好，创作也肯定会受到制约。另一方面，如果在在创作中发现造型、色彩等方面的基本功还不够扎实、过硬，还可以通过写生的方法不断锤炼，以促进创作水平的进一步提高。

虽然照片搜集素材更为便利，但照片的形象不免呆板，色彩也不够生动，画家通过写生记录对象的特征，为创作打好基础，从写生得来的这种素材更为鲜活、生动。这种类型的写生不是简单的技法训练，而是为创作积累素材、研究素材。老一辈油画家由于其所处的时代科技不够发达，获取素材的条件不如现在便捷，很多创作都是通过这样的方式搜集素材。如全山石在创作《娄山关》时，便对作品中的农民和民兵形象进行了写生。在其另外一张作品《英勇不屈》中，也对作品中的农妇和民兵形象进行了写生。艺术源于生活，高于生活，要想创作出优秀的作品就要深入生活、扎根人民，在人民群众中获取灵感，汲取养分。近年来，中国美协及其相关团体机构组织油画家们多次赴农村、厂矿等基层写生，对于油画家们搜集素材进而创作优秀的作品创作了条件。虽然目前相机已经普及，搜集素材的方式更为便利，但通过写生搜集素材的方式更能够记录画家作画时的感受，这种感受也会传递到创作中，使得创作更加真实、更具说服力，这是照片所无法比拟的。

很多画家在创作过程中，因图片资源缺乏或不理想，为了追求真实性和生动性，局部采用实物写生的'方式去完善作品。这种方法与搜集素材的方式不同。搜集素材的写生通常要小于正式创作中物体的大小，待正式创作时再将小稿放大。而这种方式是直接将写生的对象画在创作的画布上，其他部分则是在写生结束后作者再主观进行处理。这种类型的创作可以说写生占的比重非常大，写生的功夫就显得非常重要。例如“国家重大历史题材美术创作工程”中的很多作品局部，都是通过模特穿上服装、摆上姿势，配合道具，打上灯光，直接进行写生创作。画家杨成国在创作《天边有座红房子》时，主体的人物是在课堂上写生的，在写生开始前就对模特的动态及服饰做了专门的摆放和选择，使得人物能与创作中的背景保持协调。而背景的花草树木建筑部分则是在人物写生结束以后加工完成的，客观的写生物象与作者对画面环境的设计很好地融合在一起。因此，我们要巧妙利用写生对象，使之更好地为创作服务。

写生本身就是一种独立的艺术表现形式，通过写生的方式来完成创作，这也是写生的最高境界。这种方式的写生不是简单的习作，而是在写生中融入了作者强烈的情感和主观处理，作品较为完整，超出了普通写生的范畴，达到了创作的高度，写生即创作。例如，弗洛伊德几乎一生都在通过写生的方式来进行创作，其作品的意义又远远高于现实，对象的精神气质、神态等都进行了强化处理。弗洛伊德在写生时极为用心，也极为缓慢，一幅头像通常能画一两个月，由此可见作者在写生中精益求精的态度。画家刘小东也是用写生的方式进行创作，即使是大尺幅的作品也是如此。他在创作《温床之一》时，由于画幅过大，画布是平铺在地上进行绘制的，在他的对面是十余名动态不一的模特，刘小东就是用这样写生的方法进行创作的。画家忻东旺也使用写生的方式来进行创作，他在人物写生时经常将额头部分的高光用刮刀厚厚地抹出，人物鼻子、嘴、眼睛中的线条也比实际中的要强烈，对人物的个性特点进行了夸张的处理。他曾说：“我力求不使每一幅写生作品仅成之为习作。”[1]画家王克举将画架搬到大自然中，用200×200cm的画布对景写生创作，当然，从他最终创作出的作品来看，作品本身与自然对象相比是有很大区别的，造型更加夸张变形，颜色更加主观、更具表现性。画家冷军的超写实作品很多也都是通过写生的方式来完成，通过对构图和物体位置的摆放，使得画面呈现出一种创作的意境。画家杨飞云直接将画架摆放在老乡家里进行写生创作，模特的形象与家中环境自然地融合在一起，通过对道具的摆放及周围环境的取舍，使得画面呈现出创作的意境。因此，这一类型的写生融合了作者的主观感受和情感表达，也使得写生具有了创作的意味，这就是写生即创作的体现。只有将写生转换为创作作品，作品的艺术性才会更高。

油画写生与创作的关系既是相互独立、相互交叉，同时也是你中有我、我中有你，是相互交融、相互渗透的。如果将写生与创作割裂开来看，没有写生的基本功训练作基础，根本创作不出优秀的艺术作品。如果单纯地把写生当成习作的话，会使创作出来的作品缺乏深度。油画创作是油画写生的延续和提炼，创作时也要兼顾写生现场的环境气氛，捕捉写生感，时刻保持画面的鲜活和生动性。同时创作也不能完全当作单一的写生去对待，而是需要经过缜密的构思，才能将写生的秩序感、生动性、鲜活感、完美融合在创作中，达到写生即是创作的高标准。

[1]忻东旺。相由心生[m].长沙：湖南美术出版社，2013.

抗日油画创作论文范文范本篇六

：油画创作中的装饰意味越来越受到艺术家们的重视，在多学科的渗透和影响下，这一因素为传统的油画艺术注入了新的活力。油画创作中装饰意味的表现手法和构成元素直接传达艺术家的思想感情和艺术追求，它不仅仅是语言符号表现手法，也是情感与精神的象征。对油画创作中的装饰意味进行深入研究有其深刻的现实意义。

油画创作；装饰意味；绘画语言；表现方法

油画创作中的装饰意味就是对所描绘对象进行美化而使之变得充满趣味。画家往往会巧妙地添加一些具有装饰意味的表达语言，使作品给人一种独特的视觉效果[1]。在油画创作中画家会为了使画面更具有装饰意味，而增加使用合适的构图、平面或线性造型以及具有抽象、夸张，象征的点线面和色彩，使创作的具有装饰意味的油画作品，具有明显的想象力、丰富的表现力和艺术感染力。当然从油画作品中也能看到画家本人的情感和个性的影子。油画创作中装饰意味的绘画语言通常都是简洁的、精炼的、高度概括的，通过对构图和造型的运用，点线面与色彩的搭配，可以使油画作品具有很强的装饰意味。

（一）油画创作中装饰意味的形式表现语言

可以将油画创作中的装饰意味的形式表现语言比喻为建房子，其中的构图是钢架、点线面是水泥，这二者对作品起重要作用。因此在油画创作过程中，要想营造出具有装饰意味的油画作品就必须学会构图和点线面的运用。1.构图的表现运用构图是画家为了更合乎情理地组织和安排所要运用的艺术创作元素。在油画创作过程中，根据具体的需要选择最合适的构图方式[2]。平视构图，在油画创作过程中先使画面所表达的内容与观赏者视线保持平行，再使画面呈现平面效果，如蒙德里安的作品《红、黄、蓝的构成》等。立体构图，在平面的基础上去描绘画面内容的上方或侧面使平面变得立体，使画面看上去更真实。自由组合构图，在油画创作过程中，用一定的美学原理将不同的线条、不同的颜色和不同的表现形式合理地搭配组合在一起，将分散、凌乱、似乎没有任何联系的创作元素，合理地布置在一个画面空间内，共同展现画家内心情感和绘画主题。这种构图方式冲破了时空的束缚，打破了传统的视觉效果，如毕加索的作品《梦》，十分典型地展现了构图在油画作品创作中的重要性。2.点线面的构成与表达油画创作中装饰意味的绘画语言发展至今，表现手法与材料虽丰富多样但画面构成元素不外乎“点”“线”“面”这三种。点线面作为画面中最基本、最关键的构成要素，不仅体现着油画作品的整体格调，也体现了画家的感受和油画作品的整体面貌。在艺术语言上，“点”是基础中的基础，“线”是点运动的轨迹，“点”在画面中作用的差异取决于“点”在画面中面积的大小。不规则的点给人一种棱角分明、粗糙、外放和激情的感觉。圆点有圆润、内收和平和的感觉。缩小的点给人一种内收、集中、强调的感觉，放大的点则相反。“线”具有方向性、运动感、表现力和生命力。急转的线给人尖锐和冰冷的感觉，缓转的线给人悠扬和轻松的感觉[3]。线不仅能够清晰直接地概括出物体的形态和特征，也能体现出画家的性情和风格。在油画创作中，线是控制画面节奏的关键因素。如何把握节奏，首先在把握好画面中主体物的前提下，挑选适合的构成元素——点线面，来修饰和描绘主体物；其次不能让次要形态抢主体的风头，学会控制这种主次关系。“面”是相对于“点”“线”的平面形象，是以二度空间的形式存在的。在油画创作中，可以把“面”看作放大了的“点”，“面”与“点”相比较，“面”是较大的元素，“点”与“面”所强调的东西不一样，“点”强调位置关系，“面”强调的是形状与面积的大小。画家创作具有装饰意味的油画作品是以“面”的形状，通过色块来表达物体的形态。“面”的形状是变化的，而且还是多变的，主要通过提、拉、扫、点、拍、顿、托等技巧与不同种类的原料相结合，创作出具有肌理效果的画面效果，给人一种别具一格的视觉感受和不一样的画面风格。点线面是画家情感表达的媒介。情感作为艺术创作的灵魂，贯穿于创作始终，因此，每件艺术作品都是创作者的情感表达。当然，油画作品中也必须有画家的情感表达，情感的表达是通过点线面来表现欢快、激昂、愤恨，悲伤的感受。克里姆特的《吻》中，点线面的运用传达出来的画面语言是对爱情的激情、憧憬和热忱。作品中用方形来表现男子刚直、有力量感的形象，圆点装饰为整个画面增添了浪漫的、甜蜜的，温馨的情调，以柔和的曲线来表现一个正陶醉在甜蜜爱情中的女子形象在油画创作中，点线面作为装饰意味的形式表现语言中基础的构成元素，需要艺术家对所描绘的对象打破、重组，构建一种新的秩序，这便要求这三者间必须做到相互关联、相互转换，互为结构，彼此成就。使得在油画创作中具有装饰意味的画面构图做到清新脱俗、富有创意、生动有趣，富有表现力。点线面的的表现形式具有丰富性和多样性，但它是根据画家对事物观察、感受、认知及表达方式的不同而不同的。画家会根据创作的预期效果的需要对元素进行选择、分解和重组。

（二）色彩的装饰意味表现

在油画创作中要体现装饰意味，对于色彩的选择十分关键，直接影响画面的总体感觉。画家为了增添画面总体的视觉效果，通常会选择简洁的、纯度高的、鲜亮的颜色进行表现。1.色彩的对比与色彩的装饰意味很明显，装饰性绘画的色彩饱和度和纯度都是非常的高，这样的色彩能够刺激观赏者的视神经，进而使观赏者对作品产生极浓厚的兴趣，使其愿意深入到画家的内心世界，去体会画家创作此作品的情感、心情以及想传达给观赏者的东西，最后使观赏者获得审美快感和对世界新的认识。比如梵高的绘画作品《麦田》，黄色的麦田以及蓝色的天空纯度都非常高，几乎是直接用颜料管里的颜色。2.色彩的平面化、秩序化与装饰意味大自然展现在我们面前的事物具有错综复杂的层次感和空间感，而具有装饰意味的色彩要求我们在表现物象时去掉近实远虚的空间感，把复杂的、繁乱的物象进行概括和提炼，使之典型化、简化，最终平面化，使我们感知到的事物更具有一种形式美。平涂是指先将描绘对象的轮廓划定出来，在画面上涂上均匀的，单一的色彩，然后使做成的艺术作品具有平面化的特征。相比于传统的绘画技法而言，平涂是一个新的突破和方向，将画面的装饰性增强，采取更为直接的方式将画家心中的感受表现在作品中。例如梵高的作品《向日葵》就具有非常出色的装饰效果。通过对梵高这一作品的研究发现，他对黄色非常喜欢和擅长，向日葵使用的黄色没有雷同的，每一部分都是由不同明度、纯度的黄色构成，真是一幅黄色的交响曲，像这样的作品在绘画上注重色彩的秩序感，从而也具有很强的装饰意味。在油画创作中我们必须抓住平面化和秩序化这两个特征，因为这是装饰性色彩中最为重要和必不可少的特征，只有这样，画面中的装饰意味才能真真正正地体现出来，梵高画笔下的向日葵与我们平常所见的不同，那是他心中的向日葵，是他心中的希望和对生活的热爱，是他本人内心真实的写照。3.色彩的主观能动性与装饰意味在油画创作中，画家是根据自己的生活经历来选取题材并在画布上进行描绘的。每位画家的生活经历都是不同的，因而画家的内心世界也是有差异的，画家会使用更能表现自身独特艺术魅力与个性特征的色彩，有时候会忽略人们眼中能看到的所谓的真实性色彩。具有装饰意味的色彩是融合了所描绘的对象的固有颜色与画家想象的颜色，偏重画家对色彩的主观处理与表现，它是画家为表达自我内心情感而设计的独具个性化的色彩世界。

（三）油画创作中装饰意味的造型表现

油画创作中的装饰意味讲究的是造型的艺术表现力[4]。平面造型是最常用的，因此，要多方面地重视平面造型技法。1.变形的方式。归纳线条的长短、形状、流畅程度，不同的画面构成以什么样的表现方式表现，才能给观赏者以新奇和眼前一亮之感，使作品所表现的主题内容更加形象，更加突出。至于怎么才能将生活中的.事物通过艺术加工形成艺术作品，需要我们对局部的细节进行灵活运用。2.简化的方式。为了使作品看着更通透简练，更具有意境，需采取提炼综合的创作手法，即：用简洁的线条搭配来描画突出的艺术形象。在写实和对内容提炼的基础上，恰当添加一些画家的主观想象，采用夸张或其它装饰内容，或是将所描绘对象进行组合、拼凑，最后构成一个完整的、更加饱满的、充满视觉冲击力的画面。

（一）装饰意味的抽象表现

油画创作中装饰意味融入现代油画创作中的一个重要表现方法就是抽象。通过改变色彩搭配以及线条变形之后，让画面看起来更富有生机、活力和概括力。我们可以在画面中看到自己在实际生活中的真实痕迹，作品更多地给人留下了无穷的想象空间。通过对画面简洁和抽象的概括融合，可以看到更深的意义和更深层的内涵，这都源于在油画创作中的装饰意味的绘画语言进行的艺术加工。例如中国油画家赵无极是抽象表现的代表，《无题》一画中流动的大片色块、自由的笔触与偶尔堆积的肌理，充满了东方的精神意象与神秘的象征意味。

（二）装饰意味的象征表现

具有装饰意味的油画作品基本上都带有很强的象征意义。在油画创作中产生的具有装饰意味的每件油画作品，都是将实际生活中具体的人、事、物通过恰当的艺术表现手法，用抽象符号将复杂对象用简化的要素概括出来的，都是浓缩了画家的某些情感，象征着实际生活或理想状态中的寄意。例如，梵高的《向日葵》，画得很厚的向日葵在几乎平涂的背景上展现出清晰的轮廓，他向向日葵中倾注了自己的生命，将描绘的对象——向日葵的体积关系与画家本人主观的、具有个性的色彩相结合产生了特殊的艺术效果。梵高是酷爱以向日葵为题材的画家，因为象征太阳的向日葵就是他真实性格的写照，他笔下的向日葵非常挺拔与有力量感，用笔坚实而果断，笔触是扭动和厚重的。油画创作中的装饰意味的形式表现语言分别是点线面、构图、色彩的装饰意味表现和造型表现，还有装饰意味的抽象与象征的表现。在油画创作中，加强对具有装饰意味的绘画语言和表现方法的运用和练习，才能创作出更多更优秀的具有装饰意味的油画作品。

[1]彭宁乙.现代水彩画中的装饰性表现研究[d].青岛：青岛大学，2010.

[3]孙根生.罗尔纯绘画点线面的特征研究[d].合肥：安徽大学，2017.

[4]张瑞升.油画作品中天空的表现研究[d].南京：南京航空航天大学，2013.

抗日油画创作论文范文范本篇七

无论是在学校还是在社会中，大家总少不了接触论文吧，论文是描述学术研究成果进行学术交流的一种工具。那要怎么写好论文呢？下面是小编精心整理的写实油画艺术下的素描创作论文，仅供参考，大家一起来看看吧。

（一）素描中“线”在写实油画创作中的作用

“线”是素描最基本元素之一，写实油画的起稿都是通过线条描绘创作对象的轮廓，在此基础上进行虚实明暗处理完成的。线条的曲折虚实能很好表达创作对象的性格，以及作者的创作思想。线条手法重实能营造出庄严凝重的氛围，画面的沉重感也都能由线条的内在力量传达出来；线条手法简易轻盈能表达出画面温婉和谐的宁静之感，似无意又有意，画风简约又不失大气。素描通常以黑白为主，黑色线条与白色底稿之间，由两种互补色的鲜明对比，使画作产生一种黑色线条在画上运动的动感。作者借助线条的神韵生动形象地表现出写实油画的灵动，其真实的情感和思想内容也得以表达。由此可见，线条在写实油画创作中占据举足轻重的地位。

（二）造“形”塑“体”在写实油画创作中的作用

“形”是通过线条描绘刻画的实物轮廓，“体”则是以“形”为前提塑造的实物体态体积。素描其实是造“形”塑“体”的主要表现形式。写实油画对画面实物的形体要求非常苛刻，一般要求具备清晰的形体轮廓，突出表现所画对象的主要特点，画家通过对线条的取舍和加工，以达到提高形态精确性的目的，确保形状轮廓的清晰程度为完成体态步骤打下坚实基础。正是由于“体”因“形”的存在而存在，后期画家才把形体单独从写实油画中提炼出来，并不断洗练完善。在油画创作中，“体”从实物的长度、宽度和高度三个方面刻画，“形”体现的是平面效果。“体”赋予了实物体积感和空间感，因而实物具有了三维立体空间感。画家主要通过对素描线条的明暗层次、远近关系、虚实关系等表现手法的综合运用展现实物真实感。素描中线条的颜色由深及浅分，大致只有黑、灰、白三种色调，多数美院高校的教学要求是教会学生处理素描实物的明暗关系，通过观察实物在自然光照射下的明暗效果，施加练习，学会运用明暗层次和线条的关系，利用三色的不同排列组合突出实物的立体空间感和真实感。

（三）素描在写实油画创作中的空间作用

随着科技的进步与社会的发展，生活中越来越多视图呈现出三维立体的空间感，为使画面更具真实感，现代素描已经出现了3d素描，给人以美好的遐想空间以及形象的幻觉。以往的艺术作品更多以二维空间的平面形式出现在人们眼前，从整个美术历史进程来看，早期的写实油画都只具备平面视图效果，即使是平面效果，也需要利用素描对画作的虚暗实明、远小近大关系谨慎处理，若要达到三维空间效果，则需在此基础上进行素描明暗、素描阴影、素描层次关系的调整。世界名画《蒙娜丽莎》的手稿由多层素描重叠而成，显而易见，美术巨匠达芬奇的素描手法已达到了炉火纯青的境界，这也透露出作为一名画家只有具备了扎实的素描基本功，才能创作出传世之作。素描的空间透视作用在写实油画中得到了广泛应用，按透视角度可分为成角透视、倾斜透视和平行透视。利用这种素描原理，能加强视觉的表现张力，拓宽写实油画的表现领域，形成现代超写实绘画风格，这对科幻绘画、广告设计，以及现代美术设计风格都产生了极大影响。

（四）素描对写实油画创作题材及思想内容的影响

为精确表达作者的创作思想和创作题材，画家通常在写实油画的准备阶段对写实油画的'构思进行素描构图，再不断修改完善。素描的过程一方面是过滤与明确画家创作主题思想的过程，作者在创作准备阶段，需要以素描的形式粗略考虑画风和画面构图的整体安排，考虑这样的安排布局是否合理；另一方面，也是作者对所要表达思想内容的进一步深入剖析理解，作者利用素描绘画反复思考与揣摩，提炼写实油画的素材，研究绘画手法和技巧对写实油画主题思想的综合反映，为确定写实油画的画风与画调起到奠基作用。古今中外的画家在写实油画创作中非常重视素描时的初步构图，在构图中不断修缮，力求完美，胸有成竹后对素描构图定稿，此后才敢对写实油画进行具体创作。

（一）素描水平决定油画创作水平

首先，在我国多所美院入学考试要求中，都将素描纳为一项重要的检验标准，用以考察学生是否具有扎实的素描基本功以及绘画潜力。因为没有扎实的素描功底，学生很难在写实油画创作中表达自己的思想，也难以掌控造型能力，以及色彩与形体的综合运用能力，完成的作品也会因此显得空洞无实和平庸。因此，为了写实油画长期健康稳定发展，要充分发挥素描绘画的积极作用，提高学生素描绘画水平，从而提高其写实油画的艺术创作水平。其次，放眼国际，绝大部分写实油画大师都是素描绘画能手，但这些具有国际地位的大师到底先成为写实油画的传奇人物，还是先成为素描绘画的高手呢？答案显而易见，一幅优良的素描绘画底稿是一幅写实油画精品的基础，没有坚实稳固的基础很难使写实油画技艺登峰造极。因此，素描对写实油画创作具有积极推动作用，素描水平的高低在很大程度上决定了写实油画创作的档次。最后，素描不仅是写实油画的基础，还是所有美术绘画的基础。素描水平的高低与素描手法的娴熟程度和技巧综合运用有关。素描功底薄弱的画家很难创作出画作精品，多数作品无法表达画作主题和实物本质，甚至不能精确传达个人情感和思想，究其原因，还是由于缺乏深厚的素描功底。基本功不扎实，在美术上的造诣必然无法达到精深。

（二）素描风格决定油画创作风格

中国的写实油画学者中，很多油画家的素描作品对象以人物居多，表现手法也多以柔美、典雅、朴素为主。让人惊讶的是，他们的写实油画创作风格也一直保持着与素描绘画同样的画风，传达出宁静安详。其中，最为典型的就是油画家靳尚谊。除此之外，朝戈是另一个典范，在他的素描作品中，注重通过描绘人物的动作神态刻画其内心，写实油画作品画风与他的素描画风如出一辙，通过描绘沉静安详的神态表现人物内心深处的平和，画作具有强烈的时代特征，揭示当代人物特定的内心变化。淡化对象形体轮廓手法是素描流派中印象画派作风，力求描绘自然风景的真实性。著名印象派画家莫奈等人不提倡在室内作画，倡导在自然状态下进行户外写生，希望直接刻画自然光的日常色彩。他们摒弃了前几个世纪的压抑色调，开创了清新明朗的阳光色调，他们的写实油画风格与素描风格在后期都展现出真实自然的风格。由于油画大师在素描内容选择上各有见解，素描风格也各具特色，这无形中影响了他们在写实油画中的创作表现手法，因而也决定了写实油画的画风，这些各具风味的油画艺术表现风格在美术发展进程中百花齐放。

素描对完成写实油画的艺术创作有重要意义，而且对提高写实油画的质量有不可估量的影响，无论是对油画创作的形体、色彩、空间构图，还是对作者思想情感的表达，都起着决定性作用。因此，美术学习者要增强学习、夯实素描基本功的积极性，以达到提高写实油画创作质量的目的。

抗日油画创作论文范文范本篇八

摘要：

动画，由于自身创作方式的独特性，要求其创作者在动画前期创意阶段就必须有严谨的剪辑意识并贯穿始终，动画作品的基调也是在这一阶段被奠定。动画剪辑“规定于前期分镜，实施于中期制作，定型于后期剪接”的这一带有强烈预见性的“先剪后接”工作意识，也是动画作品与实拍影视在创作意识上的最大区别。

关键词：

动画创作;剪辑意识;先剪后接;前期;后期。

剪辑，在英语中翻译为editing，有剪、接、编辑的意思，是图像组合的一种手段，它将假定的时空关系以大众能接受的方式组合，从而达到叙事、抒情及表现的目的。电影剪辑，是随着电影艺术的发展而产生的，剪辑手法的运用可把若干电影镜头组合连接，从而构成一个完整的具有戏剧性的段落场面。动画剪辑，也是根据动画创作者事先所设计的分镜头台本的要求，把已经绘制或虚拟出的镜头画面和声音素材组织连接在一起。

动画由于自身创作方式的独特性，动画剪辑是创作者在动画前期创意与绘制分镜头阶段就需要去严谨细致考虑的问题。剪辑意识由此在动画创作的前期就产生并奠定了动画作品的基本格调。动画镜头毕竟是绘制或虚拟出来的，在中后期制作当中不可能做过多的改动，否则会造成很多不必要的麻烦。这一带有强烈预见性的“先剪后接”工作意识，要求动画导演前期必须具有精巧的构思，能设想故事节奏，估算镜头长度，处理各种动作，达到最小的镜头误差和最少的额外浪费。

电影剪辑是电影本体的创造力。

普多夫金曾经指出：“剪辑工作是电影本体的创造力，自然只不过提供了它用以工作的素材，这的确就是电影和剪辑的关系。”这是无声片时期著名导演的肺腑之言，他以丰富的实际经验得出结论，也就是剪辑的程序：将特定性的镜头进行选择定时与排列成分镜头剧本。这是影片制作中决定性的、富有创造性的工作。从这句话中可以看出，镜头画面是电影语言的基本元素，是电影合成的原材料。而剪辑师就好像一台产品加工机器，把原材料最终加工成预期所需要的成品来。剪辑在这一过程当中就是把零散的、具有相互联系的、记录了具体现象的镜头画面组合成一部运动形态的、完整叙事的电影。

然而，电影剪辑不仅仅是把数百上千个片段简单的组合在一起，就能够清楚的表达出所要表达的意义。电影剪辑还要遵循一些客观的原理和规律。

首先，是保证剪辑的流畅性。在影视创作中，剪辑师可以合理的运用一些电影的基本术语来连接故事。例如简单的切镜头，用一个画面骤然代替另一个画面，这是最简单、最流行，也最主要的过渡手法，而电影也就是在人们懂得把分别拍摄的片段剪接起来的那一天才真正成为一门艺术的;淡入淡出，一般用来表示时间的流逝、地点的变换或者重要情节的变化，从而重新确定时空关系，相当于换章节;叠化，一个逐渐画面逐渐消失而另一个画面逐渐显现取代另一个画面，其主要意义是表明时间的转移，逐渐由同一人物或事物在不同时间内的表现所代替;划，这是一种特殊样式的叠化，由于手法不够自然，除了戏剧性的段落外，一般用的`不是很多。今天的剪辑师还可运用造型领域内的连接，如具体内容的相似、结构内容的相似或者动态内容的相似的画面都可以剪接在一起;还有理性内容相似的心理范围的连接等。这些剪辑手法的运用将会大大的增加结构、叙事的合理性、逻辑性与连贯性。

其次，是全程的剪辑思维意识。在影视创作过程当中，所谓的剪辑意识不仅仅存在于后期合成阶段，它始终贯穿于一部影视作品的开始和结束。只有对于影视作品的结构有一个全局性的了解，在这个基础之上才能有目的的去计划和安排所拍摄的画面。尽管在创作当中有前期拍摄制作与后期剪辑合成之分，但是前、后期工作必须密切配合来完成。因此，在前期拍摄当中，时刻要具有明确的剪辑意识。如果创作者在影视创作前期过程当中缺少了剪辑意识，很可能造成素材内容错乱，拍摄内容与主题脱节，无主次之分，表现内容单调;或者造成画面的表现形式不统一，拍摄的素材带有很大的盲目性和随意性，甚至出现光线不统一、色彩不统一、节奏不统一等一系列问题。剪辑意识实际上体现了创作者对作品的整体理解能力，以及在拍摄过程中对现场的洞察力和判断力的强弱，也体现了创作团队的整体素质。因此，在影视创作中，剪辑意识要体现在所拍摄画面的内容上和风格上，同时又要使作品的总体结构显得更为协调，让画面、文字、效果及音乐等诸种因素显得统一。

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抗日油画创作论文范文范本篇九

素描作为一种历史悠久的绘画方式，在美术发展史中有着举足轻重的作用，对于油画作家来说，素描是绘画必须掌握的基本技巧，也是众多优秀的油画家毕生致力研究探索的领域。在油画创造的过程中，需要对素描草图进行不断的修改和斟酌，这是整幅油画作品成功完成不可或缺的技巧与步骤。

油画；艺术创作；素描；作用

素描分为广义与狭义两种，广义的素描指所有单色的绘画，狭义上的素描特指用于学习美术技巧、探索造型规律、培养专业习惯的绘画基础。素描只需要用铅笔、钢笔等以线条来画出物象的明暗，无需加入色彩，是一种最简单最基本的绘画形式。

对于油画艺术的创作而言，素描是其绘画创作的最基础的表现形式，作画者可以通过素描将自己想要表达的东西绘制出来，只有把素描的基础打牢，才能创造出极具鉴赏价值的油画作品。

（一）线条的作用

线条是素描的基础，作画者可以通过线条将所要表现的物体绘制出来。油画的创作需要基于各样式的线条和造型加上各种颜色的调和填补来完成，线条对于油画的创作是最基本的要求，反映着油画创作者对所要表现的物品的整体形象的理解与把握。在创作过程中，作画者可以通过素描的线条运用对所描绘对象的整体性、构图、形体等做出展现，来勾勒出物体的基本的完整形态，从而完成油画的起稿。能否恰当的运用好线条，直接影响着油画作品的表现力与感染力，也影响着油画作品的真实感与艺术神韵，决定了作画者能否将心中所想顺利表达出来。所以，没有线条的勾画基础就更谈不上色彩的调和与应用，一幅油画若没有一个好的素描构造做基础，就无法成为一幅成功的油画作品。

（二）对油画创作空间塑造的作用

素描对油画创作中的空间塑造具有非常重要的作用。在油画的创作中，需要依托素描的手法，通过对三维立体空间的塑造来强化画面的立体感，通过运用素描艺术的`明暗关系、线面关系、结构关系、虚实关系等技法，完成具有立体空间特征的素描草稿，并在这种空间里表现出客观物体。素描可以通过线条将现实空间中的三维立体物品转化为画布上的二维的表现形式，作画者可以通过素描的手法用线条将物品表现出来，运用素描的绘画手法，通过明暗关系增强画面立体感，通过线条手法运用虚实、机构关系将事物的远近描绘出来，令作品表现出很强的立体感，塑造出强烈的立体空间，最后配合色彩的调和，来完成一幅优秀的油画作品。

（三）素描对油画艺术创作的影响

素描对油画艺术创作有着重要影响，素描的水平和风格也将直接影响到油画的质量和风格。具体来说，素描虽油画艺术的创作主要有以下两方面的影响：第一，素描水平对油画艺术创作水平有着重要影响。每一幅成功的油画作品首先要有一个好的素描稿为基础，较高的素描水平可以帮助作画者在油画艺术的创作中达到更高的艺术成就。因此，古往今来，越是优秀的油画家越是注重提升素描水平，以求最大化的发挥素描在油画创作中的积极作用，同时避免因为素描水平不佳而影响到整幅油画作品的创作与完成。不是所有擅长素描的画家都擅长油画创作，但一个优秀的油画作家一定具有较高的素描水平。第二，素描风格对油画艺术创作水平有着直接影响。许多油画大师的油画风格与其素描风格有着很多相似之处，具有较高的一致性。如达芬奇，他在油画的创作中比较重视构图的完整性与庄重性，而不太注重色彩的表现，而在绘画技法的运用上，又比较擅长运用素描中的明暗关系，故其创作的作品能够对物体做到准确简练的描绘，有着强烈的真实性与视觉冲击力。对于不同的油画大师，对于油画的创作也有着不同的表达理念和变现手法，也正是因为如此，造就了油画史上多样化的艺术风格。同时，作画者的素描风格和油画创作风格也并非长久一成不变的，随着对艺术的不断认知和自己技法的提升，无论是素描风格还是油画风格都会产生相应的变化，这也是同一个画家在不同时期作品呈现出不同风格的原因。

综上所述，素描对于油画的艺术创作具有不可忽视的重要影响，许多优秀的油画大家同时也是非常优秀的素描大师，素描作为油画作品创作中的一个重要的环节，对于油画学习者来说，无论是在学习的过程中还是创作的过程中，都应该对素描艺术的作用于影响更加的重视，通过提升自身的素描水平来提高油画创作的水平与质量，创作出优秀的极具鉴赏价值的油画用品。

[1]曹应秋.论素描在写实油画创作中的作用[j].青春岁月，2013,(17):116.

[2]包胡其图.简论油画创作中素描的作用[j].现代交际，2012,(11):89.

抗日油画创作论文范文范本篇十

：作为人类精神文化的重要载体，艺术跟随时代发展不断更新。作为西方经典艺术形式，油画与传统山水画视图架构、审美理念等具有非常大的差异。油画为了能够在中国获得更大影响力，那么就需要注重油化本土化发展，将中国传统文化与油画创作有效结合，构建特色化油画创作道路。作为传统文化中的重要代表，茶文化对中国人思想理念、行为习惯等具有非常重要的影响，将茶文化渗透到油画创作中，对油画创作本土化发展具有至关重要的作用。本文结合油画发展历史对油画创作中渗透茶文化意义作了分析，提出了油画创作中茶文化元素渗透对策，为提升油画影响力打下良好的基础。

：油画创作；茶文化；渗透

作为中华民族灵魂，传统文化丰富多彩，文化内涵也非常丰富，不仅包含有形艺术作品，还包含无形精神世界。作为传统文化关键性部分，茶文化具有非常悠久的发展历史，对人们社会生活、精神生活以及经济生活具有至关重要的影响。在我国，油画也具有非常久的发展历史，对人们精神文化具有非常重要的影响，无论是油画审美体现、油画题材选择，还是油画表达方式，都呈现出本土化特点。在油画创作中融入茶文化，这就能够促使油画作品符合中国人实际生活，满足中国人价值取向以及审美思维，这样也能够促使中国人更好接受油画作品。

早在十九世纪，油画开始逐渐进入我国，与传统水墨淡雅写意具有非常强烈对比，油画用色更加浓烈，色彩搭配也更加的丰富、更加的大胆，写实性非常强，这对国民思想逐步开放具有非常重要的影响。经济飞速发展以及信息化逐渐发展促使油画进入到繁荣阶段，但是东西方在文化价值以及审美理念方面的巨大差异促使油画在我国认同感并不高，这就需要结合东方审美特点以及文化价值观念，更新油画创作审美理念以及油画创作模式，实现西方文化与传统文化的有效结合。茶文化将茶事活动、传统文化有效融合，体现出了中国经典的文化形态，其中还蕴含着中国传统儒释道思想，体现出中国古典哲学的发展内涵，体现出淡泊宁静初始态度，成为传统文化中的关键性内容。茶文化内涵以及形式非常丰富，表现手法也具有多样性，诸如，茶诗、茶画、茶歌、茶舞等等，特别是茶画，生动体现茶文化哲学理念，将传统水墨山水作为基础，更加注重茶叶本身以及茶叶天然内容，将绘画扩展成为更加纯真、更加具有深度、更加具有美感、气韵更加深厚艺术形式。在现代油画的创作过程中，回归自然与返璞归真是其非常重要的体现，只有利用更加简单、更加自然、更加真实、更加纯净的方式才能够体现出其内在蕴含的率真，这样有利于激发艺术家创作灵感。在进行艺术创作过程中，艺术创作并不是凭空捏造，而是需要从现实客观角度来融入主管情感性因素，将传统文化精神奕奕融入到实际创作中，体现出创作中的无限生命力。从十九世纪开始，油画进入我国，经过几千年发展过程中，从最初的简单模仿逐渐发展成为学习西方创作技巧以及创作手法，更加倡导油画内容自主创作，进而逐渐寻找出独具东方特色的中国式技巧以及中国式文化品位，随着油画创作日趋完善，那么需要从文化理论着手来逐渐丰富精神世界，茶文化对其具有非常重要的`影响。作为我国传统文化至关重要的组成部分，茶艺受众非常广泛。将茶文化匀速渗透到油画创作过程中，能够有效转变过去油画创作中的夸张以及浮华，展示出自然形态的真善美，不断拉近欣赏者与油画作品之间的距离，促使欣赏者能够更好接受油画作品，明确我国油画发展定位，发展中国特色油画作品，明确区分各个地区油画作品，构建油画发展品牌，整体促进现代油画事业发展。

2.1将茶文化处世哲学理念应用于现代油画创作中

作为崇尚自然文化，茶文化自然淳朴，旨在于从自然事物的本真形态中诠释生命价值和生命意义，体现自然至美、至真和至善，茶文化也体现出人民对自然科学认识以及对自然敬畏之情。作为一个农业大国，农事活动与自然之间具有非常密切的关联，人类与自然之间相互依存、相互影响，强调人类在生存过程中顺应自然并且回归自然，不应该凌驾自然上。作为典型农耕作物，茶叶种植过程、采摘过程、制作过程等都受到自然条件制约，“天人合一”思想是茶文化核心的哲学理念。油画创作中渗透茶文化元素，倡导创作过程中坚持“天人合一”思想，避免单独强调相似，也并不着重强调某种元素，而是追求油画作品自然环境、油画作品人物有效融合，旨在于实现神似。茶文化处世哲学影响下，油画创作也更加关注写意，追求情景交融以及虚实相生，实情调感与意境感有效结合，将传统中国画写意性以及象征性应用于油画创作中，促使艺术家结合现实生活事件以及现实生活现象逐渐升华情感，揭示出社会问题，有效摆脱客观事物在时空方面限制，实现客观世界与客体主观世界结合，意象油画是具有中华传统文化典型油画作品。二十世纪八十年代末期，艺术家逐渐摆脱了西方油画艺术语言写实技巧方面束缚，汲取茶文化精髓，利用创作油画来反映出内心世界以及内在情感。与西方油画相比，中国特色油画更加强调整体以及自然，描绘对象大多是自然景物，画面切分更加和谐，避免强烈视觉体验，结合艺术家的思想感情来体现出追求以及理想，不仅白描客观事物，白有利于提升思想高度以及作品画面层次。

2.2将传统茶文化创作技巧应用于现代油画创作中

在进行茶画研究过程中，茶画作品技巧与传统的山水画一脉相承，不仅强调写意性，还需要注重情感方面的表达，油画画面常常留有空白，画面布局层次性非常强，画面布局非常清晰，利用空白能够充分发挥现象空间，具有非常丰富精神内涵。西方油画在实际创作过程中，更加强调运用画面效率，重视更加科学、更加合理运用画布，更加着重能够原原本本展示内容，但是实际想象空间却非常少，思想层次也相对较低。考虑到中国画与油画之间的差别，油画艺术家开始尝试将中国传统绘画技术以及绘画理念逐渐引用于油画创作中，在安排意象方面，尽可能的松散，恰当应用留白手法，这样能够提升油画内容深刻性以及油画画面层次感。例如，著名油画家林风眠，在进行油画艺术创作过程中，生动借鉴茶文化以及茶画创作技巧，合理改造油画艺术，转变过于对于风景以及人物客观表达，更加注重精神领域探索，实现东方与西方艺术方面密切交流，体现出独具东方特色油画作品。

2.3将茶文化装饰艺术融入到现代油画创作中

在进行茶文化传播过程中，最具代表性的就是茶艺，茶艺不仅包含了泡茶技巧、倒茶技巧和品茶技巧，还包含了饮茶环境装饰理念以及茶具设计美感等方面的内容。由于受到传统文化影响，无论是茶馆建筑风格还是茶具式样，都体现出非常浓厚民族特色，传统文化因素应用非常多，这就使得色彩以及内容方面更加追求低调和简单。茶文化影响下促使油画创作中也逐渐体现出茶文化。传统西方油画创作更加追求色彩上的绚丽夺目以及空间上的严实紧凑，中式油画在实际的创作过程中则并不会过于追求色彩添加，更加追求松快空间安排，整个画面呈现出恬淡、素雅和有序。作为工序严谨艺术性活动，茶艺对于先后顺序和快慢速度等具有非常严格的要求，现代油画作品为了能够体现出结构感，给予欣赏者版块清晰以及架构合理感受，将茶文化因素应用到油画创作中得到了人们越来越多的认可。例如，现代著名油画艺术家张展，在《龙凤时代》中利用传统富贵安泰和吉祥如意图腾元素，在创作色彩方面也更多应用金黄色和红色，实现古代宫廷与喜庆元素有效结合，淋漓尽致体现出了龙凤呈祥意义，逐渐得到了国内大众认可以及喜爱。

作为西方经典的艺术形式，油画已经形成成熟创作形式以及技法体系，由于东西方在文化理念方面存在着非常大的差异，民族传统文化在油画发展中具有至关重要的作用。作为传统文化关键性内容，茶文化将哲学性、实用性、审美性、艺术性以及技术性相统一，这样能够将茶文化应用于现代油画的创作过程中，在保留茶文化创作技巧以及精神内涵基础上，结合西方油画创作外观架构、艺术形式等等，实现传统、现代与时尚、经典有效结合，有利于构建中国特色油画作品，体现出丰富茶文化元素，有效区分油画作品，促使中国特色油画在国家地位中具有非常稳固地位。

[6]敖玉楣.中国当代油画创作中民间美术元素应用试析———兼论民间美术元素传承保护入课堂[j].内蒙古大学艺术学院学报,2014(4):117-120.

[7]ic-basedinnovationofoilpaintinginamulti-culturalperspective[j].journalofguangxiuniversityfornationalities,2013.

[8]attentiontoregionalcultureandcreatingtheindi－vidualcontextintheteachingofoilpaintingcreation[j].journaloftian－jinacademyoffinearts,2012.

抗日油画创作论文范文范本篇十一

1、色彩律动。

色彩是一种视知觉，是光对人的视觉和大脑发生作用的结果。色彩一般受到现实色彩信息和画家内在的色彩感受的双重影响。画家把所见到的色彩结合自己的审美感受和情绪，借助各种不同色彩的性格意蕴，用合适的色彩进行表现，作画过程中充满个人的情感律动。色彩是人接触画的第一感观，不同的冷暖、纯度、亮度等对色彩语言的创造都有不同的作用，因为不同的色彩能引起人们不一样的精神反应。如，凡高的《向日葵》就使用了饱满而纯净的暖色调――黄色，再以青色和绿色适当地加以点缀，展示了画家内心的热情与活力。人们从画中也能看出凡高对生活的热情渴望与顽强的'追求，表现着一位画家对生命的尽情体验与感动。而欣赏者在面对这个温暖的色调时，心灵似乎也被凡高那种热情、追求深刻打动，并也热爱上了这充满炽热的色彩律动。

2、笔触徐疾。

我们在欣赏一幅油画的时候常常会有许多困惑，其实这与笔触有关。而笔触又与艺术家的情感、个性有很大的关系。从油画的历史我们可以看出，早期的画家如达芬奇、拉斐尔等的作品多数是平涂式的。18世纪初的大卫和安格尔也一直采用这样的方法。这种作画方法一般采用宽大的笔，一遍又一遍地从暗部画起，最后再加亮部，笔触如彩云轻飘、电闪雷鸣，通过控制笔触给人无穷想象的空间，又如鬼斧神工使绘画作品或有力，或坚实，或典雅，或含蓄，或激昂，或奔放，用自己的双手创造了一个个可摸可触的真实世界。

二、油画的其他技术、技巧的介绍。

从欧洲油画发展史的角度看，油画是从蜡画法、蛋胶画法上逐渐地发展起来的。后由于材料技法上的革新，增加了一些绘制手法，如挫、拍、擦、抑、砌、划、点、刮、涂、摆，充分发挥油画的表现力，使作品在深入性和完善性上也有了很大的飞跃。几个世纪以来，油画艺术家在实践中还创造了多种油画技法。

1、透明涂画法。

透明涂画法是19世纪以前欧洲传统的绘画技法。透明涂画法主要从色彩进行罩染，使两种颜色通过视觉调和从而产生第三种颜色。

2、不透明覆盖法。

不透明覆盖法也称多层次着色法。绘画时先用单色调画出形体大貌，然后再用颜色多层次塑造，将暗部画得比较薄，中间调子和亮部则层层加厚，或盖或留，渐渐形成色块对比。由于厚薄不一，画面能呈现出色彩丰富的韵意与肌理。

3、一次着色法。

一次着色法也被称为直接着色法，也就是在画布上画出绘制物象的形体轮廓后，凭借创作者对物象的色彩感觉以及对画面色彩的构思而铺设颜色，基本一次性完成，如有不正确的部位再用画刀刮去后继续上色调整。这一种作画特点是所蘸的颜料比较浓厚，色彩饱和度比较高，笔触比较清晰，易于表达作画时的生动感受。

三、结语。

油画是一门顶级艺术，而艺术是精神的、形而上的，但形而上必须通过形而下表现。油画的形而下就是画者要掌握一定的油画技术与技法，即绘画的技术性因素，只有提高技术，才能发挥好的创意，如果没有过硬的技术作铺垫，也作不出完美的画来。技术因素不仅关系到油画的美感，还与其精神紧密相连，画者只有将技术与精神二者合一，才有可能创造出有生命力的油画。

抗日油画创作论文范文范本篇十二

技术形式的多种多样是值得提倡的，技术上的成熟所带来的艺术上的成功也是显而易见的，但技术是一把双刃剑，它在跟人类带来巨大便利的同时，弊端也会接踵而至。各种各样的绘画方式、材料技法在一次次的大型美展中令我们大饱眼福，绘画的目的是要令我们享受艺术性而非技术性，技术不过是绘画的手段，而艺术才是目的，而当今对技术的崇拜热情大大的盖过了对艺术的崇拜。油画作为西方绘画的主要形式，经过艺术家们多年的探索，当代油画得到了公众一定程度上的认可和喜爱，当代油画势头发展迅猛，在当今这个百花齐放的年代，各种油画样式不断出现，当代油画家越来越注重从民间艺术形式（尤其是色彩中）摄取营养。

２．１装饰性民间艺人色彩的运用上表现出单纯、明快、纯净、装饰性的色彩特征，民间美术的审美上，侧重于质朴与和谐，色彩边角都透露出装饰的趣味性，整体的感觉是既大胆又讲究，既艳丽红火而又组织有序，利用色彩强烈的补色，高纯度色相的对比原则，取得饱满的色彩视觉心理效果。

２．２主观性中国民间美术的色彩主要是根据各个民族的生活环境、审美情趣、民俗等各个方面的因素决定的，其总体趋势是大红大绿，老百姓认为大红大绿代表着吉祥如意，同时是一种积极热烈的视觉心理反映，色彩在民间美术中具有主观性特征，民间艺人不按照西方色彩规律和自然中的真实来上色，主要是凭着自己的感觉，民间艺人眼中的世界天可以是绿的，水可以是红的，大地可以是紫的。西方印象派的大师梵高、塞尚等人就着力于主观运用色彩，描绘心中向往的色彩。

２．３象征性在以《周易》阴阳五行为基础形成的中国传统哲学观念的影响下，色彩被纳入阴阳五行学说的理论体系，形成色彩的青白赤黑黄五色，此五种颜色有高下等级的划分和特殊的象征意义，有的颜色还有严格的使用禁忌？色彩最能吸引人奇特的想象，例如京剧脸谱中黑为刚正不阿，白为阴险狡诈，红色为忠勇侠义，蓝色为刚强阴险，黄色为勇猛而爆躁等。民间美术中色彩是一种心理暗示，色彩可以表示大吉大利，祈福迎祥，描绘人物性格本质。色彩超出了自然本质。

３．１主观性色彩在油画创作的应用

西方立体主义大师毕加索的作品，其中色彩大都单纯、明快、纯净，整体风格极具装饰性特征，其中大型的军事题材壁画《格尔尼卡》，其中只运用了单纯的黑、白、灰三色，具有强烈、明快、单纯、质朴的美感特质和感染力，而这种感染力中国传统黑白木刻也能达到这样的艺术层次。当今很多油画艺术家为了得到理想的画面效果，在当今这个标榜个性的年代，主观色彩的表达成为了艺术家实现绘画理想的主要途径。随着社会的发展，油画作为一种越来越为人们接受的一种绘画形式，其商业价值也与日俱增。人们在选择绘画作品时，“吉祥如意”是决定人们喜恶的首要标准，民间美术色彩中的色彩大都含有吉祥喜庆的寓意，由于艺术上的相通性，使民间美术的色彩与油画创作的中的主观色彩产生了相互借鉴的机遇，油画创作完全可以从民间美术色彩丰富的土壤中汲取养料，从而为油画打上民族化的烙印。民间美术中的主观性色彩是人民大众在生活中总结出来的，体现了人民大众的`精神需求，给予了我们油画创作灵感的启迪。

３．２艳丽和谐的色彩对油画创作的启示

民间美术的色彩运用补色、高纯度的色相对比原则，色彩艳丽但不失和谐。大众喜爱的色彩，往往是比较单纯的颜色，不同程度的色相对比，可以满足大众对色彩的不同审美要求。补色在民间美术中运用广泛，例如宗教意味浓厚的西藏唐卡，装饰性强的户县农民画，都充分体现了我国人民朦胧的补色感知。中国油画虽然是借鉴西方绘画的一种绘画形式，但西方印象派大师梵高、莫奈等人，运用强烈的对比色彩描绘空气和大自然，我们中国民间美术的色彩丝毫不输西方，现当代很多画家喜欢明亮的色彩完全可以从民间美术的对比色中吸取经验。中国民间美术的设色规律与西方主张奔放的用色极为相似，十分为现当代油画创作所用。

３．３色彩象征意义对油画创作的启示

民间美术色彩的形成是对于历史文化内容、人文精神的高度提炼，民间美术本身是伴随生产活动和民族习俗而存在的，它表达的是人们对生活的美好愿望，对未来的期望。由于文化的差异，色彩所传达的含义也是不一样的，在油画创作上如果我们一味秉承西方绘画理念那必将有失民族化个性，失去赖以生存的文化空间。现代油画创作应充分考虑民间美术的色彩象征意义，可以使用象征意义来表达概念，使人的情感和色彩在画面上交融出来，产生表达民族精神的绘画品质。综上所述，中国民间艺术为油画创作提供了丰富的养料，在强调绘画个性的艺术世界里，强调民族个性不容小觑，我们不能单纯的描绘民间美术色彩的表象，透过现象看本质，才能创造出具有民族精神的油画，从而达到既民族又国际的绘画效果，将民间美术的精髓发扬光大，从而增强民族自信心、自尊心及民族凝聚力。

作为当代油画绘画专业一名学生，应充分利用好这一有利条件，绘画个体是需要依附于主体而存在的，我们的民族主体蕴含着巨大的能量，单纯的依附西方绘画知识是难以生存的，立足于自己的根本，才可以在绘画这条道路上有所作为。