2023年绘画研究结论范文范本(实用19篇)

养成读书的习惯可以提高自己的知识储备。在写一篇完美的总结之前，我们需要明确总结的目的和对象。通过阅读这些范文，我们可以更好地理解写作的要求和技巧，进而提升自己的表达能力。

绘画研究结论范文范本篇一

活动目标：

1、认识直线、曲折线、波浪线、螺旋线。

2、能大胆画出各种线条。

活动准备：画好各种线条做以备示范，黑笔和画纸。

活动过程：

一、预热阶段：

老师出示线条图片。

提问：小朋友们你们认识这些漂亮的线条吗？他们叫什么名字？

二、图形刺激。

1、老师示范直线的画法。

师：再画直线时要注意笔不能晃才会画的漂亮、老师示范曲折线的画法。

师：曲折线像鲨鱼的牙齿一上一下，尖尖的牙齿！

2、老师示范波浪线的画法。

师：波浪线也是一上一下，不过没有尖尖的牙齿。

3、老师示范螺旋线的画法。

师：螺旋线像蜗牛的家一圈一圈的。

三、创造表现。

1、幼儿创作，老师鼓励幼儿大胆绘画。

2、在老师的指导下画出直线、曲折线、波浪线、螺旋线。

3、在操作过程中对于出现的问题即时纠正。

四、作品赏析。

展示幼儿作品，说说自己画了哪些线条。

将幼儿作品布置在我是小画家一栏。

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绘画研究结论范文范本篇二

在声乐艺术欣赏的能力上的培养就不得不提了，本文就针对如何引导学生从审美角度来欣赏声乐艺术作简要的分析。

关键词：学生;审美角度;声乐艺术。

而正因为这种复杂的思想感情的加入，使得欣赏声乐更需要读懂创作人的心境，也让声乐欣赏提升了一个阶梯。

一、从审美角度欣赏声乐艺术的必要性。

(一)美学色彩为声乐艺术本身的一个特质。

其作为对特定对象的表达手段，或抒情，或描景，或议论，或叙事，无论何种情感，都使得原本生硬的诗文添上了一层人文美学色彩，音乐自然也是如此，其在音律上自身的美学性在融合进创作人的思想情感因子，更加增添了一种人文韵味，所达到的美学境界也更高，因此从审美的角度来欣赏声乐艺术是非常重要的。

(二)促进学生更加全面的体会的声乐艺术的魅力。

还是在自身音律的济结构上，都体现出其特有的心思，要学生通过美学视角来欣赏声乐艺术，其重要目的便是要学生在了解其音乐所传达的内涵的同时也关注到其音乐自身的美，正如学古诗词除了读懂作者的情感之外，也感受到诗文作为一种独特艺术形势的独特的美，这样是可以促进学生更好的了解到声乐艺术的魅力的。

二、如何引导学生以审美视角来欣赏声乐艺术。

(一)完善学生对声乐历史的认识。

其本身存在便是一种历史历久弥新般的美，要真正领略到这种美，便要从其历史出发，要使学生从审美的视角来欣赏声乐艺术，也就必须要其对声乐历史有特定的了解，通过将其放逐到那种声乐历史中，让其自身体会其悠久的历史以及厚重的底蕴，更能够促进其对声乐美的一个认识，自然也就有利于促进其以审美视角来对声乐艺术进行欣赏。

(二)教导学生系统的声乐欣赏方法。

更有可能影响声乐艺术的发展，所以，系统的欣赏方式对于真正了解声乐艺术的美学特征是及其有必要的，学生要更好的通过审美的视角来欣赏声乐艺术，传授者就必须教导学生相对系统完善的声乐欣赏方法，这样才能更有利于学生真正意义上感知声乐艺术美的存在。

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绘画研究结论范文范本篇三

摘要：对儿童的教育工作随着社会的发展，国家、社会、家长、学校、老师也越来越重视。我国提倡培养德、智、体、美、劳全面发展的社会主义接班人，所以对于孩子的素质教育非常重视，对于孩子的学前教育也注重全面发展。美术可以锻炼孩童的审美能力，动手实践能力，引导儿童在艺术领域的探索。育儿园美术教育也随着社会的改变而改变，美术教育生活化极大地提高了儿童学习兴趣，探索学前教育美术教学，为学前教育美术教学提供帮助。

关键词：幼儿园美术教育学前教育。

美术教育是现如今学前教育中不可少的一部分，很多幼儿园都会开展各种各样的学前美术教育课程。育儿园美术教育属于艺术启蒙范围，是符合幼儿身体成长规律、学习能力规律的启蒙教育。幼儿园美术教育可以促进小朋友的身心健康全面发展。单一的幼儿园美术教育已经不能适应这个多姿多彩的现代社会，幼儿园美术教育走向生活化。创造生活化的美术家学课堂，利用生活中的物品进行美术创作，引导幼儿欣赏多姿多彩的生活中的美术作品，感受生活中的美，感受大自然中的美，陶冶小朋友的情操，使小朋友的审美能力得到提高。

生活是每一个人都很熟悉的，提到生活中的东西大家也更能够接受。生活中也处处充满着美，把美术教育生活化，让小朋友融入生活，发现生活中的美更能提高小朋友的学习兴趣。

一、把生活内容放到美术教育课堂。

幼儿园美术教育最忌枯燥，幼儿园的孩子都还处于智力、审美能力、动手能力的发展期，美术教育如果只是枯燥的理论讲解，复杂的绘画技术教授，相信很多小朋友都不会喜欢美术课。幼儿喜欢灵活多变、五彩缤纷的内容，很多小朋友上课期间只能坚持十几分钟甚至几分钟的注意力集中，美术教育生活化就会吸引小朋友的兴趣，引导他们进行学习。在进行美术课程时，可以把生活的内容当作美术课讲述内容，引导幼儿对生活中的比如桌子、椅子、鲜花、小草、绿树等的观察，把生活中的各式各样色彩斑斓，形状多变的物品作为教材，激发幼儿的好奇心和学习欲望。比如，在学习人物画时，小朋友会画自己的一家人，并且画的五彩缤纷。色彩多样的妈妈，高高大大的爸爸，和在爸爸妈妈中间开心笑着的小小的自己。在孩子的心中，妈妈是最漂亮的人，所以妈妈就有很多种颜色；爸爸是世界上最厉害的人，所以爸爸就会很高很大，可以保护妈妈和孩子；而孩子自己就是小小的，在爸爸妈妈的保护下开心成长。

另外，幼儿的思维总是多变，对于幼儿的美术教育肯定不能只拘泥于一种形式，教学内容随着生活的变化而变化，学习小朋友喜欢的、关心的生活内容才会更好的引导儿童学习美术。比如，小女孩会喜欢芭比娃娃，教师就可以在课堂上引导儿童为芭比娃娃设计衣服、发型、给娃娃建小房子等，即可以提高幼儿的动手能力还可以吸引小朋友的眼光。对于男孩子，教师可以使用一些诸如玩具枪、玩具剑或者小朋友喜欢的奥特曼模型等，让小朋友动手组装。这样能够让孩子在轻松快乐的氛围中玩的开心，学的也开心。

二、创造生活化的美术教育环境。

生活中处处都充满着美，在生活中学习会更简单，更易于接受。关注儿童生活的点点滴滴创造一个生活化的美术教育环境，使小朋友发现生活中的美，体会生活中的美。美术教育本来就不是格式化的教育，美术教育不能只在正常的课堂内教授，时间长了孩子肯定会有厌烦情绪。老师可以把美术教师进行重新布置规划。比如在学习绘画小动物时，可以把墙面绘成森林，绿油油的茂密的森林会使人放松心情，可以让老师和学生都扮演成小动物，模拟生活在森林中的小动物，不仅可以使小朋友更直观、更真实地认识到各种动物的形态特征，还能够教授小朋友一些关于森林和动物的科学知识。

除了创造生活化的课堂，还可以带领小朋友走出课堂，走入生活来进行美术学习。比如，可以举行一个主题活动，引导儿童切身体会生活中的美，使他们更深的认识生活，了解生活。例如，美丽的植物主题活动，可以带领小朋友去植物园进行学习，让他们观察各种植物的外在形态，如植物的叶子，植物的花朵，植物的果实等让他们用眼见去看，用手去触摸，用心去感受植物，让小朋友最真实、最近距离的观察植物，深入大自然，了解大自然。激起他们对大自然探索的兴趣，对植物的喜爱，同时也可以告诫他们花草树木不光美丽还保护着小朋友，为小朋友提供美丽的生活环境，提供新鲜的空气，还可以教育小朋友爱护花草树木，保护生态环境。

三、利用生活物品来进行美术教学。

绘画研究结论范文范本篇四

我国是一个历史悠久、文化遗产丰富的大国。在我国的艺术绘画中，具有中国传统独特的民族气息，而斗茶图在经历了一段漫长悠久茶艺文化的熏陶后，已经发展为一个完整、有代表性的绘画体系。而作为中国古代历史上发展最为强大的时代的唐朝，绘画体系也发展出了一段艺术历史上的小高潮，唐代是我国历史上发展最迅速，经济力量雄厚的一个时期，在这个时期里，我国的茶艺文化艺术被推上了很高的地位，在装饰的运用上开创了我国的纹样装饰画先河。绘画艺术以其独特的魅力，让我国的茶艺文化被纸和墨书写下来，唐代茶艺文化中的绘画艺术成为中国斗茶图的历史转折期。时尚流行的元素总是呈轮回的状态，如今人们对茶艺文化的事物有很大的兴趣，因此本文的重心在于提取茶艺文化的精神，将茶道的精神和绘画相结合，通过不同的手法将绘画表现出不同的艺术气息分析出来。绘画艺术在辉煌灿烂的茶艺文化中得到了很好的发展，以茶为题材的绘画作品都具有很高的.收藏价值，由于其朴素，清新，干净的绘画风格，斗茶图一系列的作品都受到广大爱茶人的喜欢。茶艺文化中的绘画在茶道的感染下，具有精神哲学的意义，这些思想通过画中人物动态和神情表达出来。所以，这样具有传统韵味的“茶”绘画艺术作品在现代也有很大一批的欣赏者。

3.2构思的必要性。

“茶”在古代的装饰绘画中占据重要的地位，并表现出浓厚的中国特色。通过对茶和茶有关的事物进行描绘，展示出当时的社会文化和生活方式。从广义上看，茶艺文化在人类的生活中是重要组成部分，它对人类生活和发展起到推动的作用。从茶艺文化的侧面看来，它更重视一种人文精神。绘画艺术重在“意”和“象”的表达，它不仅表达出整幅画面的内容，还可以将茶艺文化以独特的艺术手法表现出来，这样的方式正符合我国的现代审美。中华上下五千年，我国的传统文化博大精深。人们的生活节奏不断加快，对古典传统的生活多了一份向往。茶艺文化中的绘画艺术体现出茶艺文化的内涵和表现形式，随着国家的不断发展，全球化进程在加快，中国的茶艺文化能够抓住这样的好机会，迈出国门，将中国的传统茶艺文化和绘画艺术都发扬光大。

4结束语。

茶艺文化是中国传统文化的重要分支，将“茶”在绘画中进行表达，可以将茶艺文化和艺术相结合，通过画家独特的妙笔，将原本看不见的文艺绘制到宣纸上，以绘画的形式将感知表现出来，这样的结合形式对传承中国文化有很大的影响。茶艺文化推动着我国的绘画艺术的发展，随着社会的演变，不同朝代的画家在其中加入创新元素和精神，让茶艺文化和绘画艺术的融合更加紧密。绘画作品被赋予了一种历史的精神文化内涵后，它的价值感也被提升上去。面对改革开放的今天，不少地区也在学习中国文化，而绘画是其中很具特色的风格，它可以很好地展现出中国历代的茶艺文化。因此，将具有很高历史价值的茶艺绘画艺术带向国外，可以更好地弘扬中国文化。

参考文献。

[1]余悦.中国茶文化研究的当代历程和未来走向[j].江西社会科学,(7):7-18.

绘画研究结论范文范本篇五

苹果和橘子是日常生活中常见的、同时也是幼儿非常熟悉的两种水果，在本次活动中，通过闻一闻、摸一摸、尝一尝等不同的方法，用鼻子、手、嘴巴等不同器官来感受水果的不同特征，以涂色的形式使用炫彩棒表现水果的颜色，让幼儿以绘画的形式进一步感受本次学习的快乐，并在完成的`绘画作品中获得成就感。

活动目标。

1、尝试用油画棒表现水果的形状和颜色。

2、初步体验写生画所带来的快乐和成就感。

活动准备。

1、材料准备：油画棒、16开长方形纸。

2、幼儿知识经验准备：观察苹果、橘子。

3、教师自身知识准备：苹果、橘子、水果拼盘。

活动过程。

一、情境导入——观察不同的水果，区分它们的特征。

1、观察苹果和橘子（苹果和橘子都来啦，香香甜甜真可爱。看看它们长得什么样？是什么颜色的？哪里长得一样，哪里不一样？）。

2、自由交流各自的观察体验。

小结：虽然苹果、橘子长得都不一样，但是它们是两个好朋友。

二、画苹果、橘子——鼓励幼儿大胆表现水果。

1、跟画苹果的轮廓。

今天我们来为苹果、橘子画张像。

跟着老师一起画，慢慢地画出苹果妹妹的脸。大大的、圆圆的。

2、尝试画橘子。

宝宝们胆子大一点，把橘子的脸蛋也画得大大的。看看哪个宝宝最厉害，把它们的脸都拍得大大的！

3、油画棒涂色。

你看到的苹果、橘子是什么颜色的，就给它们涂上那个颜色。

苹果有一根小辫子，我们叫它柄；橘子肚子上有一个脐；香蕉弯弯像小船，能干的宝宝要画出来哦！

三、作品展示——鼓励幼儿多吃水果，争做健康宝宝。

看一看谁画的水果宝宝最大、最圆、最甜，请你把五角星送给它！

小结:多吃水果身体好，我们都要做健康宝宝哦！

幼儿园中班绘画教案。幼儿具有天马行空的思想，所以是很适合艺术的，我们可以好好的培养幼儿的审美能力，教会幼儿了解色彩与色调的基本知识，增加幼儿对绘画之类的艺术的兴趣。

文档为doc格式。

绘画研究结论范文范本篇六

摘要：儿童美术教育是促进儿童身心教育重要的途径，是激发儿童创新意识和好奇心的有效方法。充分利用乡土资源，让孩子在幼儿园中，亲近自然环境，接触自然中的植物、动物等，从而培养幼儿美术学习的兴趣，激发幼儿美术创作的热情。

关键词：乡土资源；幼儿园；美术；教育。

幼儿美术的教育不应该只拘泥于课堂的学习和书本的翻阅，更要充分利用乡土资源，来探索大自然中的美。俗话说：“这世界并不缺少美，而是缺少发现美的眼睛。”幼儿园美术教育中，更要培养孩子善于发现自然中美的习惯，培养幼儿对美术学习的兴趣，丰富教学内容。

一、乡土资源概述。

乡土资源就是学校所在地的各种自然资源和社区教育资源，包括自然中的各种花草树木之类的植物和动物，以及各种社区周围的文化宣传活动设施等。城乡的幼儿园学校应该因地制宜，充分利用学校周围的乡土资源，从实际出发，全面实施素质教育。

二、如何利用乡土资源进行幼儿园美术教育。

1.亲近自然，激发幼儿美术创作热情。

一个伟人说过：“只有热爱自己的家乡，才能真正热爱自己的祖国。”幼儿正处于认识各种事物的初级阶段，亲近自然，用孩子特殊的好奇心去发现自然界中存在的美感，然后再用自己的理解，用美术的方式表达出来。

自然界中的植物、动物等都是美术创作的灵感来源，植物的静态、动物的动态都有自己独特的美。著名的美术作品梵高的《向日葵》的创作灵感便是来自大自然中静态的植物。亲近自然，才能更好地激发幼儿美术的创作热情。

2.开展主题活动，培养美术创新意识。

众所周知，雪花是白色的，在幼儿学习《七彩雪花》时，教师可以开展以“雪花”为主题的班级活动，让幼儿自主讨论探索雪花的构成，幼儿的思维没有被自然的现象禁锢，因此，幼儿画出的雪花有可能是紫色的、红色的、黄色的等等，还有的把雪花涂成五颜六色的。这样自由的创作，有效地激发了幼儿创作的创新意识。体会到创作的乐趣后，以后幼儿便能随时随地取材创作，为幼儿一生的美术兴趣奠定了一生的基础。

充分利用乡土资源进行幼儿园美术教育，能扩展幼儿的生活和学习的空间。生活处处是美术，从生活中体验接触大自然的乐趣，才能使幼儿体会到学习美术的乐趣。利用乡土资源，可以有效地激发幼儿创作的欲望，体会创作的乐趣，还可以教育幼儿随时随地取材，因材施教，培养幼儿对美术活动的兴趣，更能使幼儿产生对生活的认识。美术时时刻刻都围绕在我们的周围，只要你有一颗善于发现美的眼睛。

绘画研究结论范文范本篇七

茶艺文化中的核心是茶道，它主要是在讲述关于茶的一系列过程，并在其中灌输人们一种茶道精神。饮茶的人在品尝清香的茶水时，可以感悟到人生的真理，然后通过自我感悟来实现对自己的深化，对自我的完善。因此，茶道在茶艺文化中占据重要的地位。茶道在我国的历史十分久远，随着社会的变迁，人们与茶之间已经产生出一种意识上的交流，这样的交流我们称之为精神交流。人们追忆着传统的茶艺文化，并从味觉和视觉上共同感知，而后在身心上得到情感的释放。从茶道的行为方式中可以得知，中国古代的茶艺文化是具有一定的区域性质的，由于古代的茶代表的是一种文化精神的传播，则它与人们所处的环境和生活方式息息相关。茶艺文化通过饮茶的方式让参与其中的人们获取到不同的信息和经验，绘画作品将茶艺的精神从笔墨中渲染出来，并以艺术的方式将其转化为视觉上的记忆。笔、墨、纸、砚与茶艺文化重叠在一起，相互碰撞出艺术的光芒。茶艺文化将茶画融入进传统的精神文化，而茶画在宣纸上将其由感官变为视觉，在艺术的殿堂里多了一笔浓厚的中国韵。茶画作品之所以这么让人着迷，其原因在于它的背后有茶艺文化的支撑。传统的泼墨山水画只是在抒发自我的意识，而茶画却包含了哲学精神在内，这样的内涵让茶画覆盖上沉甸甸的古韵。茶艺文化通过绘画作品更加传奇地表现了出来，显示出中国人审美和情趣。

绘画研究结论范文范本篇八

匈牙利艺术社会史家阿诺德豪塞尔认为，每个历史时期各门艺术的发展并不是在同一个水平上，自18世纪以来，文学、绘画和音乐不再保持同一水平，音乐比文学落后得多；甚至同一门类的艺术发展也有不同，存在着不同程度差异，有的是“先进的”，有的则明显“落后的”。对于前者的差异，他归结为公众对艺术的兴趣的差别，更确切地说是“种种潮流之间的种种差别”，造成同一门类艺术发展不平衡的原因则是来自风格的变化，无论是源于趣味或风格，二者的根本变化皆源自某个社会阶层的兴起。他分析了艺术与社会的复杂关系：“社会是一种土壤，各种不同的文化进程在其中相互密切接触并向前发展。在社会的水平上，它们并不必然地展现出它们相互关系的全部内容或全部财富，但它们的确展现了那些能被最满意地简化为‘公分母’的特征。”豪塞尔提出的“公分母”这个比喻与俄罗斯语言学家罗曼雅各布森所说的“主因”很接近。在雅各布森看来，不同的艺术历史形态具有不同的“主因”（thedominant)，在某个时代的整体艺术中我们也可以找到一种主导成分。他认为，文艺复兴时期艺术的“主因”是造型艺术，因此一切艺术都以追求逼真的造型效果为目标；而浪漫主义艺术则把对音乐及其效果的崇拜作为这一时期所有艺术的宗旨；而本世纪的艺术，却把语言提高到了艺术的本体论高度。对于同一门类艺术来说，它的每个时期的主导成分也是发生变化的。他以诗歌为例谈到，诗的发展每个时期的主导因素不同，14世纪，诗的不可分的特征不是音节安排而是押韵；19世纪的现实主义诗，押韵不是必需的手段，相反音节安排成为一种强制性不可分割的成分；现代的自由诗体的必需成分变成了语调统一，语调成为了诗体的主导成分。依据俄国形式主义理论家尤蒂尼亚诺夫的看法，文学的系统由“中心”和“边缘”两个地带构成，这两个部分在永无止境地移动并更替着。“体裁从中心位移于周边,新的现象则从文学零碎、从它的荒僻和低级之处跃上中心的位置”輥輯訛，即使原来处于各种边缘地带的细小支流，起初不引人注意，但这种边缘的新现象终将不可避免地更替正统的中心，中心则成为周边。毫无疑问，蒂尼亚诺夫提出的这种演变现象在现代艺术体系中是存在的。从启蒙运动到19世纪中叶，现代艺术体系中的艺术门类之间随着时间的推移呈现出变化和更替的特点，处于主导与边缘地位的艺术种类不停发展更换，只不过，“这种更替存在于另一种意义上———主导潮流、主导体裁的更替”輥輰訛。至此，我们将结合现代性语境从两个层面讨论艺术体系与文化主因的关系变化特征：

（一）从模仿到实用。

诗歌是根据单词的组合方式所产生的愉悦和谐感来模仿，是通过想象力再现事物，“这更多的是对自然的创造而非对它们的描绘”輥輱訛；支持想象力和感觉的音乐在模仿的秩序中名列最后，因为“它局限于很少的形象”，发展至后来甚至只是一种语言。对于巴托来说，构成美的艺术的“单一原理”就是“模仿美的自然”。巴托虽也强调对自然的模仿，但他认为美的艺术的根本目的是为了引起愉悦的情感，更进一步，当人们对客体自然带来的过于统一的愉悦感到厌倦时，他们需要寻找新秩序以唤醒新的思想情感，激起新的趣味，“趣味是艺术的仲裁者”。这意味着，在巴托看来，美的艺术并不是模仿自然的常规状态，更不是追求对自然的最真实再现，而是强调既模仿自然却又打破自然的常规，要与真实自然拉开一定的距离，这样才能唤起新的审美体验。

如此看来，模仿自然的逼真程度只是巴托划定美的艺术边界的标准之一，同时还要与时代的趣味相一致。从今天的角度来看，似乎巴托更具有前瞻性，他的一些看法是与现代主义不谋而合的。至于巴托为何将建筑从美的艺术体系中排除，他开宗明义地说，他是根据艺术的用途划分艺术体系边界的。对于建筑来说，实用性是第一位的，其次才是它的结构和形式使人愉快，所以巴托在一开始就毫不犹豫地将它划给了美的艺术之外的第三种艺术。显而易见，无论是达朗贝尔还是巴托，他们划分艺术体系的门类的基本依据都是来自“模仿自然”的美学观念。事实上，受制于这种观念的不仅仅是他们两位理论家。艺术史家莱辛在《拉奥孔》中明确提出造型艺术与诗的区别之一是，美是造型艺术的最高律令，而真实是诗所追求的目标。由此他将现实中的丑以及不能引起快感的事物包括人物的激情都排除在造型艺术所能表现的主题之外。认为造型艺术不宜表现丑，但诗却可以表现丑。由此感慨“诗是更为宽广的艺术，它可以达到绘画所永远达不到的那种美”，“生活高出图画多么远，诗人在这里也高出画家多么远”，暗含诗优越于造型艺术的结论。

輥輲訛诚如朱光潜先生曾指出的，莱辛的诗与画探讨是从文艺摹仿自然这个基本信条出发的。根据美国艺术批评家克莱门特格林伯格（clementgreenberg）的分析，模仿原则甚至还影响着艺术门类之间的关系。在他看来，不管文学或艺术如何发展都会呈现强弱势之分，不同时期有不同的艺术形式占据统治地位，主导着其1他艺术的发展。他考察发现，绘画与雕塑为代表的视觉艺术超越其他艺术成为文艺复兴时期最高艺术典范。对此，英国文学家艾迪生曾发表过类似的见解：“我们一切感觉里最完美、最愉快的是视觉……我所谓‘想象或幻想的快乐’就指由看见的东西所产生的快感：或者是我们眼前确有这些东西，或者是凭绘画、雕像或描写等等在我们心灵上唤起了对这些东西的观念。”輥輳訛格林伯格还分析指出，当一门艺术被赋予支配性作用时，它就成为所有艺术的楷模，其他的艺术试图摆脱自己固有的特征去模仿它的效果，它们在努力获得主导艺术效果的过程中被迫否定了自身的性质。因为资产阶级把主要的创造性和活力都转向了文学，在启蒙运动期间，诗歌再次取得主导性地位，雕塑和绘画技巧已达到非常纯熟的程度对其他艺术效果极其敏感，竭尽全力来追求诗歌的效果，音乐虽也屈从于文学的主导但因为技巧和形式相对简略没有充分吸收其他艺术的效果。

法国大革命之后，作为一种最纯粹的艺术的音乐取代文学逐渐成为各门艺术追逐的样板。他还特别指出，自文艺复兴以来，一直存在着绘画和雕塑之争。在这期间有时是雕塑，有时是绘画处于领导地位，但没有哪一个能长期摆脱另一个的影响。关于艺术间的相互影响和渗透现象，事实上诗人波德莱尔就已敏锐发现了：“今天，每一种艺术都表现出侵犯邻居艺术的欲望，画家把音乐的声音变化引入绘画，雕塑家把色彩引入雕塑，文学家把造型手段引入文学……”18世纪后期，巴托用模仿理论来统合各种艺术的企图遭受到德国批评家以及部分历史学家的质疑和批评。我们知道，自康德以来，西方哲学经历了一个转变，即哲学思考的重点从对客体的关注转向了主体的思维和精神。从美学角度来说，掀起了浪漫主义感受的美学狂潮。比厄斯利提出，浪漫主义的最明显的特征是感受和情感享受的一个新的冲动，在浪漫主义的诗的观点中，模仿论被放到了一边或降居从属的地位，取而代之的是一种表现论。王尔德曾发出这样的感慨：“艺术除了表现它自身以外，不表现任何东西。”值得注意的是，现代艺术体系的出现和发展是与艺术和艺术家的地位不断升华有密切关系的。在古希腊罗马时期，艺术是奴隶和下层劳动人民的手工艺劳作，是被贵族和上层社会所蔑视的劳动技能。这一时期的艺术等同于技艺、技巧。

到了文艺复兴时期，自由的艺术与贵族关系密切，艺术成为贵族修养不可或缺的部分。“美的艺术”观念出现后，艺术逐渐与艺术家“天才”、“创造性”等特性联系起来。经由浪漫主义的酝酿，19世纪艺术家的政治、经济和社会地位都发生了彻底的变化。艺术家和他的艺术、艺术家与其他人的关系方面都面临新的问题。艺术告别贵族赞助，进入市场，画家面对的对象不再是资助人而是艺术市场。19世纪下半叶，艺术世界还发生了一场影响非凡的工艺美术运动。虽然这是对工业化反思的运动，但是也对现代艺术体系产生了影响。“工艺美术”的奠基人威廉莫里斯提出，艺术主要分为两个种类：“美的艺术”和“装饰的艺术”或工艺。由此可见，工艺美术在莫里斯看来已经可以与美的艺术相提并论。受到他的影响，奥地利艺术史家李格尔也开始批判艺术中的精英主义，通过研究装饰图案演变，提出装饰纹样不是模仿实际植物，而是为了装饰的目的本身，装饰与模仿自然根本无关：“总的来说，古代和中世纪的自然主义植物图案，从没有直接地模仿自然。”他还得出这样的结论：“装饰分为三维和两维两种类型，一般认为三维起于模仿，因而早于平面的二维装饰。但当平面装饰出现后，便可以脱离三维的模仿而进行真正的艺术创造了。脱离摹本而画出种种现实中并不存在的线条来。只有经过这一步，无穷的写实才有可能。从三维走向二维，就从自然的掣肘中摆脱出来，让形式的修饰和组合有了更多自由。”輥輶訛至此，李格尔不仅解构了统治一切的模仿说，而且艺术的高低贵贱之分也被他解构了———工艺美术与绘画、雕塑、建筑这些艺术具有同等的地位。

（二）从整合到分立。

如果说在早期现代主义文化中，艺术哲学和美学理论家们力图寻找一条适用于所有艺术的共同特性的话，在19世纪中期之后，这些理论尝试受到了质疑。有学者认为这种美学尝试实际上是在掩盖一种事实，即美的艺术的根本体系只不过是一种假设，它的大多数理论都是从特定的艺术，尤其是诗歌中抽绎出来的，或多或少不适用于其他艺术。在1958年发表的《传统美学是否基于一个错误？》一文中，肯尼克认为，传统美学和艺术哲学的第一个错误，就在于人们试图为所有不同的艺术寻求一种共同的特性。美的艺术的传统体系开始显现出土崩瓦解的迹象。这一转变与这一阶段文化转向自律特性是密不可分的。查尔斯泰勒曾这样说道：“卢梭是大量当代文化和自我探索的哲学起点，也是使自主的自由成为德性的关键这一信条的起点。他是现代文化转向更深刻的内在深度性和激进自律的出发点。”

輥輷訛19世纪中叶到20世纪中期，启蒙现代性及其工具理性越来越深入到社会生活的各个层面，社会的分化进一步加剧。“现代社会的特征不再是统一的意识形态，而是一个由诸多自主的‘领域’和彼此竞争的价值所构成的网络。现代世界的这种‘去中心化’意味着每个领域及其活动都是依据它的内在价值来评判的（比如，艺术作品必须依据来自美学领域而非经济或政治领域的标准来评判）。”輦輮訛随着分化的出现，艺术慢慢形成了一个独立的领域，艺术的合理性证明不再需要到宗教甚至伦理学中去寻找根据，审美价值成为判断艺术品的合法化根据，现代艺术逐渐获得了自身的合法性。另一方面，科技的进步发展催生了新的艺术形态如摄影和电影，也给艺术带来空前的挑战。现代主义艺术家面临探索各门艺术的存在方式和根据的问题，亦即极力探索一门艺术不同于其他艺术独特的`本体论特征。

格林伯格认为现代主义要恢复艺术的自主存在，它首先要证明审美经验来自艺术自身，而不是艺术之外，所以，现代主义艺术通过自我批判回到各门艺术本身：“每门艺术都为了自身的缘故而进行了这样的证明，这类证明表现表明的东西不仅在一般艺术中是独特的不可化约的，甚至在每一门特殊的艺术中也同样如此。每门艺术都不得不通过自己特有的东西来确定非它莫属的效果。显然，这样做就缩小了该艺术的涵盖范围，但它同时也更安全地占据了这一领域。”輦輯訛格林伯格将这一过程称为艺术追求纯粹性的过程，也是向绘画本体复归的过程。关于艺术追求纯粹性，新维也纳学派理论家汉斯泽德迈尔也有着独特的分析。他认为，绘画、雕塑、建筑、园艺和装饰在古典艺术中是作为整体的一个部分而存在，在艺术追求自主进程中，各种不同的艺术开始相互分离走向独立，都力图把自己完整的纯粹性展现出来。所谓纯粹性，“也就是一种艺术形式独一无二的特征，它是把其他艺术要素排除之后所得到的结果”。他认为，现代主义艺术正是通过这种自觉的分离———排除性，使得艺术独特性突显出来：园林艺术，为了实现它自身的“纯粹”形式，它将所有与建筑和雕塑相关的元素都排除了……在建筑中也呈现出一种倾向，即将一切与人有关的元素、一切与雕塑和绘画有关的元素都排除出去，而这些元素在巴洛克风格中是彼此融合的。

最后，建筑将色彩以及不同风格的柱子（它们是构成文艺复兴时期建筑的基本元素）也排除在外，如此一来，这种艺术骄傲地宣称了自身的独立……雕塑从其自身排除了一切与绘画有关的元素，然后退回到它自己的领地之内……如今的雕塑抵制着绘画和雕饰的元素，单纯由线条勾勒而成、形式朴素简洁、严谨……在三维、线条以及色彩的元素被排除之后，紧随着这一趋势的还有其它的倾向，它们弱化甚至消解了建筑的元素。輦輰訛简言之，进入现代主义阶段，现代艺术体系已告别各个门类相互影响、相互作用，转向关心每一门艺术自身的独特性，各门艺术自分自立，互相划清界限在各自的领域安全地运行着。随着艺术门类相互区分的发展，艺术种类的总体风格特征成为艺术家关注的对象。

二、艺术体系与艺术世界。

如果说在现代主义的文化中，大部分艺术转向自律追求自主，先锋派艺术采取了一条和资本主义日常生活划清界限的发展道路，在20世纪60年代以后，西方的艺术出现了一系列的变化，绘画艺术走向衰落，代之以各类概念艺术、表演艺术、装置艺术等等新的艺术形式。最明显的一个变化是，传统艺术观念遭受空前挑战，艺术与非艺术的界限逐渐消失了，艺术不再和生活保持距离，而是和生活融为一体，比如艺术家史密森的《螺旋形防波堤》、克里斯托的《奔腾的围栏》、沃霍尔的《布里奥盒子》（brillocar－ton）和劳申伯格的《床》（bed）。更有甚者，诸如粪便、废弃物也都可以成为艺术品，还被著名的美术馆收藏，类似的现象真是蔚为壮观。英国文学批评家约翰凯里他建议人们，对于“什么是艺术品？”的问题，最好通过“什么不是艺术品？”的问题来回答。正如塔塔基维兹写道的：“古代的艺术概念清晰并得到了很好的界定，但是，它又与今天的要求不相适应。它已成为一种历史遗迹。现代的艺术概念原则上可以为人们接受，但是，其边界又似乎变得极为模糊不清。”

輦輱訛艺术与非艺术之间的人为的界限逐渐消失了，启蒙时期构建起来的美的艺术体系在后现代主义时期彻底走向终结。不过在笔者看来，终结的是艺术体系的构架形式，随着理论家对“何为艺术”的思考转向到“何以成为艺术”，艺术体系的精神被纳入到更广阔的背景———艺术世界体系中。对当前艺术现象最快作出反应的是阿瑟丹托。他在捕捉沃霍尔的《布里奥盒子》（brillocarton）和劳申伯格的《床》（bed）等作品所反映的当代艺术发展后，在1964年发表的论文《艺术世界》（theartworld）这样写道：“把某物看作是艺术需要某种眼睛无法看到的东西———一种艺术理论的氛围，一种艺术史知识：这就是艺术世界。”輦輲訛这意味着，在丹托看来，把某种东西视为艺术仅仅需要两个要素即一种艺术理论的氛围和一种艺术史的知识即艺术界。最终使生活物品布里奥盒子和艺术品《布里奥盒子》区别开来的是某种理论，该理论把生活物品带入到艺术的世界之中，使它不会沦为原本所代表的真实物品。简而言之，艺术是这样一种东西，它依靠理论而存在，正是艺术理论的作用使艺术界乃至艺术成为可能，决定某物是艺术品和某物不是艺术品的权力不是掌握在艺术作品自身，也不是艺术家，而是观众。然而，我们要清醒地认识到，丹托所确定的观众是来自艺术界里一小部分懂得艺术的行家。受到丹托“艺术界”理论的启发，乔治迪基把整个艺术界看作是授予物品艺术地位的一种环境制度，艺术品在这种社会制度中有着自己的位置。他的中心论断是，一件物品是否被界定为艺术取决于艺术界的核心成员。他指出“艺术世界是若干系统的集合,它包括戏剧、绘画、雕塑、文学、音乐等等。每一个系统都形成一种制度环境，赋予物品艺术地位的活动就在其中进行……艺术世界的中坚力量是一批组织松散的却又互相联系的人,这批人包括艺术家（画家、作家、作曲家之类）、报纸记者、各种刊物上的批评家、艺术史学家、文艺理论家、美学家等等。

就是这些人,使艺术世界的机器不停地运转，并得以继续生存。”輦輳訛根据迪基的看法，艺术门类既受制于自身艺术系统的规则，还受到艺术界其他因素如艺术家的艺术实践、美术馆主、艺术评论家、艺术史学家、艺术哲学家等不同角色的影响。美国社会学家贝克对“艺术世界”概念作了社会学的界说：“艺术世界由所有这些人组成，他们的活动对于被艺术界或其他领域定义为艺术的特殊作品的生产是必要的。通过参照惯例性的理解体系———这一体系会在常规和频繁使用的人工制品中体现出来———艺术世界的成员协调活动，生产出作品。他们经常会反复地，甚至习惯地用类似的方式合作，生产类似的产品。如此看来，我们可以把艺术界看成参与者之间确定的合作关系网……从这个视角看，艺术品并非个别创造者，即拥有罕见而特殊天分的‘艺术家’的产品，而是所有这些人合作的产物———他们通过艺术界特殊的惯例来合作，以产生作品。”輦輴訛从丹托提出艺术世界的概念，迪基将其具体化，再到贝克从社会学上作出解释，我们大致可以看出，艺术世界作为一个描述艺术活动结构的总体概念，揭示了艺术品何以成为艺术品的条件。无论哪一种艺术理论的氛围或是艺术史知识、社会制度还是参与者的合作关系网，方式不一，却都是殊途同归———为艺术品命名，授予物品艺术地位。现代艺术体系的正式确立之初是基于对美的思考和追求，这为探讨艺术门类的相互关系奠定了基础，启蒙追求统一性的精神影响了理论家将艺术门类视为一个整体。在工艺美术运动之下，美的艺术体系一统天下的状况有所突破，现代艺术体系与工艺美术“平分秋色”。随着现代性的分化，打破了艺术原有的整合之状，各门艺术纷纷独立“各自为营”。在西方发达国家进入信息社会和消费社会的大背景之下，随着波普艺术、大地艺术、欧普艺术等新形式艺术的出现，“何以成为艺术”成为理论家探索的重点，由此也将艺术的命名也从“体系”拓展为“世界”，这一命名转变在后现代主义消费社会的土壤中生发似乎是一种必然。

绘画研究结论范文范本篇九

摘要：文章从文化学的视域出发，以服饰是文化符号中的非语言类符号：艺术符号为基础，分析中国武术服饰作为艺术符号所具有的外在形态性和内在表意性的双重象征性意义。基于文化符号象征的视角，文章运用文献资料和归纳法，从武术服饰的形态性与表意性相统一的象征意义出发，研究武术服饰的外在形态象征性，即：意识形态的物化与自然生态和谐的象征；与非意识形态物化的标识性“品牌”象征。此外，它的内在表意性为：审美意象非理性符号的“表魅”象征，勾勒传统与现代服饰人文情结的象征，创造者与受众者的生命情感象征。通过对武术服饰艺术的文化符号的象征意义研究，有利于对武术文化进行更深远的解读。

关键词：武术服饰；艺术符号；象征。

武术的各大门派、拳种套路，共同组成了中华武术，其中每个门派、每种拳种都有其自身的生活信念、价值取向、文化传统和现实创造，中国武术服饰的艺术性实际上就是不同套路中身体技术特色的文化符号象征。每一种武术套路的服饰，既是一种符号，又是一个自成一体的符号系统。它的生成、积淀、延续，都与人类文化生活的各种形式———宗教、历史、语言、艺术、科学的发展有关。每一种武术套路服饰的生成，都是这个武术套路精神、文化发展的一部史诗。通过对武术服饰作为艺术符号的象征性研究，管窥武术文化的艺术人文内涵，透视人类的艺术审美情趣、不同时期的文化情结，抑或是不同文化所表达的生命情感特征。

绘画研究结论范文范本篇十

茶水的流动性与我们的味觉形成一种奇妙的感官表现，这就是茶文化艺术里的书画表达的中心思想。绘画元素在其中作为穿针引线的作用，一方面它解释了一种“回归性”的道理，另一方面它是绘画作品里必须出现的事物。就如同原本是植物的茶叶在一系列的操作之后被制成液态的精华，等待着人们来品尝；而墨在宣纸上蒸发后留下的痕迹，这是它的属性。绘画元素的道理也一样，它的出现可以丰富画面，强调出一种形式美感，从而利于人们后期对画作的分析与欣赏。绘画元素在茶艺文化里的另一种应用在于抒发出当时人们的精神，描绘出当时的生活环境和意识形态。

唐代的名画《调琴啜茗图卷》描绘了十二个女人聚在一起饮茶的盛况，她们以茶海为中心，有的站着，有的坐着。茶海中有一只很长的茶勺，方便女人们舀茶入碗。图中女人们的动作都不一样，有的正在品茶，有的在与对面的女子谈天说地，还有弹琴吹箫的女子。画中的女人丰满而有韵味，身上的衣服颜色鲜亮明快，艳而不俗。衣服的细节刻画精致，上面都描绘有大量繁缛华丽的雕纹。这个时候传统的襦裙已经吸收了来自国外大多数的文化而演化出了唐朝的袒胸装，这个衣服上衣是传统的短小襦的样式，下身为十分宽松的长裙，长裙最高系在了腋下，中间用丝巾打结，脖子到胸口的肌肤基本都裸露在外，穿衣十分开放。茶艺文化在这样的气氛中极具唐朝的特色，在国家的物力和财力都十分强大时，妇女们的神态怡然自得，生活也过的开心满足。在画中她们欢笑，品茶都被画家描绘的栩栩如生。唐代的斗茶图风格以色彩浓艳、复杂为主，具有雍容华贵之感；这样的效果是由于吸收了外来的思想和文化，并结合了中国古代的神话思想后引进了现实的生活之中。唐朝的中国国力强盛，很多外来民族慕名而来，为我国带来了他国的文化艺术，因此人们受其影响，思想得到了很大的解放并开始前所未有的突破。人们在吸取外来文化的同时，自己不断地琢磨和创新，将艺术推上一个至高点。斗茶图很好地阐述了我国唐代时期的服装演变、风格的多样，并展示了唐朝当时的审美观、文化观、绘画技巧以及人物的形象特征。唐朝在我国封建历史上是一段辉煌的时期，政治稳定、经济繁荣、文化富裕、四夷宾服、万邦来朝。作为世界文化、艺术交流的中心，唐朝的绘画、音乐、诗词等艺术都对国外的风格、文化进行了汲取，加上我国独有的茶艺文化，也让不少外来国度的人慕名而来。茶艺文化中的绘画艺术在一定程度上反映了当时朝代的历史文化以及朝代的发展变迁，说明了当时社会上越来越丰富的物质生活，越来越物质化的心理。

绘画研究结论范文范本篇十一

摘要：美术鉴赏课教学，是提高大学生文化素养的重要渠道。要上好美术鉴赏课，必须做好以下四个方面的工作：旁征博引清概念；提纲挈领抓重点；明史通论重直观；厚积薄发抒己见。

关键词：美术鉴赏课教学；概念；重点；直观。

如何上好美术鉴赏选修课，笔者总结多年教学经验，有以下四个方面的体会：

一、旁征博引清概念。

对于一门课程，明确概念，理清思路，是课程建设的首要问题。作为老师，必须教学目的明确，重点难点清晰；作为学生，必须在老师的指导下，明确“美术”和“鉴赏”的概念，了解“美术鉴赏”的基本特征，知晓“鉴赏”与“史论”、“鉴赏”与“欣赏”的区别，等等。在非美术专业的大学生中常出现“打体育”、“唱音乐”、“画美术”等类似的语病。这些语病的出现就是因为概念不清造成的。

有人会说，那些概念，很多教科书上已经谈过，老师不必担心学生概念不清的问题。但是由于每个学生的知识层面和个体理解能力不同，教科书中涉及到的概念，未必所有学生都能弄清楚。也就是说，要弄清概念，光靠课本还不行，还要求老师去做一些“旁征博引”的工作。

“旁征博引”的工作，要从两个方面去做，一是学生，二是老师，而关键是老师的引导。在备课时老师首先要了解学生，要考虑到课文中有哪些学生不易弄清的概念，对此先有一个预测，尽量多查一些资料，让学生在弄清概念的基础上，学到的知识能更丰富一些。比如关于“美术起源”问题。在美术鉴赏教材中，都是只讲了“美术起源于劳动”，不曾论及其他观点。“美术起源于劳动”只是众多美术起源说之一，即是现代视觉文化中普遍认为的“马克思主义起源说”。其实在马克思主义之前西方就已有了“摹仿说”、“巫术说”和“游戏说”。这三种学说，虽然各有一定道理，但它们只是谈到了艺术存在的“后天”因素，而忽略了艺术产生的更根本的原因――人类的起源和发展。“艺术起源于劳动”的观点恰好解决了这一问题。它不仅谈到了艺术与劳动的关系，还涉及到了艺术与人脑机能、艺术活动与人体机能的相互作用及相互促进的关系。这样一来，学生很容易认识到“美术产生于劳动”是艺术发生学说中最科学、最有说服力的一种学说。

尽管旁征博引有扩大知识面和弄清概念的特点，但旁征博引并不是漫无边际或面面俱到，而是主要针对那些与课文内容联系紧密、学生比较关心或老师意欲解决的概念。比如，讲意大利文艺复兴时期的美术，主要介绍一下“人文主义”；讲鲁本斯主要介绍一下“罗可可”艺术风格的基本特征及影响；讲宋、元绘画主要介绍一下“文人画”的产生及发展；等等。

二、提纲挈领抓重点。

所谓提纲挈领抓重点，就是在有限的时间里通晓系统的美术理论，以课本知识系统为线索，紧紧抓住课本知识重点这个“重中之重”。

美术一般包括“绘画、雕塑、建筑和工艺”。在人类美术发展史上，各个时期大都存在这四种美术样式，然而每个时期这四种美术样式的发展则是不平衡的，于是便出现了每个历史时期都有一个代表性的美术样式。比如，新石器时期以“彩陶”为代表，先秦时期以“青铜器”为代表，唐代以“人物画”为代表，宋、元时期以“山水画”为代表，明清时期以“花鸟写意画”为代表。而每一个代表性的美术样式中又有着核心的美术作品、美术家及美术流派。如青铜艺术的代表作品有《司母戊方鼎》、《立鹤方壶》，秦、汉雕塑艺术的代表作品是《秦陵兵马俑》和《霍去病墓雕刻》，唐代的人物画代表作品是闫立本的《步辇图》、《历代帝王图》及周的《簪花仕女图》,等等。

如果每一个时期只着重介绍一两个美术样式或作品，势必使前后的内容变得支离破碎，互不相连。因此，我们在“抓重点”的同时，必须将其建立在“提纲挈领”的基础上。在美术鉴赏课程中，“提纲挈领”主要表现在每一章的“概述”或每一课程内容前的提示或总论中。凡概述、总论中的内容，老师不仅要逐字逐句地分析、串连和讲述，还要结合实际作品及美术家，使整个章节内容贯穿一气。概述就像一条线，每个内容的重点就像穿在线上的珠子。“提纲挈领抓重点”就是使线穿珠而过，珠不离线，线不离珠。只有这样，整个教学过程才显得有血有肉，有条不紊，谨“毛”而不失“貌”。在概述中重点讲解内容的联系性，分讲时重点突出它的时代特征及个性。

抓重点并不是孤立抓一点，而是要力求抓一点带一片。比如我们把清代的石涛及其作品作为鉴赏的重点，从而联系到、弘仁、髡残的绘画及其创作思想，以清初“四王”保守派绘画来反衬石涛的大胆革新精神，以扬州八怪的艺术风格来论及石涛绘画对后世的影响。如此这般，由此及彼，由表及里，以点带面，点面结合，既使重点鲜明突出，又避免了单调乏味，而且还给人一种“疏而不漏”的感觉。

三、明史通论重直观。

美术是一种视觉艺术。美术创作不单单是为了摹仿客观形象，而且是无时不在地创造新的视觉形式美。社会在发展，时代在前进，视觉形式也在不断地翻新，而这种翻新无形中又打上了时代的烙印。所以说，作为一位美术鉴赏者，对美术作品的直观认识是极其重要的。

“明史通论”就是明晰社会、美术的发展历史和通晓各个时期的美术理论。明史通论是我们准确把握各代美术作品视觉直观印象的最好办法。秦陵兵马俑被国际友人称为“二十世纪最伟大的考古发现”。数以千计的大型陶俑构成一个完整而威武壮观的军阵图。它给人的这一“气势宏大”的直观印象，正是秦王朝生气勃勃、不可一世历史的艺术再现。对唐、宋、元三代的艺术，后人曾做出“唐尚法、宋尚意、元尚趣”的理论总结和评述。唐尚法主要表现在“理法”、“法度”和“技法”三个方面。宋尚意主要表现在“意境”、“理意”和“诗意”上。如果说唐代的绘画多突出在“外功”上，而宋代绘画则多突出在“内功”上。元尚趣主要表现在三个方面：“意趣”、“情趣”和“墨趣”。以山水画而论，吴道子及荆、关、董、巨是“尚法”的代表，文同、苏轼及“南宋四家”是“尚意”的代表，“元四家”是“尚趣”的代表。以上事例说明，明史通论不仅能使人们很快地把握对各代美术的直观认识，而且还能使人们的直观把握更加深刻而准确。

古人在对美术的直观把握上，曾总结了许多有益的经验。有人从风格上把握不同的直观，如“黄家富贵，徐熙野逸”；有人从衣纹勾勒上显示不同的直观，如“雀爪郭熙，拖技马远”。

四、厚积薄发抒已见。

美术鉴赏与美术欣赏的不同之处，在于鉴赏有鉴别和欣赏的意思，欣赏一般不具有鉴别的意思。就是说，“鉴赏”是人们带着一种科学、审慎的态度来对美术作品进行观赏。“欣赏”乃是人们带有一种肯定、赞誉的态度来对美术作品进行观赏。鉴赏与欣赏的区别在于能否对美术作品抒发个人见解上。大学生一般已进入成年人阶段，世界观已经形成，有了一定的知识面和思考能力。对美术作品或史论表示一些个人见解则是大学生“美术鉴赏”选修课中不容忽视的一环。

所谓“抒已见”就是让学生谈个人看法，这种看法必须是自己的真情实感，既能符合历史实际和言之成理，而又不同于他人的观点。

中国素质教育要改变那种“被动式”的教育模式，学生从小学知识，往往不是主动获得，而是被动获得，久而久之，使学生形成一种思想，即凡是课本上的都是正确的，不可改变。这种思想对抒发个人见解极为不利。当我们讲授美术鉴赏选修课时，要尽力扭转学生的这种观念，使他们认识到，书本里的观点和思想只是编著者个人的见解，当然也有可能缺乏正确性或全面性。美术鉴赏又是一种特殊的意识活动，对同一问题或事物有不同认识也是正常的；只有敢于否定才能敢于肯定。这样一来，学生的思想就会马上活跃起来，他们的个人见解也往往由此而产生了。

“个人见解”不是“妄发议论”，这是让学生们必须理解的第二个问题。当学生提出某一见解时，老师要反问他：你的认识与别人有什么不同，你为什么要提出这一观点，你准备用什么样的事例和论证让人们同意你的观点?当然这种反问不是泼冷水，而是为促使学生更深入地阅读课文，去丰富自己的知识，去查阅资料和进行深入的思考。要使学生懂得，“厚积”是“薄发”的基础，只有“厚积薄发的见解”才是有意义、有价值和有说服力的。

绘画研究结论范文范本篇十二

喜欢什么？想做什么？都是源于兴趣当然兴趣有天赋的因素，但更重要的还是后天的培养，当孩子对绘画产生兴趣之初，大多出于好奇，如果过了好奇的时机而不去巩固，那就没有兴致画了，因此，应该让幼儿先动手画一些非常简单而又有趣的画，而且要对初学画画的儿童进行正面引导，采取多表扬，鼓励的方法让幼儿把兴趣持续下去，启发他们如果在某处改进一下，下次一定比这次画的更好这样做可以使幼儿在潜意识中产生牢固的自信心，因为心理因素是很重要的自信心是一个人对自身力量和自我价值的正确认识、体验和充分估价自信心对幼儿的思想情感和行为起着调节作用。

画过画的人都知道，画画是一种视觉艺术活动，不管是临摹、写生或创作都是观察后才能进行的，观察能力强的人，对所画作品的敏锐程度也强，反之，观察能力较差的人，他的作品就不能表现出事物的逼真性。大同小异，幼儿绘画也需要有一定的观察能力，也要把握客体的形状、大小、各部分的比例关系，这就需要他对客观事物作细致的观察，不仅要注意事物的整体，还要注意事物的各个部分、各个细节，多发现比较事物之间的不同。有一次，我给幼儿描述了一幅美丽的田园风光，要求幼儿根据我的描述画一幅画，幼儿的作品表现的非常生动、美丽。画的田野，随层而变，远处的朦胧用浅色，近处的颜色较明亮、鲜艳。大树也逐层而变，内圈深绿，中间浅绿，外层黄绿，层次鲜明。那位小朋友告诉我，内层绿色是因为树叶长的多，越往外树叶长的越少，阳光照射树叶就是黄色的。瞧！观察的多仔细，多有趣啊！作为老师，应该在观察方面多指导，以提高其观察的敏锐度。在提供绘画的客体时，尽量少用仿制品，而要让幼儿对着实体绘画，要多看看大自然。还是画大树，教师首先引导他们去观察大树，在观察的时候还要提示其特点：比比树干什么形状？树冠什么形状？各是什么颜色，再具体点，叶子什么形状，这样就能促使他们有兴趣的去观察，从而把大树的形象牢牢记在脑子里。只有这样，才能达到培养观察力的最佳效果，做到“下笔如有数”。

想象是智慧的翅膀，是一切发明、创造的源泉，应大力鼓励幼儿把自己的想象表现出来。进行绘画课时，我都将背景空出来，鼓励幼儿自由想象添画，并强调添画和别人不一样的背景，构成不同的情节，幼儿的作品往往内容丰富，不拘一格，充满想象。因此，培养幼儿想象力关键的一点就是给幼儿足够的空间，自由发挥。有一次，我发现班级的一位家长对他儿子的画非常不理解，并说：“我花钱买纸、买笔，就是让你瞎画吗？”我看了那位幼儿的画，整幅画面五颜六色，初看是显的乱，但深入的看下去，不难发现构图的新颖和用色的大胆。其实这正表现了孩子与其自身身心发展水平相适应的创造性。幼儿园和家庭都要为发展这种创造性提供条件，让它更好的发展。对于孩子一些创造性的问题和想法，教师和家长都要予以鼓励，促使他们“标新立异”，提问是孩子积累知识，发展思维的重要途径，所以成人要鼓励孩子对习以为常的现象和已被普遍接受的结论持怀疑态度，勇于提出自己不同的意见和想法，对孩子新颖独特的想法要给予赞赏；想的幼稚或是提错了，也不要简单否定，而要耐心的告诉他错在哪，应该怎样正确的提问和回答。

个性是普遍存在的，是推动社会向前发展的不可忽视的因素。我认为教育不是为了使教育对象逐步消除个性，成为只知接受的机器人，而是通过学习更好的发挥个性的作用，使他们具有创造精神，成为能适应和推动现在生活的未来的主力军。学前期是幼儿个性初步形成时期，因此注重幼儿个性培养有着重要意义。美国心理专家马尔兹认为，绝大部分自我信念都是根据过去的经验、成功与规定，屈辱与胜利以及他人对自己的反应，特别是根据童年的经验而不自觉的形成的。“成功型”和“失败型”个性一旦形成定势，将对人整个一生发生很大的影响。教师应该创造一个用孩子能充分表现自己能力和体验成功的欢乐的环境。绘画活动能让孩子在其中充分表现自己，每个人都可能找到表现自己的位置，去享受胜利的欢乐和成功的乐趣。同时孩子能充分放松自己，心情愉快，无拘无束，教师应多为孩子们展现自己的才能创造条件。创造成功环境的同时，还要经常给予积极的肯定，奥运会有句著名的口号“重在参与”，只要孩子认真参与了，我们就要给予肯定，使他们经常处于一种良好的精神状态之中，并为下次的努力鼓足劲。人都有追求目标的天性，一旦失去了自己感兴趣的目标，就会觉的迷失了方向。绘画活动中尤其注重循序渐进、由浅入深，孩子在追求目标的同时将自己的意识毫无保留的展现出来，描绘出发自内心的美妙图画，为孩子们的个性培养打下基础。

在培养了以上几个方面的能力的同时，老师还要善于利用时机，引导幼儿在实际感受的基础上去理解词语，并自如地加以表达。例如，带领幼儿在冬天观察雪景，可以将“寒风刺骨”、“白茫茫的”、“大雪纷飞”等词汇教给幼儿。教师可以在训练中引导幼儿去讲解自己的绘画作品。讲解的过程其实就是训练幼儿口语能力的过程。此外，教师还可以有目的的引导幼儿去评议绘画作品。教师可让幼儿先观察画面，并提出评议要求，然后让幼儿说说哪些好，哪些差，为什么？然后教师再引导幼儿把多种评议组合起来，组成连贯的句子，这样既加深了幼儿对绘画过程的理解，又发展了幼儿的口语表达能力。

总之绘画活动对幼儿想象力、观察力、语言表达能力以及幼儿良好个性、自信心的培养和发展具有无法估量的意义。

绘画研究结论范文范本篇十三

摘要：中国文化源远流长，茶艺文化是传统文化里的一块瑰宝；与茶艺文化一同发展的绘画艺术，反映出我国的茶文化在各个时代人们心目中的地位。中国的绘画作品里，有很多都是以茶为题材，在博物馆珍藏的绘画作品中都生动地记载了当时人们的生活习惯，饮茶时刻。茶艺文化中我们能感受到绘画艺术的魅力，也在绘画作品中体会茶艺文化的精髓。本文将从茶艺文化中细细品位绘画艺术带来的视觉之美。

绘画艺术可以在侧面反映出茶文化的发展，还能在画作中感受到当时人们饮茶的风气。所以，茶艺文化中的绘画作品一直以来都是我国艺术殿堂里的一块瑰宝，并占据了显著的地位。在历朝历代的绘画作品中，我们可以感受到中国的经济在发展，茶艺文化也随着而改变，但不变的是茶艺文化的美始终贯穿于我国的传统文化里。

绘画研究结论范文范本篇十四

随着多媒体时代的不断发展，在社会高速发展、科技高度发达的今天，图像艺术的划时代意义更为明显。美术鉴赏、图像解读逐渐发展成社会生活不可缺少的重要部分，如户外视频广告、电脑屏幕上的图像等，这些内容的出现都意味着对图像的解读应成为每个人必备的素质。在美术教学过程中，部分教师没有充分认识到美术鉴赏能力的重要性，教学内容、教学模式、教学方法较为单一，难以激发学生的美术学习兴趣，不利于提高学生的整体鉴赏能力。据笔者了解，对图像的研究主要包括前图像、图像志和图像学三个层次。其中，前图像阶段是从应用角度对画面进行分析，这就要求学习者既要理解作品的基础含义，又要掌握深入分析作品的能力。目前，美术教学在图形解读这一模块存在一些误区。第一，一些师生没有认识到图像具有深刻性和复杂性。在美术教学过程中，一些教师往往要求学生凭直觉描述美术作品，而学生所用词语往往为“好看”“色彩鲜艳”等，这就进入了“重欣赏、轻解读”的误区。有学者认为，我们的观看只是停留在观看阶段，被动地接受视觉图像，并没有深入分析图像背后的许多东西。与简单的“看”相反，我们需要主动地辨析图像世界，摒弃直观描述与评价的习惯。在欣赏一幅作品时，不能就画论画，而应和大师进行心灵的对话。第二，“重图式、轻内涵”。一些师生对图像的解读侧重对形式的描述，忽略了对形式的分析。仅仅从图式上欣赏作品，并不能透过作品表面分析、探究其深层含义。笔者认为，由于图像本身具有较强的多义性，“重图式、轻内涵”难以理解作品的真正含义。

二、图像解读的过程与意义。

三、如何在美术教学中培养学生的图像解读能力。

1.选取经典的艺术作品，运用图像解读法分析作品。第一，形式主义分析法，包括形式五要素的分析：线条的节奏、面、空间等。一般来讲，分析艺术作品时，可以运用形式五要素进行对比分析，如古典主义大师和现代派艺术大师笔下的静物有何不同。此外，除五要素之外的形式要素也要需感知。如，通过罗丹的《吻》研究画面肌理，通过杜尚的《走下楼梯的裸女》分析时间和运动概念，通过拉斐尔的《西斯廷圣母》分析空间透视。值得注意的是，形式分析与形式描述不同，形式分析往往基于形式描述，先对艺术作品进行形式描述，然后对艺术作品的含义进行分析。第二，风格学。图像解读能力的培养依赖于对大量不同风格艺术作品的鉴赏。教师可选取文艺复兴和巴洛克时期的作品，对不同时期绘画的风格进行讨论、分析，选取典型的代表作进行研究。第三，图像学。图像学的重点研究对象可以是《阿尔诺芬尼夫妇像》，弄清前图像、图像志和图像学三个阶段的意义、内涵及界定，并重点分析图像学背后的深层含义和独特内涵。第四，精神分析法。运用精神分析法，可以选用米开朗琪罗的《摩西像》来解读，并通过达利的《记忆的永恒》作进一步详细阐述，包括个人梦境、幻觉与艺术之间的关系。2.丰富教学手段，激发学生兴趣。为了激发学生的美术鉴赏兴趣，教师可以改变以往单一的教学模式，充分利用多媒体教学设备，使图像展示更加直观、形象。教师可以将写实与象征紧密结合，激发学生的想象力，通过有效利用多媒体，充分展现艺术作品的自然属性和独特内涵，从而既提高学生的想象力、鉴赏能力，又提高其美术专业技能。如，在学习《建筑艺术欣赏》一课时，教师可以制作ppt课件，利用多媒体向学生展示动态化的图像，让学生感受到各地建筑不同的特色、不同的美等，进而提高学生的鉴赏能力和审美意识，真正发挥美术教学的作用。3.创新美术教学视听结合的方式。在以往的美术教学过程中，一些教师往往忽视学生的主体地位，一味地向学生灌输知识，而学生往往被动地接受，从而导致美术学习的整体过程较为枯燥，学生可能失去美术学习的兴趣。因此，要充分调动学生美术学习的积极性，教师应该创新教学方式，在教学过程中实现音乐、影像的完美结合，引发学生视觉和听觉的共鸣，不断提升学生的视觉素养和听觉素养，以取得良好的鉴赏效果。如，在讲解《伏尔加河上的纤夫》时，教师除了利用多媒体课件展示图片，还可以融入具有当地特色的民族音乐，为学生创造良好的美术鉴赏、图像解读的氛围，让他们充分感受纤夫生活的辛酸与艰苦，并分析艺术家高超的表现手法。这种视听结合的方式可以激发学生的图像解读兴趣，音乐与图像的紧密结合加上图像解读过程中想象力的充分发挥，不仅能提高学生的审美能力，也能为美术教学效果的优化提供充分保障。4.将图像解读生活化。学生图像解读能力的培养，与教师的图像解读能力密切相关，所以提高教师的图像解读能力是当务之急。教师应不断丰完善自身的知识体系，扎实掌握美术专业基本功。此外，教师要善于将图像解读生活化，减少烦琐的学习内容，使学生在实际情境中学会解读、学会鉴赏、学会分析。如，在讲解《美丽的校园》一课时，让学生抒发对校园的切实感受，再将感受与绘画技巧相联系，将其转变为简单的绘画方式，这样可以获得事半功倍的效果。

读图时代的到来对美术教学提出了更高的要求。在现阶段的美术教学过程中，教师可以将图像解读与教学情境充分融合，将图像解读、美术鉴赏生活化，激发学生的鉴赏兴趣，从而培养出一批批德、智、体、美全面发展的优秀人才。

参考文献：

[1]白锦秋.高中美术鉴赏教学中学生视觉识读能力的培养研究.广西师范大学硕士学位论文，2016.

[2]张婷.小学美术教学中图像感受能力培养的实践探索.山东师范大学硕士学位论文，2013.

[3]谢汝强.“读图能力”培养与高中美术鉴赏教学研究.山东师范大学硕士学位论文，2013.

[4]王亚娟.图像与文字相结合的美术教学初探.首都师范大学硕士学位论文，2012.

绘画研究结论范文范本篇十五

一、早期书写的意义。

语言文字是人类的交际工具、思维武器。人们借助语言文字交流思想，互相了解。人类文化借助语言文字得到传递和积累。个人依靠语言文字接受教育，得以成长，社会依靠语言文字使文化代代相传，从而不断地向前发展。从中国传统文化而言，历代教育十分注重书法的操练和培训，当时书法教育曾培养出一些书法名家，留下了令人折服的书法和精品。写字教学长期以来受到有关专家、校长、教师的关注和重视。而在幼儿期，特别是小班年龄，能否应用现代教育手段，培养幼儿的写字兴趣呢?我认为，3岁左右的孩子口头语言正在迅速发展，通过倾听成人朗读书本上的文学作品，他们逐渐理解口头发出的声音与纸上的字形之间有密切关系，在日常生活他们会有意无意地认识许多文字，与此同时，这个年龄的幼儿手指肌肉正处在迅速发育阶段，如果成人能有意识地引导幼儿对书写发生兴趣并尝试着让幼儿在纸上画一画、写一写，则对幼儿观察、认知能力的发展有着不容忽视的非常积极的作用。

二、书写教学中产生的疑问。

三、书写教学中的一些做法。

问题的不断产生使我清楚地意识到对于3岁幼儿来说首先应从培养兴趣人手，我尝试了以下几种方法：

(一)为幼儿创设有利于书写的环境和材料。

实践中发现幼儿非常喜欢在黑板上写字，于是，我不急于让他们在纸上写，而是经常在黑板上写字给他们看，并把他们自己认识的字写在黑板上，孩子们急着把自己知道的字讲给大家听，并看见老师把他说的字和词写在黑板上，都高兴极了，这样一来不仅使幼儿语言词汇有了扩展，更使他们在这样耳濡目染的环境中对写字产生兴趣。

我把书写融入到了日常学习生活中，在区域活动中，我和幼儿共同设置了一个书写区并为幼儿提供了蜡笔、黑板、纸、画板及许多常见的结构较为简单的汉字，如“口、日、田、花、草、太”等等，并把这些字写在彩色的小纸片上，引起幼儿的兴趣，他们主动地来参与写字，在画画写写中，他们很自然地就认识了这些字，并使其观察力得到了很大的发展。虽然有些幼儿开始常常会漏笔画或结构错误，但在经过一阶段的启发引导和自己不断观察中，他们渐渐地把这些字写得越来越准确。

(二)利用生动形象的教具帮助幼儿了解字的结构。

教具是幼儿学习中不可缺少的一种教育手段，如何利用教具帮助幼儿了解字的结构，为幼儿书写打下基础呢?在写“人”字的教学中，我在纸上画了许多不同的人，引导幼儿说说这些，“人”相同的地方，于是孩子们各抒己见。有的说，人都有头；有的说，人都有身体；还有的说人有脚等等。那么“人”字该怎么写呢?于是我在黑板上写了“人”字，并拿出两根小棒，启发幼儿来拼一拼、搭一搭。在这样动手操作中，幼儿对“人”字的结构有了深入的理解。然后我便引导幼儿在纸上画画“人”字，没想到班上有2／3的幼儿都画得非常好。

(三)寓教于乐，在游戏中写字，初步了解笔顺。

幼儿的学习离不开游戏，如何使写字变为游戏，让幼儿在宽松愉快的氛围中写字呢?是否应让幼儿初步了解笔顺呢?我进行了一些尝试。为此，我设计了一次练习笔顺的'书写活动――“开汽车”。我以“动物园的故事”引起幼儿的兴趣，使枯燥乏味的笔顺练习成为有趣的游戏，我引导孩子们扮演小司机，在“马路”上按箭头方向开，孩子举起了小手，在图片上画了起来，从游戏到用笔画，整个活动充满了情趣。在日常生活中我同样为孩子们提供画有笔顺的字样，引导幼儿在自由宽松的氛围中写写画画，在这样点点滴滴的积累中让孩子自然地感受了汉字的笔顺。

(四)注重个体差异，面向全体。

由于幼儿来自不同家庭，能力水平也各不相同，因此我在设计活动时同样没有忽略那些能力较差、认知水平较低的幼儿，对于这些幼儿，我采取的是积极的方式，设计与他们的水平相适应的书写内容，如在书写“大、人、天”的活动中，为班级中能力较差的幼儿提供了用虚线表示的字样，引导他们描一描。在日常生活中发现他们点滴进步，我都给予及时的鼓励和表扬，经过长期的启发和引导，这些能力较差的幼儿到小班下学期便有了很大的进步，部分幼儿从开始的不会写或乱涂乱画发展到能够较认真地写并逐渐有了字形。

经过对书写教学的研究，发现书写教学给孩子们带来的不仅仅是他们对汉字的认识，更使孩子在这样的活动中增强观察力、记忆力和语言表达能力，拓宽了全语言语文教学的内涵，使幼儿在口语、阅读、文字、识字等方面获得全面发展。

绘画研究结论范文范本篇十六

美国文化人类学家怀特认为：“文化是人类所创造的符号的总和”，[1]而服饰则是人类这种符号能力的最为重要的形态。因此，文化是一个有其自身生命和自身规律的自成一体的系统，其功能在于使人类适应自然界，以保证人种的生存和延续。但人类的全部文化或文明都依赖于符号，人类对符号能力的运用才使得人类文化的产生和延续成为可能。语言是一种文化符号，但“语言并不是人类唯一的表达工具，它不能完成全部情感的表达。”[2]所以人们力求在语言之外去寻求其他情感表达的途径，而服饰正是“有着象征内涵的事物”[3]，它满足了人们的情感表达。因此，非语言的事物，当人们用它来代表另一事物，表示一定概念、思想感情，并通过它来记录和传承人类文化时，它就成了文化符号。

1.2武术服饰与艺术符号的形态与表意特征的契合。

艺术符号是文化符号系统中的非语言符号中的一类，它作为一个传达媒介只有在与艺术意象及艺术形式达到最佳结合时才能建构起来。也就是说，艺术符号的生成必须构成双重契合：与审美意象的契合和与艺术形式的契合，要达到这种双重契合，服饰的设计必须对这个新生的艺术符号进行文化和审美的挖掘。只有这样，这个艺术符号，才具有文化与审美的特殊性。武术服饰艺术构成的元素符号：造型、材料、工艺、色彩等，从不同角度传达出武术套路文化心理。武术套路服饰艺术的文化性，构成其形式的元素符号同时具有物质与精神的双重意义。它不仅是由物质材料组成并受众多物质因素限制、表现使用功能意义的“物质形式”，又是一种“浸透着情感的”，[4]表现着精神方面意义的“有意味的形式”，它有着明显的“艺术符号”的典型特征。武术服饰是一种意义丰富的文化符号，是武术文化的标志，中国文化的标志，包含着丰富的文化内涵。“服饰是人类文化的历史标记，也是人的历史的文化象征。”[5]各武术套路通过利用服饰的造型、材料、色彩、工艺，激发人的视觉想象和情感体验，通过隐喻暗示、联想对比等方法，传达出武术套路特有的武术套路文化、价值观和行为方式。在武术套路中，服饰甚至有着记史述古的符号功能和教育、伦理等职能。因此可见，武术服饰作为一种艺术符号，是武术文化的载体之一，是武术文化发展过程的文化象征，这种文化象征的意义在于通过武术服饰的设计与制作去窥视武术文化外在“形态性”与内在“表意性”的内涵与外延特征的统一。

2武术服饰艺术的外在形态性。

2.1意识形态的物化：与自然生态和谐的象征。

艺术符号的象征意义是形态性与表意性的统一，它是人类思想与情感的表达，它可以使人在艺术创造和成果审美的情感中引起精神的共鸣和达到最大强度的精神交流。不同的武术套路服饰，相当一部分是来自于对自然灵物的崇拜或宗教信仰的“遗留”[6]。不同的武术套路服饰中，样式或饰物往往有一些与众不同，表现出强烈的本武术套路特色，是该武术套路服饰中不可缺少的一部分。这些特殊的衣物饰物，一般与御寒、遮羞、美观、财富、权力等都没有直接的关系，却在武术服饰中拥有一种崇高或神秘的意味。各武术套路为了表达自己的身体文化，通过武术服饰，创造了许多有关于中国传统文化和体现与自然界“天人合一”的符号，并绣、染在武术服饰和其他与武术相关的事物上。人类许多行为最初只是模仿，是对直接经验的继承，通过特定的行为影响和控制身外的事物，如早期的“图腾”。“效法自然、摹仿自然的文化实践是存在于人类的普遍现象，特别是在人类的早期或文明时代的初期，这种色彩显现得更为浓厚。”[7]在意识思维物化的过程中，将“意象化”[8]的情景复制到本体实物上。比如：武术套路服饰的刺绣，多以盛开的生机勃勃的鲜花，抑或是栩栩如生龙玉凤等等为主要背景。它所体现的是人们在与自然生态和谐相处的过程中，将自然界的艺术元素镶入到个体意识想象的空间里，再通过物化的形式“具象化”[9]的表现出来，通过刺绣图案象征自然生态的和谐。所以，各武术套路服饰中出现的刺绣图案是人类想象意境中的具有创造性艺术符号的表达，是构成各武术套路文化特色的重要元素。

2.2非意识形态性的物化：标识性的“品牌”象征。

人是使用文化符号表达意义的动物。各族人民大量使用审美符号的象征来表达各族文化的意义。[10]这种审美符号的象征是各族文化符号体系的一部分，是凝聚各族人的精神，吸引各族人心的向心力，是识别认同符号。同时，由于各个不同武术套路、门派之间的文化差异，其服饰的风格必然存在迥然不同的文化特色。而所谓形态性，是指文化符号所指代的物态属性，[11]它易于人们通过文化符号的外在形态认识和掌握文化的根本属性。在武术服饰文化中，服饰作为武术文化的外在性文化符号，它也具有对各武术套路、门派标识性的“品牌”[12]象征意义。武术服饰艺术的文化符号特征，通过服饰的设计、剪裁、色彩等艺术元素，成为了辨识和熟悉不同武术套路、武术门派的文化品牌的重要因素。我们也就可以利用武术服饰不同的艺术符号特征去发现不同武术套路的风格特色与文化底蕴。如太极拳服饰对于太极拳本身而言，它具有“品牌”标志性的代言作用，对于其他武术套路，它是一种区别的标志，而对于其本体而言，却是可以互相认可的旗帜、结成整体的.纽带；是太极拳用来对外是“本我”与“他者”[13]，对内是“我”与“我们”的识别认同符号。对内的习练太极拳者，只要见到太极拳服饰，一眼就能识别是同一拳种的爱好者，从而产生亲近的认同感。对外的武术套路习练者，也能通过服饰的不同艺术符号特征，判定出这一服饰文化符号背后的本质文化属性———太极拳。各传统武术套路的服饰各不相同，每一类服饰就是其文化支系的符号，而这一切都是由于人类历史形成的集体无意识的文化模式，是各个武术套路生存、发展的本能所致。

3武术服饰艺术的意象表意性。

3.1审美意象非理性符号的“表魅”象征。

用意象性的审美观念，用心灵意识的视觉语言来表达人们的情感。[14]武术服饰上的纹样摆脱了逼真的摹写，让人进入意象的审美世界，一个神奇的使人类心灵获得自由的非理性艺术王国。在这种意象性的艺术思维里，设计者天马行空，用心灵意识的视觉语言将所有的形象任意夸张抽象变形。如，武术服饰中的象形拳服装，从审美的角度看，它是设计师们通过观察人与自然的过程而形成的一种巧夺天工的艺术创造。根据自然界中千姿百态的具体物象中的抽象而来，从象形拳的形成过程管窥[15]武术服饰这一艺术符号化的过程，发现是武术服饰在经过审美意象的非理性化后。它是一种“源于生活又高于生活”或“源于自然又高于自然”[16]的艺术品。经过岁月的淘洗和传承积淀，其间渗透、灌注、表达着中国古人的自然崇拜、审美快感和艺术情趣。武术服饰的魅力在于不受理性形象的约束，放任其艺术想象力在非理性的世界里自由驰骋，用意象性的审美观念，用心灵意识的视觉语言来表达人们的情感。受众者们通过武术服饰的“表”，即服饰的外在显性特征，通过视觉语言和身体互动转换为对武术服饰文化内在意蕴的一种体悟，甚至是对武术文化的“表”与“意”的魅力解读。武术服饰设计中的艺术文化符号的象征性，正是通过其自身的华丽的“表”，表达其背后浓厚意蕴的非理性审美“意”的特质，使武术服饰文化在对武术文化进行融合的同时，达到自身“表魅”的象征性意义。同时，也正是其象征意义，才使中国武术文化的艺术性变得情深意远，韵重味浓，审美价值大为提高。

3.2勾勒传统与现代服饰人文情结的象征。

武术服饰艺术符号所蕴含的武术套路文化和中国传统文化特色给当代服饰设计带来了丰富的启示和借鉴。它的表现形式与艺术魅力日益为世人所喜爱，已成为中华武术套路精神和武术套路意趣的标志之一，为设计师们创作各种风格的服饰设计作品提供了丰富的灵感源泉，使现代服饰设计得到升华。自武术以特殊身份进入奥运会开始，武术热潮在全世界范围内掀开，[17]与此同时，作为武术文化一部分的武术服饰也作为一种对武术表意象征性的宣传物开始面向全世界。因此在现代服装设计中，设计师们汲取中国传统武术服饰艺术文化符号的精髓，挖掘其丰富的文化资源常常采用丝绸织锦、刺绣蕾丝等材质展现中国主题，借这些充满寓意的传统武术服饰文化符号来表达喜庆吉祥、祈福消灾、寄寓理想与希望。武术服饰设计师也在现代服饰的审美中经过解构、重组、整合等手法重新演绎武术服饰，衬托出武术戏剧般的舞台效果，使武术服饰更具东方情调，给武术文化的发展带来无限生机。而现代服饰将武术服饰的某些元素融入晚礼服、日常生活服装当中，并在工艺制作、装饰手段和造型处理上，注入时尚，使其与现代的大环境相融合；通过对装饰工艺和现代材料的处理，切入流行元素，满足当代人的精神需求，恰到好处地把武术服饰的设计理念淋漓尽致地表达出来，使中国武术服饰文化的艺术性以不同的艺术表现方式出现在世界的视野内。

3.3创造者与受众者的生命情感象征。

艺术符号的象征意义是形态性与表意性的统一[18]，它是人类思想与情感的表达，它可以使人在艺术创造和成果审美的情感中达到最大强度的精神交流。武术服饰艺术的文化符号象征是一种情感的表达，是一种思维方式的体现，以约定俗成的武术套路的艺术展现达到人们心理效应的意象过程，借助着联想、想象和情感体验来把握服饰中意蕴的一种思维方式。武术服饰元素由人们运用独特的思维方式，变成了一种特殊的语言。正如苏珊朗格所说：“艺术，是人类情感的符号形式的创造，”[19]而服饰的艺术文化符号更是人们寄托生命情感的归宿。武术服饰创造者的每一次设计、制作过程，都是一次自我情感和思想拓开的升华，使自身审美意识和对物化思维方式的的意象性不断丰富，以求通过其精心创造出的艺术品———武术服饰，实现他对生命情感的崇高追求。武术服饰是具象的服饰，作为象征符号的服饰，在本质上是特殊的一种语言。表意象征性形式的服饰是各武术套路的习练者与“受众者”进入艺术语言的中介，武术服饰的受众者们通过武术服饰的艺术性修饰协同身体技艺的难美性展现，表达其对生命的高度热爱和情感的高度升华。在武术服饰的艺术语言和受众者身体语言的融合中，使人们对武术服饰实体本身的意象性地展开视觉意境的想象。这是人们通过不同艺术语言的象征性表达个体生命情感的形式。因此，武术服饰成为象征性的艺术符号，是人们赋予它情感的高度象征意义。

4结语。

中国传统武术服饰艺术的文化符号具有丰富的文化内涵和人文精神，以及鲜明而复杂的艺术文化符号象征，正是有了象征，中国传统武术服饰变得情深意远，韵重味浓。正如著名学者费孝通先生指出的那样，“衣与饰的结合，突破了衣着原有的单纯基本功能而取得了复杂的象征作用。成为亲属、权利、宗教等社会制度的构成部分，更发展成了表现美感的艺术品，”[20]显示出武术套路精神活动的创造力。

参考文献：

[8]陈保磊．从审美心理学视角论武术套路动作意象[d]．上海：上海体育学院，．。

[11]陈华文．文化学概论新编[m]．北京：首都经济贸易大学出版社，：172．。

[20]姜霞．武术服饰：再现传统融合现代[n]．中国体育报，2013（22）．。

绘画研究结论范文范本篇十七

经过一学期的电脑绘画兴趣小组的活动，在教师和学生的共同努力，基本达到了预期的效果，兴趣小组的学生在信息技术方面成为学生们学习计算机的领头羊，激发了学生对信息技术知识的兴趣，提高了学生对计算机的操作水平。同时，提高了教师教学能力，掌握了新的教学方式，为今后工作积累了宝贵经验。现就小组的活动情况总结如下：

根据学生的特点我选择了电脑绘画（主要使用软件是金山画王、画图）相关知识进行讲解，学生可以选择一种软件为主，进行学习和作品制作。

作为辅导教师每次我均能提前到达微机教室，做好本节课的准备工作，学生也做到了按时到、按时走，身体不舒服能及时向老师请假。活动开始前实行点名制，及时记录每次学生的出勤情况.

为了便于管理，我在每次上课时都能和学生平等对话，让他们自觉遵守课堂纪律，鼓励他们的点滴进步，增强他们的自信心。这样每次活动时都能保证遵守课堂纪律、训练时间不浪费、课堂效果良好。课前精心准备，备好教学内容和备好学生，以便取得更好的辅导效果。

尽管有了一些进步，但电脑绘画兴趣小组还是存在着不足：

（1）学生的绘画的基础能力参差不齐，有的学生在创作自己作品的时候感觉无从下手。

（2）学生对色彩的搭配还不是很熟悉。

（3）学生的训练的时间不足。

（1）教师的美术功底薄弱，应加强学习，提高美术能力。

（2）授课的内容需进一步的精选，上课要有一定的目的性，不能完全放开让学生自己去创作，这样有可能使一些学生无从下手，从而降低课堂效率。

在进一步加强学生电脑绘画技能训练的同时，与美术老师配合，加强学生对构思、构图、色彩搭配等方面的能力，提高美术功底（在此，我要感谢李智慧老师对我们兴趣小组的指导和大力帮助）。俗话说的好，要想让学生有一杯水，首先老师要有一桶水，今年寒假开始，我准备多买一些儿童绘画书籍来看，同时也应不时向美术老师请教，尽快提高自己的美术功底和审美能力。

还有就是准备明年参加区电脑作品评比，尽自己最大的努力提高学生的操作技能和制作出优秀的电脑作品来。

绘画研究结论范文范本篇十八

林风眠（1900～1991年），广东梅县人，他是一位画家，更是一位美术教育家，在他教学思想、办学方针的影响下，走出了诸多优秀的艺术家：赵无极、xxx群、吴冠中、苏天赐等。这斐然成就充分证明了林风眠的教学思想在中国美术教育实践中的重要价值。

在教学中，林风眠时常告诫学生“真正的艺术家犹如美丽的蝴蝶，初期只是一条蠕动的小毛虫，要飞，它必须先为自己编织一只茧，把自己束缚在里面，又必须在蛹体内来一次大变革，以重新组合体内的结构，完成蜕变。最后也是最重要的，它必须有能力破壳而出，这才能成为空中自由飞翔、多姿多彩的花蝴蝶。这只茧，便是艺术家早年艰辛学得的技法和所受的影响”。从小毛虫到蛹、再到蝴蝶，形象的展示了艺术家成长必经的两个阶段，一是入，埋头苦学。二是出，发展创新。小毛虫也好比是我们的少年儿童，终会破茧化蝶，不期能成为艺术家，但其“破”之始，乃为“结茧”，这只茧，便是少儿早期所受的美术教育之影响。笔者细观林风眠先生的美术教育思想，发现其在对当时大学生的美术培养目标中所注入的教育精神，对当今形势下的少儿美术教育也是深有启发的，在此略谈一二。

在美术教育的问题上，林风眠提出“融合中西方艺术”的美术教学方针为核心的艺术观与教育观，这是一次打破了中西方艺术边界的历史性创举。在当时的国立杭州艺专，传统的中国本土文化与新奇的西方外来文化并驾齐驱，相互交融。林风眠的“中西结合”教育观对少儿美术教育也很有启示。笔者查阅数据资料，关于研究少儿美术教育的论著，多以西方国家为主，国内研究寥寥无几。即使有所研究，也多借鉴西方的少儿美术理论。然而，东西方文化存在一定差异，所做研究也未必完全适应于我国国情。因此，少儿美术教育研究者在理论的输入中应当有所甄别，既要顺应时代，中西结合，又要个别吸收，取长补短。

在办学、教学方面，林风眠的美术教育观无不体现着“多元化”。林风眠认为灵感来源于生活，他常说“画画前，要先把东西搞清楚，研究清楚，很熟悉了再体验出自己的感情。不要去临摹，要去写生，有了体会再画出来。”因此，他也非常重视对学生的素质教育和对艺术理论等各方面知识的修养和学习“：去读一些文艺、哲学、历史方面的书吧！充实你的心灵，增进你的感受力，启开你混浊的心智。”将文学、哲学、音乐等学科融入艺术教育中。办学期间，他开办图书馆、劝学生欣赏音乐、把体育当作工具培养学生的性格气质。林风眠早年的学生们以他们半个多世纪的艺术经历及人生体会，深刻地认识到这种多元、开放启发式教育，重素质教育，使他们获益匪浅，对他们的成才甚至起了决定作用。早期的受教育环境对人类后天发展的影响举足轻重，林风眠的多元化美术教育理所当然的启发了当代的少儿美术教育。

少年强则国强，少年儿童的发展决定了一个国家、一个民族的发展，单一乏味的教育必然不会培养出富有创新精神的学生。在艺术教育里，艺术只是一种达到目标的方法，而不是一个目标；艺术教育的目标是使人在创造的过程中，变得更富于创造力，而不管这种创造力将施用于何处。假如孩子长大了，而由他的美感经验获得的较高的创造力，并将之应用于生活和职业，那么艺术教育的一项重要目标就以达成。现在的少儿美术教育，无论公立、私立，大多忽视了创造力的培养，美术就是画画、就是画得像、就是几张美术等级证书……美术应该是一种表达，是情感的表达、是创想的表达。首都师范大学的杨景芝教授认为：儿童美术教育并不以培养画家为目的，而是培养儿童的观察力、记忆力、想象力和创造力，使儿童借绘画表现、舒展自己内在的意欲和情感，从而培养儿童美的情操和陶冶他们完美的人格。在儿童美术教育里，“多元化”更多的是意味着体验的多元化。对儿童来说，尤其是幼儿，当言语不足以表达他们的欣喜、忧愁、恐惧时，绘画为他们打开了一扇窗，使其可以尽情地涂画和畅想，这是儿童对生活的一种表达。但这种表达在少儿接受了正式的美术教育时，或多或少丢失了原始气与纯真气。一些教师只关注作品的呈现效果，以成年人的眼光评判儿童画，原本一个孩子看到圆形会说盘子，现在也被教化地认清了“本质”，脱口而出“圆形”。儿时的生活经验化为乌有，不再对记忆有怀念。美术教育要强调儿童的生活习惯，更应保护孩子的原创与本真。在孩子确立了自己的绘画语言时，多元化的培养尤为重要。美术的多元化既是材料的多元化，又是绘画内容的多元化。材料易得，而绘画内容涉及生活种种，体验若不够，自然无所表现。林风眠先生为学生所创设的环境都是为了丰富其体验。多元化地启迪儿童的美术认知，要求教师不断学习，培养孩子的兴趣使其多元化，引导其自主学习，继而改造、创造。因此，当代教师们必须打破传统的藩篱，将引导与学生的自主相结合，激发并促进儿童“结茧”能力的发展，从培养好习惯入手，锻炼其自主自觉能力。

在谈及杭州艺专在近代艺坛上人才辈出之问题时，当年艺专的学生李霖灿讲到这样一原因“不能学书，弃而学剑”。“西湖艺专不但培养出杰出的艺术人才，而且是方方面面的人才，甚至可以说是叹为观止。”作为一个杰出学者，李霖灿的现身说法，足以说明林风眠“学术自由、兼容并蓄”的教学理念，对培养社会需要的复合型人才具有重大的意义。应当引起当今艺术教育者的深思，多元化培养少儿的美术认知，功在当代，利在千秋。

绘画研究结论范文范本篇十九

摘要：

公共美术鉴赏课强调由单纯注重传授知识转向既注重知识与技能的学习，又重视学生情感感、态度、价值观的形成，还要重视学习过程与方法的体验。艺术人文素养不是一种技术能力，而是以人为本，培养年轻人对人类生存意义和价值的关怀与思考。其课程标准设计思路与考量应以学生审美能力提高为目的而后不断能自觉组合、构建新知。

关键词：公共美术；鉴赏；课程标准。

公共美术鉴赏课是教育部规定的高等美术教育面向21世纪系列核心课程之一，高等教育要重视培养大学生的创新能力、实践能力和创业精神，普遍提高大学生的人文素养和科学素养，弘扬先进的办学理念、培养人格健全的高技能人才。本课程标准设计是针对高职非艺术专业学生的，预设有24课时。按照“以就业为指导，以服务为宗旨”的职业教育目标，我们培养的学生应当具有良好的职业道德和职业素质，应当具有良好的人文素养，走上职业岗位之后具备持续发展的能力，还应当具有综合的文化素质。

公共美术鉴赏课强调由单纯注重传授知识转向既注重知识与技能的学习，又重视学生情感感、态度、价值观的形成，还要重视学习过程与方法的体验。教师应积极培养学生的求异思维能力和发散思维能力，以及积极探索的精神，加强学生情感的体验，加深对艺术的社会作用的认识，而且更重要的是通过这种对艺术的鉴赏与学习，提高学生自身的审美能力，受到美术文化的润泽。按过去上课的旧模式是无法真正完成这门课程的教学目标的，“以教师讲授为主，学生接纳为辅”的教学方式不能学生由被动变为主动地去深入掌握知识要领。

本课程应以学生审美能力提高为目的而后不断能自觉组合、构建新知。艺术人文素养不是一种技术能力，而是以人为本，培养年轻人对人类生存意义和价值的关怀与思考。德国教育家第斯多卡曾经说过：“教育的艺术不在于传授知识，而在于唤醒、激发和鼓励。”周海宏教授认为人的感性素质好，审美修养高，人的幸福指数就高，审美素质的发展决定人未来的发展。美术鉴赏多元教学与考评机制研究正是以此为座右铭，深入具体的思考，使高职院校学生通过美育的有效学习，寻找自我成长与完善的出路。

教学目标。

在教学过程中，使学生初步了解什么是美术鉴赏、美术鉴赏的一般过程和特征，以及学习美术鉴赏有什么意义，由此掌握美术鉴赏的方法，培养学生“审美的眼睛”。引领学生熟悉中外美术史的基本发展流变、全面了解美术创作的原则、美学规律、美术与社会发展的相关知识，掌握一些代表性的艺术流派的风格特征，各风格流派代表美术大师的艺术特色等方面的知识。具体教学设计表现如下：

（1）了解中外美术史的基本发展流变与艺术形式美的基本法则等相关基础知识；

（2）美术创作的原则、美学规律、美术与文化心理的关系等的相关知识；

（4）结合本专业，进行美术鉴赏基础知识与本专业本行业相关的主题探讨和学习，制作多媒体作品，阐释主题和观点。

让学生在学习美术作品的鉴赏过程中，经历理论知识学习和实践的动手练习，并对教师所教授的理论知识和实践知识进行思考；并领悟理论知识的内涵、知识点，以及实践知识操作要点。教学中以生活中的美学现象为引导，引起关注――深入讨论――感悟意义――树立信心。

具体掌握：

（1）培养学生运用生活中美的元素进行美学分析和鉴赏的能力。

（2）培养学生通过多种美术风格流派的艺术特征，阐释其发生的社会、经济背景与社会影响力的能力。

（3）培养学生能熟练通过美术的创作原则、美学的规律，进行名画鉴赏的能力。

（4）培养学生通过综合的美术鉴赏、结合本专业的实际，设定一个主题，制作一个多媒体作品，并阐述主题和观点的能力。

美术鉴赏是跟美术有关的文学、音乐、建筑、经济、政治、宗教等综合知识的积累，随着学生掌握美术知识的不断增加，这些综合的信息会在学生的意识里组合、构建新知，在潜移默化中培养学生观察美的眼睛，了解分析美的情怀，热爱自然与人类，理解世界的多元价值。启发学生对美术现象的关注，在集体讨论的过程中，去深入感觉人类生活中美术的作用与人类创造美的精神。使学生明确美术鉴赏的学习目的以及重要意义，从而树立学好美术鉴赏课程的兴趣与决心。

具体培养。

（1）多元价值观理念的养成，这样视线不狭隘。

（2）体会艺术作品带给人的独特情感体验，对人性的思考与人文关怀，净化心灵。

（3）良好的表达、团队合作精神、开拓创新精。

教学重难点。

重点：培养学生审美的眼睛，让学生掌握美术鉴赏的一般方法，认识美术鉴赏对于个人未来人生发展的重要价值和意义。

难点：如何结合实例讲清美术的主要分类方法、美术鉴赏的概念和美术鉴赏一般过程或方法。

课程整体设计。

1、课程设计的原则：启发性原则，因材施教原则，个性化原则。

2、n程设计的理念：以学生为主体，培养多元文化与综合素质人才。

3、课程设计的思路：将典型性被动灌输式教学转化为相对应的多元教学与考评机制，从重视学习结果转向重视学习、成长过程，提高考核的灵活性。在学习过程中，设计了综合实训项目。形成以典型性主题任务为核心、以综合素质培训实训项目为载体、学习任务与教学内容相互对应的教学内容组织体系。让学生了解学习美术作品、美术流派，美术与生存空间相联系，结合学生的本专业，注重学生职业能力的拓展。

根据高职校非艺术类专业的实际情况，本课程采用“讲授-欣赏-比较-思考-讨论-实操”的多元化教学模式，培养学生感受美，鉴赏美，提升艺术修养。

（1）将美术鉴赏力与本专业知识相结合，以虚拟或真实的项目为载体培养学生的职业能力和职业素质。

在每个学习环节中，分层次实现基本理解能力与思维拓展能力的培养。在基本理解能力层，从符合认知规律的角度出发，完成模拟项目来实现美术鉴赏的能力。在进一步的实际思维拓展能力训练中，学会纵向横向的对比研究，进行不同时期的名画鉴赏，和同时期的不同风格流派的名画鉴赏，联系生活实际专业实际进行思考与实践，实现学习情境中能力的提示与迁移。

（2）按照岗位能力要求进行典型项目驱动过程的学习主题设计。

整个教学过程都是按照具体模块项目制作的行动导向来进行设计的，模块实训内容以主题项目，社会实时话题、教师与学生共同策划主题项目，完成对一个主题美术鉴赏的多媒体制作。

本课程主要分四个部分。

具体思路：什么是美术鉴赏，通过文化心理学、政治学、经济学、哲学、宗教等方面，综合阐释美术的鉴赏方法与角度，启发学生思考，开阔思路和视野；什么是艺术？什么是艺术品？是什么决定艺术品的存在于价值？通过介绍绘画、雕塑、建筑、设计、书法、摄影，综合分析进行阐释，西方与东方的比较现代与古典的比较，美的规律的发现与思考等。1.从艺术市场出发，从最贵的艺术品谈起2.艺术、艺术品的产生，与社会与生活的关联3.通过现代艺术阐述艺术产生的文化心理4.艺术与政治经济、宗教、文化生活的关联；6.寻找艺术美的规律，从主题上：原始拙朴的美（洞窟壁画、非洲雕塑、夏加尔、罗素、梵高）、西方古典主义的唯美（拉斐尔、xxx、华托、安格尔）、人文主义的美（伦勃朗、维米尔、米勒、博努盖尔）艺术与文化生活（陈宏绶、周p、韩熙载、唐伯虎、黄公望、郭熙、石涛）从技术层面上：材质美、肌理美、线条美、构成美色彩美意境美等。

第一部分：美术的功能与意义。

2.提供综合素质，审美修养高的人感性素质高，幸福指数高；

3.绘画心理治疗表现；

4.艺术在政治宗教中的重要作用；

5.艺术品交易在社会经济发展中的重要表现；

通过美术的功能阐释学习美术鉴赏的意义所在；我们为什么要学艺术？为什么要提升美术修养？（参考周海宏教授的艺术的启蒙）通过学画画-热爱美术-通过美术鉴赏-热爱生活-通过生活美的感知-体验幸福。

第二部分：艺术与政治经济宗教的关系。

该部分从两个方面解读，一是西方的史前艺术、古埃及艺术、古典时期希腊艺术、古印度佛教艺术、拜占庭艺术、哥特式艺术、早期文艺复兴、盛期文艺复兴等；二是从中国的佛教壁画、画像砖、雕塑等方面阐述艺术与政治经济宗教的关系，与相互影响。

第三部分：艺术与文化的关系。

该部分通过巴洛克、洛可可、浪漫主义、浮世绘、印象主义、象征主义、后印象主义、新印象主义、超现实主义、抽象表现主义、大地艺术、现代先锋艺术等阐述艺术与文化的关系。

第四部分：项目驱动――《我与艺术有个邂逅》。

从本专业角度出发，探索自己与艺术的关系，制作策划案，运用多媒体展示项目成果（包括视频、ppt等，演讲讨论）。

[参考文献]。

[1]申丹枫.在美术鉴赏教学中进行人文素养教育的实践与探索.河南师范大学硕士学位论文，20i1.

[2]张永芳.高中美术鉴赏教学与学生审美能力的培养.山东师范大学硕士学位论文，20l1.

[3]杨柳.创设文化情境，提高美术鉴赏水平.美术教育研究2013（21）。

[5]钱初熹.美术鉴赏及其教学.人民美术出版社，2007。

湖南大众传媒职业技术学院校级教研教改课题。