最新音乐无处不在如何写(汇总20篇)

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音乐无处不在如何写篇一

音符在简谱中，记录音的高低和长短的符号，叫做音符。而用来表示这些音的高低的符号，是用七个阿拉伯数字作为标记，它们的写法是：1、2、3、4、5、6、7读法为：do、re、mi、fa、so、la、si(多、来、米、发、梭、拉、西)。

音符是和音高紧密相连的，没有一个不带音高的音符。

音高。

音符的数字符号如1、2、3、4、5、6、7就表示不同的音高。在钢琴键盘上可以很直观地理解音符和音高。广义上说音乐里总共就有7个音符。

音符的长短音乐中的音符除了有高低之分外，当然还要表示长短之分。这里引用一个基础的音乐术语----拍子。拍子是表示音符长短的重要概念。表示音乐的长短需要有一个相对固定的时间概念。简谱里将音符分为全音符、二分音符、四分音符、十六分音符、三十二分音符等。在这几个音符里面最重要的是四分音符，它是一个基本参照度量长度，即四分音符为一拍。这里一拍的概念是一个相对时间度量单位。一拍的长度没有限制，可以是1秒，也可以是2秒或半秒。假如一拍是一秒的长度，那么二拍就是两秒;一拍定为半秒的话，两拍就是一秒的长度。一旦这个基础的一拍定下来，那么比一拍长或短的符号就相对容易了。

用一条横线“—”在四分音符的右面或下面来标注，以此来定义该音符的长短。横线有标注在音符后面的，也有记在音符下面的，横线标记的位置不同，被标记的音符的时值也不同。有个规律，就是：要使音符时值延长，在四分音符右边加横线“-”，这时的横线叫延时线、延时线越多，音持续的时间(时值)越长。相反，音符下面的横线越多，则该音符时间越短。

休止符音乐中除了有音的高低，长短之外，也有音的休止。表示声音休止的符号叫休止符，用“0”标记。通俗点说就是没有声音，不出声横线有标注在音符后面的，也有记在音符下面的，横线标记的位置不同，被标记的音符的时值也不同。有个规律，就是：要使音符时值延长，在四分音符右边加横线“-”，这时的横线叫延时线、延时线越多，音持续的时间(时值)越长。相反，音符下面的横线越多，则该音符时间越短。的符号。

休止符与音符基本相同，也有六种。但一般直接用0代替增加的横线，每增加一个0，就增加一个四分休止符时的时值。

半音与全音。

音符与音符之间是有“距离”的，这个距离是一个相对可计算的数值。在音乐中，相邻的两个音之间最小的距离叫半音，两个半音距离构成一个全音。表现在钢琴上就是钢琴键盘上紧密相连的两个键盘就构成半音，而隔一个键盘的两个键盘就是全音。

变化音将标准的音符升高或降低得来的音，就是变化音。将音符升高半音，叫升音。用“#”(升号)表示，一般写在音符的左上部分，如下所示：标准的音降低半音，用“b”(降号)表示，同样写在音符的左上部分。基本音升高一个全音叫重升音，用“x”(重升)表示，这和调式有关。基本音降低全音叫重降音。用“bb”(重降)表示。

将已经升高(包括重升)或降低(包括重降)的音，要变成原始的音，则用还原记号“ヰ”表示。

附点音符。

附点就是记在音符右边的小圆点,表示增加前面音符时值的一半,带附点的音符叫附点音符。

节奏。

掌握读谱，首先要掌握节奏，练习掌握节奏要能准确的击拍。击拍的方法是：手往下拍是半拍，手掌拿起有半拍，一上一下是一拍。

节拍。

乐曲或歌曲中，音的强弱有规律地循环出现，就形成节拍。节拍和节奏的关系，就像列队行进中整齐的步伐(节拍)和变化着的鼓点(节奏)之间的关系。

单拍与复拍。

单拍指每小节一个强拍。复拍每小节有一个强的，有若干个次强的。

音乐无处不在如何写篇二

音乐是一处伟大的艺术，它具有普遍的感染力。它最有力的表达出人们的感情和思绪。而这种伟大的艺术教给学生，则是音乐教师的基本职责和任务。注重以学生发展为本，以德育为核心，以培养学生的创新精神与实践能力为重点，强调课程的综合性、实践性和学习方法上的合作性、研究性，正成为学科教育教育改革的基本发展趋势。音乐教育是学校美育的重要内容和途径，由于音乐是一种通过自身多种形式的再现来塑造形象，沟通心灵、表达感情、反映社会的独特艺术形式，就决定了音乐教学从思想方式上都具备特有的艺术美。

我国传统的音乐教育长期受专业音乐教育的影响，过于强调强调音乐知识传授的系统性，忽视音乐教育的审美愉悦性。教师教学手段单一，教学的理性化色彩浓厚等诸多因素造成了学生喜欢音乐而对音乐课没兴趣的怪现象。21世纪我国中小学音乐教育改革，首先应给中小学音乐教育一个正确的定位，把音乐教育看成是面向全体学生的普及音乐艺术的教育，是对音乐课堂教学中应加强以激发学生学习音乐兴趣为前提的审美基础教育，无需花大量的时间去学习诸如音阶、音程、和弦。调式等过于专业化的知识，以免扼杀学生学习音乐的兴趣。其次是努力创设适宜每个獐音乐潜能开发的音乐教育环境，以促使学生的音乐智能的开发，抢劫学生各方面和谐发展。美国哈佛大学教育发展心理学专家加登纳认为：在个体可能具有的所有天赋中，音乐天赋是最早出现的，在幼儿期内，正常的儿童又能唱又能咿呀学语，甚至能模仿别人所唱出的的有韵律的音调，这说明幼儿具有音乐方面的“前能力”。

二、创新精神与实践能力教学美。

面对21世纪对创新型人才的需求，我国中小学音乐教育改革必然会在培养学生的创新精神与实践能力方面做一些开拓性的工作改革方向是追求自由，轻松，的音乐教学氛围，充分体现学生音乐的兴趣爱好，天赋能力以及身心等各个方面的个性特点，采用不拘一格的教学方法，注重引导学生进行音乐审美体验。为了提高学生创新精神与实践能力，中小学音乐教育必须注意两个方面：一是以即兴创作为抓手，以联想与想象为中心来培养学生的创造精神和创造能力。中小学无论在音乐游戏，音乐舞蹈，歌曲演唱，器乐演奏中都可以进行即兴创作及表演。提前学生的发散性思维能力，从而为创作力的发展提供良好的心理基础；二是音乐教学的所有内容应具有可体验性和可操作性。音乐知识的传授与音乐技能的训练都要强调体验，感悟，并鼓励学生自由表达，促使学生的实践能力的发展。()创造力是人产生任何一种形式的思维成果的能力，而这些结果在本质上是新颖的，是产生它们的人事先所不知道的，它有可能是想象力或是一种只限于概括的思想综合，这是心理学家德雷夫达尔对创造力下的定义，我们对学生进行音乐综合素质培训中应加强音乐创造能力的培养。

（一）、培养乐感。

低年级教师经常以欣赏唱、游的教学方法，让学生多听，多想，多做，培养学生的创造能力。例如：《音乐是好朋友》，先让学生感受音乐的情绪，欣赏有的安静，有的欢乐，有的跳跃，有的富有大自然的生命的五段乐曲，让学生发挥想象描绘音乐画面，学生不同的描述，表达了对音乐情节的感受。四年级音乐欣赏《彼得与狼》中采用音乐故事的方法向学生提出要分辨出哪段音乐描绘活泼可爱的小鸭子？哪段是勇敢聪明的彼得？情绪怎样？等等，这样通过多听，多感受，道具，创造音乐内容与故事情节，选择角色，创编各种动作，学生的音乐语言得到发挥和创造。

（二）、鼓励创造。

音乐本身是一门创造性艺术，对音乐的理解没有绝对的正确与错误。学生对歌曲的理解，教师也不能直接肯定或否定，这样才能培养学生的创造思维。

在学唱《蜗牛与黄鹂鸟》时，教师为使学生能正确表达感情，要学生体会歌曲的情感，一位同学说：“歌曲是欢快的，节奏是轻松的是。”他指着一句带有十六分音符的乐句说：“这些休止符仿佛让我看到了可爱灵巧的黄鹂鸟。”接着，他又指着附点八分音符的乐句说：“这能让我感觉到象蜗牛慢吞吞的爬行”。她的发言引起全班同学的一片掌声，学生的'创造性思维在合唱中得到培养。

（三）、创造音乐。

多听、多想、多体验音乐，有助于学生学习歌曲创作。刚上创作课时，学生还不懂得怎样去创作。教师用一句“冬天来了”，让学生即兴哼曲，大家发挥想象亲自实践，其中一名学生哼出：

13665c13665--366354321--。

冬天来了，春天来了，春天来了春天来了。这样通顺，流利的旋律，大家都非常喜欢，教师及时给予鼓励，激发了学生的创造兴趣。

三、审美能力与文化素养的教学美。

21世纪我国中小学音乐教育改革必将朝音乐与文化结合的方向发展，注重对多元音乐文化的传授，并配合对学生进行人文教育，从而提高学生的文化素质，将学生的音乐审美能力提升到一个新的高度。我们应让学生了解更多的世界优秀音乐文化；以拓宽学生的音乐审美视野，如了解以一定旋律框和节奏为基础的南亚音乐文化，古朴典雅的东亚音乐文化；富有动力性立体音乐美的欧洲音乐文化；多元共处、缤纷色彩的北美音乐文化。中华民族的音乐文化博大精深，中小学音乐教育既要让学生了解古典民乐，如《高山流水》、《二泉映月》等，也要让学生了解现代音乐，如通俗歌曲《大中国》、《龙的传人》。还有一些流行的校园歌曲，如《外婆的澎湖湾》等：既要让学生了解汉族音乐文化，如秧歌舞，也要让学生了解少数民族音乐文化，如苗族的芦笙、侗族的大鼓。蒙古族的长调，这样既可以弘扬民族优秀音乐文化，又能体现各地区音乐教学的特色。中小学音乐教育也可以显现出异彩纷成的的局面。

音乐教育是实施美育的重要途径，音乐教育在审美意识上的培养和训练是以音乐感知、情感体验与审美评价为基本环节的。

（一）、突出审美意识教育的必要性和重要性。

我们境况的对象是跨世纪的人才，他们应具有高度的精神文与物质文明。而正确的音乐审美是精神文明的重要组成部分。所以正确的音乐审美意识是跨世纪人才的必要条件。给学生建立一个正确的审美意识是音乐教学的重要任务，所以课程中明确提出“音乐教育”对“提高全民族的素质和社会主义精神文明有重要的作用”。

（二）、创造美的情境，培养审美能力。

在音乐教育中要重视审美能力的培养。苏霍姆林斯基认为：“把真理转化成有血有肉的行为和行动的过程在很大程度上取决于情感教育和善良情感的形成”。在教每一首歌时，首先要创设情境，使之产生共鸣，师生一起走进教学内容所规定的角色，融洽愉快地完成教学任务。比如，学习四年级歌曲《绿叶》，先运用课件创设情境，呈现秋天的景色，学生由画面中的大自然美景很容易体会到歌曲所要表达的意境。

（三）、学生的审美意识最终要增进现实生活的美。

课外艺术活动的开展是对学生进行审美教育的大课堂。举个例子，学校运动会上精彩的开幕式是审美教育在现实美中的一种体现。无论是朝气十足的韵律操表演，还是整齐和谐的各班短训班式，都能博得了场上观众阵阵掌声。学生的审美意识最终得到了完美的体现。他们感受到了美，理解了美，表现了美，他们为学校创造了美。

音乐是教育的一种情操教育，在教学过程中必须以情感教育纽带，注意引导学生的情感体验，使音乐教学方式与学习方式趋于多样化。音乐审美教育的教学方式多样化发展可以从以下几个方面进行探索：第一，在音乐课教学中应注意借助其它学科知识和方法来激发学生的审美情感，发展审美能力；第二，运用多种艺术表现形式于音乐课堂教学，将舞蹈、乐器、歌唱、绘画、歌剧、戏曲、影视等艺术表现结合起来进行音乐教育，并由此拓展音乐教育，更好地开展艺术教育；第三，唱歌教学、欣赏教学、器乐教学、识谱教学结合起来。学生学习音乐的方式多样化发展，主要通过倡导学生主动参与、交流合作、探索发现等多种学习活动来实现：第一，主动参与学习音乐。引导学生积极参与到音乐教学中去；第二，合作学习音乐。能充分返回交流沟通的作用。可以让学生通过齐唱、合唱及齐奏、合奏等心事来训练学生之间的相互协作能力；第三，研究学习音乐。如欣赏芭蕾舞剧《红色娘子军》中《军民团结一家亲》的选段，学生在课余就要查找芭蕾舞剧剧本改编的有关知识，寻求有关人员的帮助，需要借助研究性的学习方式，这样就更容易理解这部作品的意义。学生主动参与、合作、研究性地去学习音乐，音乐欣赏水平、表现水平和创作水平将有较好的提高。那么，以情感教育为纽带的音乐课教学方法，我不全面的总结出以下三种：

（一）激发兴趣法。

心理学家认为，兴趣是人们行动的动力。从一定意义上说，音乐教育如能抓住学生的兴趣，教学也就成功了一半。在具体教学过程中，根据不同的年级和所学新课的内容，教学方法亦应有所不同。一般情况下，上课铃声一响即可播放新乐曲，这样就集中了学生的注意力，同时根据授课内容出现新的发声曲，新的节奏形，渗透新的乐理知识。例如在上四年级上册《恰利利恰利》这一课时，先让学生聆听这首欢快的乐曲，边欣赏课件呈现的充满异域色彩的印度舞蹈，学生边听边看，情绪很快调动起来。在歌唱新歌时，让学生配着一些简单的动作，这样，学习兴趣空前高涨。

（二）形象感受法。

艺术都有相通之处，音乐是“流动的诗”；是“流动的建筑”；是“美丽的图画”；是“动人的故事”，这就是把音乐赋予一种形象去感染学生，使学生通过感受，更进一步认识和理解音乐之美的内涵，自觉地接受它的感染和熏陶。《春天的小河》这首歌，它表现的是一个美丽动人的季节。在教唱这首歌时，可将提前画好的一幅与歌曲内容相关的美丽风景展示给同学们，同学们的兴趣一下子集中在这幅画上，然后打开录音机是，清脆的歌声流淌出来：“春天的小河，春天的小河，吵啦吵啦流淌……”，这时不急于教歌，而是让学生根据这幅画和歌词以及歌曲的旋律，自己编进故事。自不自然，情感教育渗入其中，通过学生的描述，都体现出了美好的道德情操和良好愿望。讲故事的过程，既是欣赏音乐、艺术熏陶的过程，又是学生思想互相沟通的过程，这又是一次情感的共鸣。

（三）情感渗透法。

音乐教育是美育的重要组成部分，美育的本质是以情感人的教育它以美的事物、美的形象、美的语言和行为激发人们的审美情感。在小学音乐教育过程中，出以上三点外，还有一点也不可忽视：就是音乐教育的布置。音乐教育是音乐教学的主要场所，教室布置的好，有美感，有温馨宜人的感觉，学生就有兴趣来上课。音乐教室的布置突出活泼浪漫的情调，能使学生在学唱时引起遐想，激发学生情感，渗透。

随着现代科技的飞速发展，现代音乐呈现高度技术化的趋势，如mtv、电脑合成音乐等。可以肯定的说，电脑音乐能又快又好地发展我国的音乐教育。它还能协助教师从学生已有的感知世界出发，将许多用语言、图片等手段无法表现的东西动态、生动展现给学生，从而调动学生学习音乐的兴趣。为迎合中小学音乐教育改革这一趋势，需加强对音乐教师的培训，当然，学校要努力创造条件，为音乐教师提供多媒体教学所需的设备。

当前我国中小学音乐教育存在着一个不容忽视的事实就是音乐教育脱离生活，不能很好地调动学生上音乐课的积极性，主要原因有：音乐教育观念上脱离学生生活；音乐教育内容脱离学生生活；音乐教育方法脱离学生活。

音乐来自生活，音乐教育必定要反映生活，主要从三个方面来体现：第一，转变音乐教育观念，树立学生主体意识，使音乐教育与学生生活紧密相联；第二，将封闭式教材体系转变为开放式、内容丰富与社会生活密切相关、受学生欢迎的教材体系。不仅让古典名作，进课堂，同时把大众传媒所传递的音乐当作一种潜在的美，又例如小学阶段的视唱教学。总之，学校音乐不应该把视角停留在课堂、书本，而应把学生带进广阔的音乐生活世界，使学生学会根据生活需要选择音乐，探索创造自己的音乐生活。

音乐艺术，在渗透艺术过程中升华学生思想。世纪之交，人们正会崭新的目光审视音乐艺术，从更高的角度来认识音乐教育在基础教育中的地位、功能和作用。要作一名合格的新世纪音乐教师，不仅要有过硬的音乐知识、文学知识和基本技能，还要能踏上改革开放对音乐教育设定的新步伐，不断探索，研究。以上是我在音乐教育方面一些不成熟的看法和总结，“艺术无止境，音乐无止境，音乐教育亦无止境”。教育是一门艺术，音乐教育期待着我们探索出更多的教法艺术。

音乐无处不在如何写篇三

前五年的生活中，我自信、开朗、单纯、大方。在后八年的成长过程中，我曾经因为害羞而失去过许多的机会，曾经因为胆怯而令老师失望过，也曾在无助中迷惘过。不过，不如意的以前已经过去，我要面临的是将来，我要让未来的我变成不一样的我。

嗨！在未来的我，你现在是否还是那样的.害羞、胆怯、迷惘、如果是这样，那你现在要变得勇敢点，挑战自己极限，要相信这个世界上没有什么东西是绝对的，只要肯努力，一切都会有希望，我们也能创造奇迹。有一句话不是说吗？“世上无难事，只要肯攀登”。其实一开始的你也并非和现在一样，还记得幼儿园的时候，那是20xx年的冬天，你身边没有父母的陪同，只有老师和幼儿园的小朋友的陪伴，你就这样一个人去到了北京表演节目。那时候的你没有哭也没有闹，没有退缩，面带笑容与父母告别。

踏上去往北京的路上，在路上和同学有说有笑。到了北京，整天在宾馆里练习表演动作，一次次的失败，一次次的尝试，一次次惊喜，一次次的收获，这对你而言是最好的结果。到了表演的那天，站在台上的你，眼神中充满了坚定，每一个动作都很顺畅，面对台下许多双眼睛，许多的闪光灯，你都面带微笑，一点也不怯场。一阵阵掌声回报了你，证明了你的努力没有白费。那一年你独自离开，那是你第一次去北京，第一次离开父母那么久，第一次坐火车。许许多多的第一次，你并没有害怕，并没有陌生感。就这样你成功的走上了大舞台。

从北京表演完，回来后，你对爸妈说的第一句话不是“爸爸妈妈我想你们了，以后你们陪我一起好不好，”而是与爸妈分享在北京看到的新鲜实物，然后还说想再去一次北京，这让爸妈哭笑不得。小时候的你离开父母，面对满座观众表演，你是那么的勇敢、从容、自信。在以后的成长中，你也要学会面对，学会担当。

这样才能赢来他人的掌声，这样一来，胜利才会离你越来越近。如果你放弃，只会让别人认为你这个人很没有，将来是不会有出息的。摆在你面前的只有两条路，一条叫“勇敢者的路”，在这条路上布满荆棘，但是会让你收获很多，最后迈向成功的彼岸。另一条叫“胆小者的路”，在这条路上全是海绵，不会让人受伤，但是等待他的却是失败。如果想欲穷千里目，只有更上一层楼。

在将来，你不论面对什么都要表现出勇敢，这样才能让你变得更加成功，让你从小舞台走上大舞台，最后走向世界的舞台。一点点的成功，一点点的努力，一次次的挑战，都是在进步。展现自信，找回最原始的自己，一切都要顺其自然，失败了不沮丧，成功了不骄傲。在别人面前展现最好的自己。任何人都不可怕，只是没有战胜自己而已。成长就是要放手一搏，成长就是要奋发向上，成长就是要学会担当，成长就是要学会挑战自我，从中找到快乐。

音乐无处不在如何写篇四

我从小就接受音乐的教育，听音乐，学音乐，在音乐的氛围里，我感到很轻松愉快。同时也让我发现音乐不仅能使人放松心情，还能承载记忆。

二年级的时候，我听着一首歌，看着一本书，书中的情节很动人，很凄凉，当时我很感动。我在想：从现在起我要好好学习，等我长大以后，要让类似这样的事情永远在世界上消失！

几年后，我再听起那首歌时，当年看书的情景立刻浮现在我眼前，而且画面十分清晰。我还清楚记得书中的内容，还记得那时的心情，记得我曾经下过的.决心。我感到很奇怪，为什么几年前的记忆还那么清晰？难道与这首歌有关系？也可能仅仅是巧合吧，我的记忆力本来就不差的。

后来，我听了另一首歌，当时我在网上看着一个故事。过了一段时间，我再听这首歌，情况就像以前那样。我的记忆好像已经复制在这首歌里面了。为什么会这样？我百思不得其解。

为此，我翻阅了许多书，上网找资料，终于找到了。原来，我们在阅读时，把注意力集中在书本上，轻柔的乐曲就会不知不觉地刺激右脑，产生情感体现，发现形象思维，促进右脑思维能力，使两半脑得到均衡的活动。由于音乐强化了人的神经系统功能，使视觉记忆、听觉记忆都得到锻炼，从而可以增强记忆的敏捷性、持续性、和准确性。所以，音乐能毫不费劲地唤醒人们以前的记忆。这样，利用音乐学习，效果能大大提高。

我的发现来源于我的观察与思考。我明白到众多科学家发现自然科学的奥秘，都是仔细观察与认真思考的结果。

音乐无处不在如何写篇五

外国古典音乐是依靠音乐形象来感染听众，以音乐的语言和意境给听众留下思索和回味的余地。

要想听懂古典音乐，应该循序渐进，首先要听那些描绘对象十分具体的作品，如管弦乐狂想曲《动物联欢节》，是描写狮子、鸽子、袋鼠等动物的千姿百态，听后如闻其声。其次，要读一些音乐家的传记作品，了解一下他们的生活经历、思想感情和性格气质。作曲家总是通过自己的作品向听众倾诉衷肠的。如贝多芬的《第五交响乐》、《命运交响曲》是举世闻名的。第一乐章的“动机”，象征着“命运在敲门”。究竟命运给贝多芬带来了什么，贝多芬又是怎样对待命运的挑战的？第二乐章：主人公在思考，他反省了自己的弱点，增强了胜利的信念，准备再一次和命运搏斗。第三乐章：黑暗势力在咄咄逼人，要求自由的人们，在艰难时刻，要坚持住啊！第四乐章：光明终于战胜了黑暗，光明属于敢于反抗的英雄，胜利的凯歌响彻云霄。这样，你就会不由自主地调动起情感，与音乐产生共鸣。其三，选择作品可以由浅入深，先听短小的'，再听大部头的；先听那些内容好捉摸的，如穆索尔斯基的《荒山之夜》，里姆斯基、柯萨柯夫的《天方夜谭》，再听无标题的、抽象一些的作品；先听舞曲、序曲、交响曲，再听协奏曲、奏鸣曲等。

音乐无处不在如何写篇六

当我们在聆听古典音乐的时候，我们应如何更深层次去欣赏古典音乐的美呢？很多人认为，古典音乐属于高雅艺术，比较难懂。有些人尝试去了解作品的内容，可到实际中又用不上。在我看来，音乐欣赏是比较感性的，可以以感性的形式去了解。我们稍加训练，就可以解决欣赏的难题。

1、分辨演奏乐器。

对于交响乐队的几十件乐器，必须有明确的分辨能力。否则乐队演奏起来，很多乐器交织在一起，听起来就会十分混乱。而且因为乐器本身的音色特点，作曲家在创作过程中，会根据音乐的需要选择乐器，所以分清乐器就可以大致了解音乐的基本内容。这样的乐曲有很多，如普罗科菲耶夫的《彼得与狼》、布里顿的《青少年管弦乐指南》等等，都在乐曲中详细介绍了每件乐器的音色特点和所描写的内容。这种分辨乐器的练习要进行很多次，直至即使在很多乐器演奏的情况下也能分辨某一件乐器，这需要大量试听作品。

2、音乐表现内容。

作曲家在创作作品时，是有一定创作思路的，有些作品会具有明确的情节发展过程。这部分个人是很难进行学习的，必须有优秀的教师来讲解。教师的讲解就像是一个翻译，将音乐中表现的内容，一边对比乐器、对比乐句，一边进行讲解。这种方式可以最快的实现欣赏音乐的目的。这类作品有：柴可夫斯基的《1812序曲》、斯梅塔娜的《伏尔塔瓦河》、约翰斯特劳斯的《蓝色多瑙河》等作品。

3、演奏水平。

通过对音色、技术、音乐表现等方面的对比，听辨演奏者的个人演奏能力，由于演奏者的个人性格和审美因素，使其在演奏中会带有一定的个人特性，比如：男性的坚定、女性的柔和、快速乐句的清晰、慢板速度的稳定等等，通过对这些因素的分辨，不仅可以准确判断演奏者的性别、性格，甚至个人习惯等特点，还可以根据高音音色的松和紧、整体音色的统一、音乐表现的方式、技术能力等等，对演奏者的水平进行鉴定，通过鉴定可以有选择的欣赏演奏水平较高的乐曲。

4、分辨指挥的风格特点。

这一点同分辨演奏者个人的'演奏水平方法相似，优秀的指挥可以较好的控制和统一乐队的整体风格，使全体演奏员可以演奏出和谐的效果。当然指挥的个人特点和缺陷也会在音乐中有所表现，性格随和的指挥在乐曲处理时，经常出现旋律不够清晰的现象，性格坚定的指挥对柔美的处理就容易不到位，还有指挥个人的处理思路和风格等，一般这种分辨是需要通过听辨同一乐曲的不同指挥、乐队、版本来比较和分辨的。

5、分辨乐队的风格特点。

每个乐队有每个乐队的特点，一个国家的水土，一个民族的风俗，一个城市的节奏，一个地域的差别等等，都会影响演奏者的审美和音乐表现方式。另外还有指挥的因素，世界著名的大乐团一般都会较长期的聘任首席指挥，乐队和指挥较长期的合作可以使指挥和乐队的风格更统一。恰恰是因为这些原因，使每一个乐队都具有不同的演奏特点和风格，具体的欣赏办法就是对比各乐团对于相同乐曲的理解和处理方式。

6、最简单的欣赏办法。

就是听旋律、听乐曲是否好听、是否熟悉。可以选择一些如：约翰施特劳斯、柴可夫斯基等著名而又通俗的作品常听，听熟了就喜欢了，这是最简单的办法。实际上音乐欣赏并不是非要通过对比来欣赏的，这同一个人自我的状态有关，对于性格偏差较大的人来说不对比就很难听准确，可对于心态平和的人来说，不用对比也能听准确，这关系到个人修养问题。无论做什么平心静气都是一种境界。

7、深入了解乐器。

在深入了解一种乐器以前，只能说是感性的欣赏，喜欢古典音乐那优美的旋律、丰富的层次和所营造的那种氛围，一直想让自己的欣赏水平提高到理性的层次，但是很难对其产生共鸣，在深入了解一种乐器后，再听钢琴、小提琴的演奏，甚至于乐队的演奏，就能感受演奏者所使用的技巧、对音乐（旋律）的特殊处理、乐句的进行是否流畅等，总之，兴趣是最好的老师，它能引领你进入一个全新的、美妙的境界。

音乐无处不在如何写篇七

送别扬琴谱该歌谱演奏者为李叔同，歌曲名称为送别，歌谱类型为扬琴谱。

《送别》，曲调取自约翰·p·奥德威作曲的美国歌曲《梦见家和母亲》。

《梦见家和母亲》是首“艺人歌曲”，这种歌曲19世纪后期盛行于美国，由涂黑了脸扮演黑人的白人演员领唱，音乐也仿照黑人歌曲的格调创作而成。

奥德威是“奥德威艺人团”的领导人，曾写过不少艺人歌曲。

李叔同留日期间，日本歌词作家犬童球溪采用《梦见家和母亲》的旋律填写了一首名为《旅愁》的歌词。

而李叔同作于1941年的《送别》，则取调于犬童球溪的《旅愁》。

如今《旅愁》在日本传唱不衰，而《送别》在中国则已成骊歌中的不二经典。

沈心工也曾根据《梦见家和母亲》写过一首《昨夜梦》，但最终没有抵得过李叔同《送别》的光芒。

歌曲歌词。

长亭外，古道边，芳草碧连天。

晚风拂柳笛声残，夕阳山外山。

天之涯，地之角，知交半零落。

一瓢浊酒尽余欢，今宵别梦寒。

长亭外，古道边，芳草碧连天。

问君此去几时来，来时莫徘徊。

天之涯，海之角，知交半零落。

人生难得是欢聚，惟有别离多。

创作背景。

《送别》曲调取自约翰·庞德·奥特威作曲的美国歌曲《梦见家和母亲》。

《梦见家和母亲》是首“艺人歌曲”，这种歌曲19世纪后期盛行于美国，由涂黑了脸扮演黑人的白人演员领唱，音乐也仿照黑人歌曲的格调创作而成。

李叔同在日本留学时，日本歌词作家犬童球溪采用《梦见家和母亲》的旋律填写了一首名为《旅愁》的歌词。

而李叔同作的《送别》，则取调于犬童球溪的《旅愁》。

音乐无处不在如何写篇八

1.要借助声音的形象性，让孩子分辨不同的音区，建立高、中、低音区的概念。譬如让孩子听小鸟、鸭子、黄牛叫的录音，然后再听用相应的高、中、低音区弹奏出的乐声，让孩子理解不同的音区可以描绘不同的形象。

2.通过让孩子听自己喜爱的音乐，学会熟悉唱名与音阶，给孩子编制唱名卡片，再让孩子经常听音阶式较强的歌曲旋律，一个音一个音地识记，如让孩子记唱《虫儿飞》《小毛驴》。

3.让孩子沿着低音依次弹奏到高音，再逆向由高音依次弹奏到低音，学会分辨音的进行方向。同时以一个音的重复弹奏，多次增强记忆，进行同音反复训练。

4.学会拍手练习2/4、3/4、4/4的节拍，并把节拍给孩子写在小卡片上，让孩子依节拍长短听出、说出节拍的长短。这种训练方法，家长最好能与孩子以游戏的方式进行，如果孩子喜欢照相和玩具，可以按拍照的节奏或玩具机关枪的节奏引入练习等等。

教幼儿学习简谱的“柯尔文手势”

音乐无处不在如何写篇九

音乐是我的最爱，可以说没有任何其它的东西可以这样吸引我，让我沉沦，无法自拔。听了几年的歌，最让我感动的歌手还是周杰伦。

还记得――第一次听jay的歌，喜欢上他的声音，是听哥哥的cd机中杰伦的第一张专辑《jay》里的《星晴》，“手牵手，1步2步3步4步望着天……”我突然喜欢上了周杰伦，喜欢他的曲调，他的声音，他的腼腆。这首《星晴》被我反反复复听了大概十几遍。

周杰伦的经历是坎坷的。十几岁的时候，父母离异，他自己出来打工，独自闯荡，最终找到了一席之地。发挥了音乐才能，虽然他刚出第一张专辑的时候很不被重视，但他仍然保持着对音乐的执着。《蜗牛》正唱出了他的心声：“我要一步一步往上爬，在最高点乘着叶片往前飞……”

在别人质疑他风格单一，缺少变化的时候，他坚持着自己的风格，这也是我之所以喜欢他的理由。

最触动我的心的一首歌是《东风破》，喜欢古典与现代结合的风格，尤其是歌词，那里面充满着朦胧的美，不因为朦胧而让人觉得做作，永远那么自然。

音乐无处不在如何写篇十

音乐无处不在,时时向人们传达着美的信息,给人感官上的愉悦,心灵上的陶冶。音乐是美的享受，但现今一些学生演奏的音乐常常是单纯的奏出每个音符，而缺少一种音乐的内在感觉，如何更好地表现钢琴音乐的魅力是一个值得探讨的问题。下面就和小编一起看看如何更好的表现音乐吧。

演奏时首先要理解旋律，找到旋律的动向、形态。第一首曲子《坦诉》，就像开场白一样。这样朴素的旋律，应该把它弹奏得平顺、连贯、平均，所以触键要尽量柔和。

如果说，旋律是音乐中最富于表现力的`部分，那么节奏则在音乐艺术中起着生死攸关的作用。但是在演奏每段音乐时必须有自己统一稳定的节奏和速度。如若节奏速度不符合作品内容风格,在演奏中不能控制自己的节奏和速度,将作品演奏得过快或过慢,随心所欲地变化速度,那将完全改变甚至扭曲了音乐形象。

具体的乐曲分析，如：第二首《阿拉伯风格曲》，16分音符就要弹得干净，左右手要保持一样，尽量弹奏得平均、一致；第七首《清澈的溪水》，这里则需注意连贯性，整曲没有大起大落，是一种很平稳的情绪。所以，声音上要注意层次，三连音要弹得很轻，大拇指要弹得连而长，这样把层次区分出来；还有第八首的《美姿》，是对装饰音的训练，这里强调有固定拍子的感觉，把32分音加上，再来检查节奏是否准确。

所以，只有演奏者真正体会到节奏的内在动力时,音乐才能不断地向前流动。

音乐就像说话一样，是有语气的。自然的演奏才是最完美的演奏，它有着对作品丰厚音乐内容的理解和纯熟的表演技术。重要的是我们要努力地去研究,去体会什么是“音乐本身合乎情理的需要”,恰如其分地把握音乐的情绪和语气。

比如，第四首《儿童联欢会》，是一首双音练习曲。虽然翻译成“儿童联欢会”，但意思不够精准，傅红教授说：“这更像是3、5个小朋友围坐在一起，笑嘻嘻的说着话。”其中，两个音加一个小连线，就像一声叹息。

正像柏拉图所说的“音乐就是宇宙万物”那样，我们不可能用几句话就把音乐中所有的语气论述清楚，但可以在日后的弹琴中慢慢领悟音乐的语气。

音乐表现要着眼于整体。演奏者在处理和演奏作品过程中都要有一个整体概念,了解和把握作品形象、风格,使各个局部要求都成为整体的一部分。处理好作品整体和局部的关系,表现出完满的音乐形象。

其中，踏板是弹奏钢琴曲目十分重要的一个方面。踏板使用的好坏，直接影响到弹奏的声音、色彩和风格。傅红教授说：“第25首《骑士》，这里的踏板需要有分寸的加入。就像开车一样，油门不能一踩到底。在层次好的情况下，再加入踏板，否则声音会很脏。所以，弹奏时旋律要轻，不要跳跃。”

音乐无处不在如何写篇十一

爱――是每个人必须拥有的一种鼓励。

我有一个慈祥的母亲和一个严肃的'爸爸他们代表着鼓励和批评，鼓励着我快乐前进......

“咚.咚.咚......”我快乐地按着铃，母亲为我打开门，我跑了进去，我知道母亲时刻鼓励着我，让我得到快乐。但是，这仅仅不全面的，他会把你引入歧途的，我来到书桌旁，做起一课三练来，每做一道题目，妈妈就鼓励我，我高兴极了，而父亲却在一旁说这算什么不植的骄傲的。我感到伤心极了，浑身无力气的，的确，我现在明白了，父亲批评我那就是爱。

在那一天，我又鼓起勇气给父亲看了一张试卷，“这题目有一点容易，不是说你做的好，只是千万别骄傲，不过错的题比上次少，”我听后，高兴极了。从此我经常给爸爸看，那时我只有8岁。

现在，我想到我现在是多么辛运。一个人，应该说来自生活中的每一个人，都要来自父亲母亲的这两种爱，你，都要有人经常提醒你。

今天，我终于明白了，这两种不同的鼓励共同有一个出发点――那就是爱。

父亲呀！母亲呀！你们的爱好比甘甜泉水，为我们解渴，让我们快乐成长，让我们懂的怎样。

音乐无处不在如何写篇十二

送别（高伟编合唱版）合唱谱该歌谱演奏者为李叔同，歌曲名称为送别，歌谱类型为合唱谱。

《送别》，曲调取自约翰·p·奥德威作曲的美国歌曲《梦见家和母亲》。

《梦见家和母亲》是首“艺人歌曲”，这种歌曲19世纪后期盛行于美国，由涂黑了脸扮演黑人的白人演员领唱，音乐也仿照黑人歌曲的格调创作而成。

奥德威是“奥德威艺人团”的领导人，曾写过不少艺人歌曲。

李叔同留日期间，日本歌词作家犬童球溪采用《梦见家和母亲》的旋律填写了一首名为《旅愁》的歌词。

而李叔同作于1941年的《送别》，则取调于犬童球溪的《旅愁》。

如今《旅愁》在日本传唱不衰，而《送别》在中国则已成骊歌中的不二经典。

沈心工也曾根据《梦见家和母亲》写过一首《昨夜梦》，但最终没有抵得过李叔同《送别》的`光芒。

创作背景。

《送别》曲调取自约翰·庞德·奥特威作曲的美国歌曲《梦见家和母亲》。

《梦见家和母亲》是首“艺人歌曲”，这种歌曲19世纪后期盛行于美国，由涂黑了脸扮演黑人的白人演员领唱，音乐也仿照黑人歌曲的格调创作而成。

李叔同在日本留学时，日本歌词作家犬童球溪采用《梦见家和母亲》的旋律填写了一首名为《旅愁》的歌词。

而李叔同作的《送别》，则取调于犬童球溪的《旅愁》。

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音乐无处不在如何写篇十三

送别（电影《城南旧事》插曲）口琴谱该歌谱演奏者为约翰·p·奥德威，歌曲名称为送别，歌谱类型为口琴谱。

《送别》，曲调取自约翰·p·奥德威作曲的美国歌曲《梦见家和母亲》。

《梦见家和母亲》是首“艺人歌曲”，这种歌曲19世纪后期盛行于美国，由涂黑了脸扮演黑人的白人演员领唱，音乐也仿照黑人歌曲的格调创作而成。

奥德威是“奥德威艺人团”的领导人，曾写过不少艺人歌曲。

李叔同留日期间，日本歌词作家犬童球溪采用《梦见家和母亲》的旋律填写了一首名为《旅愁》的歌词。

而李叔同作于1941年的《送别》，则取调于犬童球溪的《旅愁》。

如今《旅愁》在日本传唱不衰，而《送别》在中国则已成骊歌中的不二经典。

沈心工也曾根据《梦见家和母亲》写过一首《昨夜梦》，但最终没有抵得过李叔同《送别》的光芒。

创作背景。

《送别》曲调取自约翰·庞德·奥特威作曲的美国歌曲《梦见家和母亲》。

《梦见家和母亲》是首“艺人歌曲”，这种歌曲19世纪后期盛行于美国，由涂黑了脸扮演黑人的白人演员领唱，音乐也仿照黑人歌曲的格调创作而成。

李叔同在日本留学时，日本歌词作家犬童球溪采用《梦见家和母亲》的旋律填写了一首名为《旅愁》的歌词。

而李叔同作的《送别》，则取调于犬童球溪的《旅愁》。

歌曲歌词。

长亭外，古道边，芳草碧连天。

晚风拂柳笛声残，夕阳山外山。

天之涯，地之角，知交半零落。

一壶浊酒尽余欢，今宵别梦寒。

音乐无处不在如何写篇十四

送别（扬琴伴奏谱）胡琴乐谱该歌谱演奏者为黄玲，歌曲名称为送别，歌谱类型为胡琴乐谱。

胡琴，琴类一种，因为来源于北方少数民族，古代汉人称谓北方少数民族为“胡”，从北方传过来的琴，因此而得名。

蒙古族弓拉弦鸣乐器。

古称胡尔。

蒙古族俗称西纳干胡尔，意为勺子琴，简称西胡。

元代文献称其为胡琴。

汉语直译为勺形胡琴，也称马尾胡琴。

历史悠久，形制独特，音色柔和浑厚，富有草原风味。

可用于独奏、合奏或伴奏。

流行于内蒙古自治区各地，尤以东部科尔沁、昭乌达盟一带最为盛行。

后有同名人物，在该领域有一定贡献的有南京医科大学教授胡琴等。

简介。

胡琴，又称乡胡、稽（同奚）琴。

历史悠久、形制古朴。

发音柔美，音色动听。

可用于独奏、合奏或为歌舞伴奏。

流行于辽宁、吉林、黑龙江等省，尤以吉林省延边朝鲜族自治州最为盛行。

流行于吉林省延边朝鲜族自治州。

唐宋时期的胡琴曾传入朝鲜。

朝鲜成伣编《乐学轨范》（有1494年序）载：“……以黜檀花木（刮青皮）或乌竹海竹弓马尾弦，用松脂轧之。按用左手，轧用右手，只奏乡乐。”

历史。

胡琴在唐宋时期，既是拉弦、又是弹弦乐器，两种演奏方法兼而有之。

与陈旸同一时代的北宋文人欧阳修，在他的《试院闻胡琴作》一诗中写道：“胡琴本出胡人乐，奚奴弹之双泪落。”

演奏方法则是弹拨，没有“用竹片轧之”的含意。

在另一首诗中有着颇为详尽的记载：“奚人作琴便马上，弦以双茧绝清壮。高堂一听风雪寒，坐客低回为凄怆。深入洞箫抗如歌，众音疑是此最多，可怜繁手无断续，谁道丝声不如竹。”这里显然描写的是两弦弹拨乐器胡琴。

可见，唐宋两代，胡琴正处于由弹弦乐器向拉弦乐器过渡的时期。

宋代的胡琴又称稽琴。

宋代高承公元1080年撰辑的《事物纪原》中有：“杜挚赋序曰：秦末人苦长城之役，弦鼗而鼓之，记以为琵琶之始。按鼗如鼓而小，有柄，长尺余。然则击弦于鼓首而属之于柄末，与琵琶极不仿佛，其状今稽琴也。是稽康琴为弦鼗遗象明矣。”照此记述，稽琴在北宋之时，仍靠弹拨琴弦来发音，而不是轧弦发音的拉弦乐器。

在宋代陈元靓《事林广记》（卷八）中，则明确地记载着稽琴是拉弦乐器。

文中说：“稽琴本稽康所制，故名稽琴。二弦，以竹片轧之，其声清亮。”把稽琴归于公元3世纪的稽康所制，显然是伪托古人的一种附会，这可能是陈氏效其“阮咸造阮”之说吧。

同是宋人，又同是记述稽琴，却记载着两种不同的演奏方法。

这充分说明，宋代稽琴仍处于由弹弦乐器向拉弦乐器的过渡阶段。

宋代晚期，中国北部边疆地区已经开始使用以马尾作为弓毛拉弦擦奏的乐器了。

在陕西榆林石窟第十窟的壁画中，画有一飞天用马尾弓拉奏卷首、二轸、二弦、圆筒形琴筒的乐器。

此窟年代约当西夏（公元1038年—1227年）时期，即与中原的宋代相交错。

在山西省繁峙县岩山寺的经幢（为“特赐广济大师之塔”）上，有一线刻乐器图形，一人正盘腿而坐，手持马尾弓拉奏。

有关学者认为，繁峙在元代之前即为蒙古管辖，并以大元为年号，此经幢为“大元二十三年十月十日”建成，即公元1236年，也正值宋代末年。

上述两处之乐器图像，均与今日之二胡维妙维肖。

这种用马尾弓代替竹片擦弦发音的乐器，是中国北方长期过着游牧生活的少数民族的创造，它是拉弦乐器向前发展的一个里程碑。

南宋之时，胡琴类拉弦乐器开始走上发展时期。

中国大批制造乐器用的丝弦，也始于南宋迁都临安（今杭州）之际，故丝弦有“杭弦”之称。

在当时文人的笔记、小说里也不时提及，在《绿窗新语》中的“金彦游春遇春娘”故事里，就写有：“金彦与何俞出城西游春，见一庭院华丽，乃王太尉庄。贯酒坐阁子上，彦取二弦轧之，俞取箫管合奏。”这“二弦”即是与胡琴形制十分相似的拉弦乐器。

明代，胡琴类拉弦乐器随着戏剧和曲艺的兴起而有所改进和发展，演奏形式也多种多样。

从明嘉靖元年（公元1522年）尤子求的《麟堂秋宴图》画卷中，就可以看到一种由胡琴、箫管和拍板三种乐器组成的合奏形式，图中所绘的胡琴，是龙首、卷颈、二弦、马尾弓，而且有了用以固定弦长的千斤。

这在陈旸《乐书》中的胡琴图上是没有的，但也保留着胡琴的较短琴筒、置轴方向和拴弦方法。

它较南宋《绿窗新语》中的二弦有了较大进步，与今日的朝鲜族胡琴和我国福建地区流行的南音二弦已较为接近。

朝鲜音乐家成伣编朝鲜古籍《乐学轨范》（1494年序）中载有：“胡琴，以黜檀花木（刮青皮），或乌竹、海竹弓马尾弦，用松脂轧之。按用左手，轧用右手，只奏乡乐。”可见，胡琴在明代已传入朝鲜。

清代，胡琴用于宫廷的瓦尔喀部乐和庆隆乐中，而前者还要使用四件胡琴演奏。

据民间传说，胡琴是经东胡人之手传入牡丹江镜泊湖一带及东镜城等地的。

后来成为朝鲜族人民所喜爱的拉弦乐器。

音乐无处不在如何写篇十五

不同的音乐形式有不同的音乐语言。流行歌曲、摇滚音乐和古典音乐的音乐语言就有差别，正如不同的人对爱情的表达方式不同。许多人觉得古典音乐高深，其实是不习惯古典音乐的表达方式。如果多接触古典音乐，熟悉了古典音乐的音乐语言，就走入了古典音乐的殿堂。

交响音乐是音乐的最高形式。它包括交响曲、交响诗、组曲、套曲、序曲、间奏曲、前奏曲等许多体裁。因为交响音乐是由庞大的管弦乐队来演奏，因此它拥有最大限度的音乐表现力。现在就以交响音乐中的代表体裁——交响曲为例，简单介绍一下怎样欣赏交响音乐。

音乐有它自身的结构。无论多复杂的`音乐都有自己最基本的组成成分，这在音乐中叫做“动机”。动机可以是几小节音乐，甚至可以是一个特定的节奏型。由动机可以发展成一段比较完整的音乐，这叫“主题”。主题就可以比较完整地表达一种情感，或者代表一种思想，一种特定形象。动机和主题绝对需要作曲家的灵感!有些作曲家在这方面很有天才，比如莫扎特、舒伯特等。

音乐家用音乐手法将各种主题加以发展变化，有机地结合，就形成乐章。同样的钢筋混凝土，有些人能盖成高楼大厦。这里就要看作曲家的音乐技能了。有些作曲家在这方面特别出色，比如贝多芬和勃拉姆斯。

乐章有一些基本的组成模式，这就是曲式。曲式说明了主题是怎样构成乐章。比如变奏曲式就是一个主题，它每次出现时都有变化。大部分交响曲都遵循一些固定的曲式。了解了曲式就仿佛抓住了音乐的脉络，有助于我们更准确地分析音乐。

欣赏大部头的交响曲最好能分清它的曲式结构，分清它的各种主题，了解主题是怎样产生，怎样发展变化的，了解了乐曲的结构，就容易了解乐曲的内容，对音乐从感性认识上升到理性认识。

至于主题的内容，每个人都会有不同的看法。音乐的神奇就在于：作曲家创造了音乐，但必须经过艺术家的演奏(二次创造)，听众才能了解它。但不同艺术家，不同听众对同一作品的理解是不同的，同一个人在不同时期对相同作品的理解都会有变化，甚至演奏或欣赏音乐时的心情、场地、音响条件等都会影响对音乐的理解。音乐在每次响起时，对于每个聆听者都是独一无二的体验。这就是音乐艺术的魅力。

多听是了解音乐最重要的途径。所有的文字，语言解说都是从侧面表现音乐，只有亲而聆听才能最直接地面对音乐。在神奇的音乐面前，所有的词汇都显的苍白。古人云：“熟读唐诗三百首，不会作诗也会吟。”音乐欣赏也是一样。如果听透了贝多芬的32首钢琴奏鸣曲，对于古典的曲式和音乐的表现力都会有质的提高，再碰上古典和浪漫乐派的作品就会很容易接受。

音乐家正是有了音乐动机的灵感，写下了音乐主题。然后按照自己的观念，用音乐手法将各种主题组合起来，才形成了美妙的乐章。这也形成了作曲家的风格。比如约翰·施特劳斯的圆舞曲都是由许多优美的圆舞曲主题串接起来;柴科夫斯基的旋律优美迷人，感情外在;贝多芬善于挖掘音乐主题的各个层面，并运用严格的曲式和高超的作曲技巧构成深刻的内容等等。

入门时可以先找一些比较通俗、标准的曲目，以培养自己的音乐理解力和音乐记忆力，了解音乐是怎样构成和发展的。比如贝多芬《第五交响曲》(命运)，柴科夫斯基《第6交响曲》(悲怆)，中国的《梁祝》等。它们的音乐形象鲜明，结构严谨，内容深刻,很适合初学者。

音乐无处不在如何写篇十六

爱心应当是无处不在的。公车上的让座，对乞丐的解囊，对年老者的搀扶，对失意者的安慰……都是爱心的体现。

今天我发现了，爱心就在我们身边。课间经过走廊时，我正沐浴在春日明媚的景象里，心情格外舒畅。突然，一股恶臭飘来，令人作呕。原来是一位男生呕吐了，弓着身子朝瓷砖“倾吐”。周围的人都避之不及，有的疾步离去，有的捂住鼻子，远远地躲开。这时，经过的.一名女生轻轻弯下腰，关切地问：“你好一点了吗？”见到男生难受的表情，她充满同情地说：“你等一下，我去拿纸。”不一会儿，她回来了，将纸递给了男生。

于是，男生将嘴擦干净了，眼睛里满是感激。整个帮助过程，女生是那样自然，没有厌恶，没有嫌弃，只有关心与执着。最令人敬佩的是，面对肮脏的秽物，她没有捂住鼻子，甚至连眉头都不曾皱一下！我被深深地感动了：虽然身在一个物质社会，但是人们并没有泯灭爱心。

以前，我总以为“爱心”这个词是只有姜达敖爷爷那样的人才能获得的荣誉。可是现在，我发现，爱心其实无处不在。只要我们拥有一双发现美的眼睛，就会发现，真善美就在我们身边。

音乐无处不在如何写篇十七

每一滴水都能折射出一个多彩的世界，每一双眼睛都能嵌进一个多彩的童话，每一条小溪都闪烁着美的光辉，不要空叹人世的无奈，请用美丽的心情看待人世的繁华与多彩，细细品味那无处不在的美吧！

坚持之美。雨后，太阳挣扎着从厚实的乌云后探出头来，天边出现了一道绚丽的彩虹，搬出椅子坐在自家的墙边休息，无意中发现了墙角的蜗牛一家，一只大蜗牛背着两只小蜗牛，缓缓地向上爬。它们要干嘛？墙的一半被阴影挡住了，阳光只能射在墙的顶端，它们不会要去晒太阳吧？我在心里嘀咕着：就你们这样的速度，等爬到顶部太阳早就落山了，那时候还要再爬下来，何必多此一举呢！还是早点打道回府去睡大觉吧！可它们并不理睬我，依旧往上爬。夏日的午后倦意袭来，在椅子上坐着就睡着了。醒来后，阳光还照在墙头，我惊奇地发现，蜗牛一家已爬了上来，尽情地享受着余晖。是我低估了它们，是我小看了坚持的力量。坚持真美！

团结之美。一只小小的蚂蚁对着地上的一块大骨头犯了愁，它已忙碌了好长时间，骨头依旧纹丝不动，可蚂蚁毫无放弃的样子。“就凭你这微不足道的力量，也想搬起比你重几百倍的骨头，算了吧！”蚂蚁似乎听懂了我的话，放弃了食物，径直走回了巢。但不久，浩浩荡荡的队伍向着骨头奔来。只见队伍有序地围住了骨头，几十只大点的蚂蚁钻到骨头底下，轻而易举地运起了属于它们的胜利果实。哎！我又一次低估了团结的力量。团结真美！

乐观之美。来到森林中野餐，一条小溪从旁流过，它从来没有停下奔向江河、大海的脚步，漫长的旅行无趣乏味，它是怎么走完这一程的呢？我问小溪，它低头不语，于是，我在森林中跟随着它的脚步寻找答案。一路上小溪永不停步，遇到前进的阻碍时，只见它转个身，弯弯腰，或跳跃几下，越过了难关。“叮咚，叮咚”在它的歌唱中，我已找到了答案，它并不抱怨，而是用乐观的心态愉快地走完属于自己的一生。小溪谢谢你！你用行动告诉了我乐观面对一切。乐观真美！

生活中不是缺少美，而是缺少发现美的眼睛！

音乐无处不在如何写篇十八

根据中华医学“五音疗法”理论，运用不同的调式和音色对人体五脏的调节作用，并结合现代音乐疗法而成。具有治疗、保健、欣赏等功效。经常聆听可以祛病强身、养生保健、陶冶情操。

放松身心，激发内在潜能。让身心在得到天人合一的相应，迅速补充新的能量，充满自信......冥想音乐，是当前许多国家流行的一种有特点、有前途的现代音乐形式。

在这种音乐和自然界音响的引导下，接受音乐治疗者全身放松，闭目养神，仿佛回归到大自然中，依照个人不同的生活经历进行回忆和臆想等心理活动，可以取得舒心、强身、健脑、养生的`效果。

冥想音乐分为导入、冥想和唤醒三个阶段。导入阶段，是在音乐和自然之声的引导下，身心逐步放松，排除杂念，自然呼吸，渐渐进入冥想阶段。冥想阶段，是身心完全放松，随音乐和自然之声进入朦朦胧胧、似睡非睡或轻轻入睡的自由臆想的美妙境界。此时身心得到充分休息，唤醒阶段，是在音乐和自然之声的引导下逐步恢复到清醒状态，此时，你会感到头脑清醒，身体轻松，精神愉悦，精力充沛。

根据中华医学“五音疗法”理论，运用不同的调式和音色对人体五脏的调节作用，并结合现代音乐疗法而成。具有治疗、保健、欣赏等功效。经常聆听可以祛病强身、养生保健、陶冶情操。

旋律优美，婉转动听，其宁静、清淡、脱俗、高雅、独特风味浓厚，其表达情感，是其他音乐所不能替代的。有些如入梦幻，听之似入云端有悠闲自得之感，适合静心养性，有练气健身之功效。有些含有看破红尘，与事无争，淡泊名利，乐在其中之意。

沉醉于乐韵，会从各种自然音效中“由乐及茶”、感受到茶的清、雅、韵、净、明、仙、益、芳的幽香世界。曲曲优美的茶谣表现出一派茶乡的山水人情和悠悠芬芳。一杯茶一抹情、一支曲一道景。来吧，感悟一份闲情、享受一缕茶的芬芳。

其他音乐 优美动听，细腻温存，好像把人带进向往的世外桃源，它是如此之美、之乐、之静、之善、之太平。

音乐无处不在如何写篇十九

1、音的高低：任何一首曲子都是高低相间的音组成的，从钢琴上直观看就是越往左面的键盘音越低，越往右面的键盘音越高。

2、音的长短：除了音的高低外，还有一个重要的因素就是音的长短。音的高低和长短的标住决定了该首曲子有别于另外的曲子，因此成为构成音乐的最重要的基础元素。

3、音的力度：音乐的力度很容易理解，也叫强度。一首音乐作品总会有一些音符的力度比较强一些，有些地方弱一些。而力度的变化是音乐作品中表达情感的因素之一。

4、音质：也可以称音色。也就是发出音乐的乐器或人声。同样的旋律音高男生和女声唱就不一样的音色;小提琴和钢琴的音色就不一样。

音乐无处不在如何写篇二十

前几天，我看见妈妈把一个矿泉水瓶的头给剪了，然后灌满了水。把一个光秃秃的小番薯插在瓶口。第二天，我发现下面长出了又细又白的胡须，第三天，我看见上面爆出了几颗绿色的小嫩芽儿。

过了几天后，根越来越多，越来越长；爱心似的叶子越来越大，越来越漂亮。

我觉得很奇怪，为什么番薯在瓶字里会生根发芽呢？妈妈告诉我，植物只要有水份和就回生长。

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