2023年音乐与人生如何写(精选14篇)

爱情是美好的，让人陶醉于其中，但有时也会带来痛苦和无奈。语言要准确、清晰，避免使用模糊、含糊不清的表达。有时候，一个简单的微笑就能改变一切，让我们感受到生活的美好。

音乐与人生如何写篇一

摘要：笔者在下文中探讨了高校音乐教学中民族音乐文化继承与发展的困境，并阐述民族音乐的独到韵味以及教学价值，从民族音乐的规整、教科书的编纂以及推介、音乐课的师资力量构建、教学形式的推陈出新等层面，阐述音乐教学中民族音乐文化的继承以及发展的策略。

关键词：高校音乐；民族音乐；继承；发扬；探讨。

民族音乐是民族文化的有机构成元素，也是音乐艺术发展史上的瑰宝。全球的不同国度的音乐文化，无不在本国与他国的交互融合中实现民族文化的传承以及发展。我国拥有56个民族，民族音乐能够映射民族文化鲜明特征，并且其在民族文化中所起到的传承作用也极为明显；其就像是在古老的中华沃土上诞生的艺术奇迹。悠远的中华文化、璀璨夺目的民族音乐文化以及多元化的民族音乐形式，不仅让我国公民陶醉，更让世界为之瞩目。然而由于各方因素，其中的问题亦不少。

我国民族音乐是非遗项目，因其独到的感染力在全球民族文化中的位置节节攀升。“民族音乐的汪洋”、“歌曲与舞蹈之乡”、“音乐文化的奇迹”等等饱含溢美之词的称呼是对中华民族音乐的高度精粹。但是很长一段时间内，高校音乐教学不管是在课程设立抑或教学形式方面，大部分都借鉴西方音乐教学的模式以及形式，在基础乐理、视唱练耳、和声、曲式、复调以及配器等理论的传授过程中，剽窃国外音乐理念的情况居多，而忽略了对本国民族音乐的挖掘以及应用。从中国高校音乐教学的情况来讲，大部分学生对国外艺术了如指掌，而对本国民族艺术文化却知之不祥甚至根本没有去了解的想法。在如今的年代，世界经济一体化的脚步加快，这对我国古老文明的冲击是剧烈的；特别是对我国传统的民族音乐文化来说更是如此。一部分人甚至指出：中国未来的音乐之路会与国外音乐发展之路重合，自此刻意贬低中华民族音乐文化，误导我国高校大学音乐教学，这对中国的民族音乐来说并不公平。而阅览中国高校音乐教程的教学提纲，国外乐理所占的比重极大，而中华民族音乐文化在其中却屈指可数，虽然一部分高校在课程布置方面添加了《民族音乐》教程，然而本国音乐以及民族音乐在其中仅仅是一笔带过，对民族音乐以及民族文化的传承和发展来说意义不大。我国高校音乐教学中无法传承和发展音乐文化是一种异象，有逐渐脱离主流的态势，这应引发我国的重视。

二民族音乐文化在我国高校音乐教学中的价值。

上佳的音乐作品通常包括热烈的情感诉求，对学生的德育品质的.形成有极大的助益。中国传统的民族音乐文化通常能够显示出巨大的思想价值，高校传授民族音乐的乐理，对学生来说，不但能够增广见闻，也让学生的审美趣味发生转变。民族音乐是中国人最喜闻乐见的音乐形式，其体现了中华民族的风貌与精气神。其在我国漫长的历史变迁中诞生、成长以及成熟，是对社会各方面发展情况的真实记载。高校音乐教学中，把民族音乐文化与高校音乐教学融合，让学生通过对民族音乐的领悟，提升其民族自尊心，让其以本国音乐为荣是当前甚至未来一段时期内我国高校音乐教学的重点。

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音乐与人生如何写篇二

送别扬琴谱该歌谱演奏者为李叔同，歌曲名称为送别，歌谱类型为扬琴谱。

《送别》，曲调取自约翰·p·奥德威作曲的美国歌曲《梦见家和母亲》。

《梦见家和母亲》是首“艺人歌曲”，这种歌曲19世纪后期盛行于美国，由涂黑了脸扮演黑人的白人演员领唱，音乐也仿照黑人歌曲的格调创作而成。

奥德威是“奥德威艺人团”的领导人，曾写过不少艺人歌曲。

李叔同留日期间，日本歌词作家犬童球溪采用《梦见家和母亲》的旋律填写了一首名为《旅愁》的歌词。

而李叔同作于1941年的《送别》，则取调于犬童球溪的《旅愁》。

如今《旅愁》在日本传唱不衰，而《送别》在中国则已成骊歌中的不二经典。

沈心工也曾根据《梦见家和母亲》写过一首《昨夜梦》，但最终没有抵得过李叔同《送别》的光芒。

歌曲歌词。

长亭外，古道边，芳草碧连天。

晚风拂柳笛声残，夕阳山外山。

天之涯，地之角，知交半零落。

一瓢浊酒尽余欢，今宵别梦寒。

长亭外，古道边，芳草碧连天。

问君此去几时来，来时莫徘徊。

天之涯，海之角，知交半零落。

人生难得是欢聚，惟有别离多。

创作背景。

《送别》曲调取自约翰·庞德·奥特威作曲的美国歌曲《梦见家和母亲》。

《梦见家和母亲》是首“艺人歌曲”，这种歌曲19世纪后期盛行于美国，由涂黑了脸扮演黑人的白人演员领唱，音乐也仿照黑人歌曲的格调创作而成。

李叔同在日本留学时，日本歌词作家犬童球溪采用《梦见家和母亲》的旋律填写了一首名为《旅愁》的歌词。

而李叔同作的《送别》，则取调于犬童球溪的《旅愁》。

音乐与人生如何写篇三

送别（扬琴伴奏谱）胡琴乐谱该歌谱演奏者为黄玲，歌曲名称为送别，歌谱类型为胡琴乐谱。

胡琴，琴类一种，因为来源于北方少数民族，古代汉人称谓北方少数民族为“胡”，从北方传过来的琴，因此而得名。

蒙古族弓拉弦鸣乐器。

古称胡尔。

蒙古族俗称西纳干胡尔，意为勺子琴，简称西胡。

元代文献称其为胡琴。

汉语直译为勺形胡琴，也称马尾胡琴。

历史悠久，形制独特，音色柔和浑厚，富有草原风味。

可用于独奏、合奏或伴奏。

流行于内蒙古自治区各地，尤以东部科尔沁、昭乌达盟一带最为盛行。

后有同名人物，在该领域有一定贡献的有南京医科大学教授胡琴等。

简介。

胡琴，又称乡胡、稽（同奚）琴。

历史悠久、形制古朴。

发音柔美，音色动听。

可用于独奏、合奏或为歌舞伴奏。

流行于辽宁、吉林、黑龙江等省，尤以吉林省延边朝鲜族自治州最为盛行。

流行于吉林省延边朝鲜族自治州。

唐宋时期的胡琴曾传入朝鲜。

朝鲜成伣编《乐学轨范》（有1494年序）载：“……以黜檀花木（刮青皮）或乌竹海竹弓马尾弦，用松脂轧之。按用左手，轧用右手，只奏乡乐。”

历史。

胡琴在唐宋时期，既是拉弦、又是弹弦乐器，两种演奏方法兼而有之。

与陈旸同一时代的北宋文人欧阳修，在他的《试院闻胡琴作》一诗中写道：“胡琴本出胡人乐，奚奴弹之双泪落。”

演奏方法则是弹拨，没有“用竹片轧之”的含意。

在另一首诗中有着颇为详尽的记载：“奚人作琴便马上，弦以双茧绝清壮。高堂一听风雪寒，坐客低回为凄怆。深入洞箫抗如歌，众音疑是此最多，可怜繁手无断续，谁道丝声不如竹。”这里显然描写的是两弦弹拨乐器胡琴。

可见，唐宋两代，胡琴正处于由弹弦乐器向拉弦乐器过渡的时期。

宋代的胡琴又称稽琴。

宋代高承公元1080年撰辑的《事物纪原》中有：“杜挚赋序曰：秦末人苦长城之役，弦鼗而鼓之，记以为琵琶之始。按鼗如鼓而小，有柄，长尺余。然则击弦于鼓首而属之于柄末，与琵琶极不仿佛，其状今稽琴也。是稽康琴为弦鼗遗象明矣。”照此记述，稽琴在北宋之时，仍靠弹拨琴弦来发音，而不是轧弦发音的拉弦乐器。

在宋代陈元靓《事林广记》（卷八）中，则明确地记载着稽琴是拉弦乐器。

文中说：“稽琴本稽康所制，故名稽琴。二弦，以竹片轧之，其声清亮。”把稽琴归于公元3世纪的稽康所制，显然是伪托古人的一种附会，这可能是陈氏效其“阮咸造阮”之说吧。

同是宋人，又同是记述稽琴，却记载着两种不同的演奏方法。

这充分说明，宋代稽琴仍处于由弹弦乐器向拉弦乐器的过渡阶段。

宋代晚期，中国北部边疆地区已经开始使用以马尾作为弓毛拉弦擦奏的乐器了。

在陕西榆林石窟第十窟的壁画中，画有一飞天用马尾弓拉奏卷首、二轸、二弦、圆筒形琴筒的乐器。

此窟年代约当西夏（公元1038年—1227年）时期，即与中原的宋代相交错。

在山西省繁峙县岩山寺的经幢（为“特赐广济大师之塔”）上，有一线刻乐器图形，一人正盘腿而坐，手持马尾弓拉奏。

有关学者认为，繁峙在元代之前即为蒙古管辖，并以大元为年号，此经幢为“大元二十三年十月十日”建成，即公元1236年，也正值宋代末年。

上述两处之乐器图像，均与今日之二胡维妙维肖。

这种用马尾弓代替竹片擦弦发音的乐器，是中国北方长期过着游牧生活的少数民族的创造，它是拉弦乐器向前发展的一个里程碑。

南宋之时，胡琴类拉弦乐器开始走上发展时期。

中国大批制造乐器用的丝弦，也始于南宋迁都临安（今杭州）之际，故丝弦有“杭弦”之称。

在当时文人的笔记、小说里也不时提及，在《绿窗新语》中的“金彦游春遇春娘”故事里，就写有：“金彦与何俞出城西游春，见一庭院华丽，乃王太尉庄。贯酒坐阁子上，彦取二弦轧之，俞取箫管合奏。”这“二弦”即是与胡琴形制十分相似的拉弦乐器。

明代，胡琴类拉弦乐器随着戏剧和曲艺的兴起而有所改进和发展，演奏形式也多种多样。

从明嘉靖元年（公元1522年）尤子求的《麟堂秋宴图》画卷中，就可以看到一种由胡琴、箫管和拍板三种乐器组成的合奏形式，图中所绘的胡琴，是龙首、卷颈、二弦、马尾弓，而且有了用以固定弦长的千斤。

这在陈旸《乐书》中的胡琴图上是没有的，但也保留着胡琴的较短琴筒、置轴方向和拴弦方法。

它较南宋《绿窗新语》中的二弦有了较大进步，与今日的朝鲜族胡琴和我国福建地区流行的南音二弦已较为接近。

朝鲜音乐家成伣编朝鲜古籍《乐学轨范》（1494年序）中载有：“胡琴，以黜檀花木（刮青皮），或乌竹、海竹弓马尾弦，用松脂轧之。按用左手，轧用右手，只奏乡乐。”可见，胡琴在明代已传入朝鲜。

清代，胡琴用于宫廷的瓦尔喀部乐和庆隆乐中，而前者还要使用四件胡琴演奏。

据民间传说，胡琴是经东胡人之手传入牡丹江镜泊湖一带及东镜城等地的。

后来成为朝鲜族人民所喜爱的拉弦乐器。

音乐与人生如何写篇四

1.要借助声音的形象性，让孩子分辨不同的音区，建立高、中、低音区的概念。譬如让孩子听小鸟、鸭子、黄牛叫的录音，然后再听用相应的高、中、低音区弹奏出的乐声，让孩子理解不同的音区可以描绘不同的形象。

2.通过让孩子听自己喜爱的音乐，学会熟悉唱名与音阶，给孩子编制唱名卡片，再让孩子经常听音阶式较强的歌曲旋律，一个音一个音地识记，如让孩子记唱《虫儿飞》《小毛驴》。

3.让孩子沿着低音依次弹奏到高音，再逆向由高音依次弹奏到低音，学会分辨音的进行方向。同时以一个音的重复弹奏，多次增强记忆，进行同音反复训练。

4.学会拍手练习2/4、3/4、4/4的节拍，并把节拍给孩子写在小卡片上，让孩子依节拍长短听出、说出节拍的长短。这种训练方法，家长最好能与孩子以游戏的方式进行，如果孩子喜欢照相和玩具，可以按拍照的节奏或玩具机关枪的节奏引入练习等等。

教幼儿学习简谱的“柯尔文手势”

音乐与人生如何写篇五

音符在简谱中，记录音的高低和长短的符号，叫做音符。而用来表示这些音的高低的符号，是用七个阿拉伯数字作为标记，它们的写法是：1、2、3、4、5、6、7读法为：do、re、mi、fa、so、la、si(多、来、米、发、梭、拉、西)。

音符是和音高紧密相连的，没有一个不带音高的音符。

音高。

音符的数字符号如1、2、3、4、5、6、7就表示不同的音高。在钢琴键盘上可以很直观地理解音符和音高。广义上说音乐里总共就有7个音符。

音符的长短音乐中的音符除了有高低之分外，当然还要表示长短之分。这里引用一个基础的音乐术语----拍子。拍子是表示音符长短的重要概念。表示音乐的长短需要有一个相对固定的时间概念。简谱里将音符分为全音符、二分音符、四分音符、十六分音符、三十二分音符等。在这几个音符里面最重要的是四分音符，它是一个基本参照度量长度，即四分音符为一拍。这里一拍的概念是一个相对时间度量单位。一拍的长度没有限制，可以是1秒，也可以是2秒或半秒。假如一拍是一秒的长度，那么二拍就是两秒;一拍定为半秒的话，两拍就是一秒的长度。一旦这个基础的一拍定下来，那么比一拍长或短的符号就相对容易了。

用一条横线“—”在四分音符的右面或下面来标注，以此来定义该音符的长短。横线有标注在音符后面的，也有记在音符下面的，横线标记的位置不同，被标记的音符的时值也不同。有个规律，就是：要使音符时值延长，在四分音符右边加横线“-”，这时的横线叫延时线、延时线越多，音持续的时间(时值)越长。相反，音符下面的横线越多，则该音符时间越短。

休止符音乐中除了有音的高低，长短之外，也有音的休止。表示声音休止的符号叫休止符，用“0”标记。通俗点说就是没有声音，不出声横线有标注在音符后面的，也有记在音符下面的，横线标记的位置不同，被标记的音符的时值也不同。有个规律，就是：要使音符时值延长，在四分音符右边加横线“-”，这时的横线叫延时线、延时线越多，音持续的时间(时值)越长。相反，音符下面的横线越多，则该音符时间越短。的符号。

休止符与音符基本相同，也有六种。但一般直接用0代替增加的横线，每增加一个0，就增加一个四分休止符时的时值。

半音与全音。

音符与音符之间是有“距离”的，这个距离是一个相对可计算的数值。在音乐中，相邻的两个音之间最小的距离叫半音，两个半音距离构成一个全音。表现在钢琴上就是钢琴键盘上紧密相连的两个键盘就构成半音，而隔一个键盘的两个键盘就是全音。

变化音将标准的音符升高或降低得来的音，就是变化音。将音符升高半音，叫升音。用“#”(升号)表示，一般写在音符的左上部分，如下所示：标准的音降低半音，用“b”(降号)表示，同样写在音符的左上部分。基本音升高一个全音叫重升音，用“x”(重升)表示，这和调式有关。基本音降低全音叫重降音。用“bb”(重降)表示。

将已经升高(包括重升)或降低(包括重降)的音，要变成原始的音，则用还原记号“ヰ”表示。

附点音符。

附点就是记在音符右边的小圆点,表示增加前面音符时值的一半,带附点的音符叫附点音符。

节奏。

掌握读谱，首先要掌握节奏，练习掌握节奏要能准确的击拍。击拍的方法是：手往下拍是半拍，手掌拿起有半拍，一上一下是一拍。

节拍。

乐曲或歌曲中，音的强弱有规律地循环出现，就形成节拍。节拍和节奏的关系，就像列队行进中整齐的步伐(节拍)和变化着的鼓点(节奏)之间的关系。

单拍与复拍。

单拍指每小节一个强拍。复拍每小节有一个强的，有若干个次强的。

音乐与人生如何写篇六

音乐无处不在,时时向人们传达着美的信息,给人感官上的愉悦,心灵上的陶冶。音乐是美的享受，但现今一些学生演奏的音乐常常是单纯的奏出每个音符，而缺少一种音乐的内在感觉，如何更好地表现钢琴音乐的魅力是一个值得探讨的问题。下面就和小编一起看看如何更好的表现音乐吧。

演奏时首先要理解旋律，找到旋律的动向、形态。第一首曲子《坦诉》，就像开场白一样。这样朴素的旋律，应该把它弹奏得平顺、连贯、平均，所以触键要尽量柔和。

如果说，旋律是音乐中最富于表现力的`部分，那么节奏则在音乐艺术中起着生死攸关的作用。但是在演奏每段音乐时必须有自己统一稳定的节奏和速度。如若节奏速度不符合作品内容风格,在演奏中不能控制自己的节奏和速度,将作品演奏得过快或过慢,随心所欲地变化速度,那将完全改变甚至扭曲了音乐形象。

具体的乐曲分析，如：第二首《阿拉伯风格曲》，16分音符就要弹得干净，左右手要保持一样，尽量弹奏得平均、一致；第七首《清澈的溪水》，这里则需注意连贯性，整曲没有大起大落，是一种很平稳的情绪。所以，声音上要注意层次，三连音要弹得很轻，大拇指要弹得连而长，这样把层次区分出来；还有第八首的《美姿》，是对装饰音的训练，这里强调有固定拍子的感觉，把32分音加上，再来检查节奏是否准确。

所以，只有演奏者真正体会到节奏的内在动力时,音乐才能不断地向前流动。

音乐就像说话一样，是有语气的。自然的演奏才是最完美的演奏，它有着对作品丰厚音乐内容的理解和纯熟的表演技术。重要的是我们要努力地去研究,去体会什么是“音乐本身合乎情理的需要”,恰如其分地把握音乐的情绪和语气。

比如，第四首《儿童联欢会》，是一首双音练习曲。虽然翻译成“儿童联欢会”，但意思不够精准，傅红教授说：“这更像是3、5个小朋友围坐在一起，笑嘻嘻的说着话。”其中，两个音加一个小连线，就像一声叹息。

正像柏拉图所说的“音乐就是宇宙万物”那样，我们不可能用几句话就把音乐中所有的语气论述清楚，但可以在日后的弹琴中慢慢领悟音乐的语气。

音乐表现要着眼于整体。演奏者在处理和演奏作品过程中都要有一个整体概念,了解和把握作品形象、风格,使各个局部要求都成为整体的一部分。处理好作品整体和局部的关系,表现出完满的音乐形象。

其中，踏板是弹奏钢琴曲目十分重要的一个方面。踏板使用的好坏，直接影响到弹奏的声音、色彩和风格。傅红教授说：“第25首《骑士》，这里的踏板需要有分寸的加入。就像开车一样，油门不能一踩到底。在层次好的情况下，再加入踏板，否则声音会很脏。所以，弹奏时旋律要轻，不要跳跃。”

音乐与人生如何写篇七

不同的音乐形式有不同的音乐语言。流行歌曲、摇滚音乐和古典音乐的音乐语言就有差别，正如不同的人对爱情的表达方式不同。许多人觉得古典音乐高深，其实是不习惯古典音乐的表达方式。如果多接触古典音乐，熟悉了古典音乐的音乐语言，就走入了古典音乐的殿堂。

交响音乐是音乐的最高形式。它包括交响曲、交响诗、组曲、套曲、序曲、间奏曲、前奏曲等许多体裁。因为交响音乐是由庞大的管弦乐队来演奏，因此它拥有最大限度的音乐表现力。现在就以交响音乐中的代表体裁——交响曲为例，简单介绍一下怎样欣赏交响音乐。

音乐有它自身的结构。无论多复杂的`音乐都有自己最基本的组成成分，这在音乐中叫做“动机”。动机可以是几小节音乐，甚至可以是一个特定的节奏型。由动机可以发展成一段比较完整的音乐，这叫“主题”。主题就可以比较完整地表达一种情感，或者代表一种思想，一种特定形象。动机和主题绝对需要作曲家的灵感!有些作曲家在这方面很有天才，比如莫扎特、舒伯特等。

音乐家用音乐手法将各种主题加以发展变化，有机地结合，就形成乐章。同样的钢筋混凝土，有些人能盖成高楼大厦。这里就要看作曲家的音乐技能了。有些作曲家在这方面特别出色，比如贝多芬和勃拉姆斯。

乐章有一些基本的组成模式，这就是曲式。曲式说明了主题是怎样构成乐章。比如变奏曲式就是一个主题，它每次出现时都有变化。大部分交响曲都遵循一些固定的曲式。了解了曲式就仿佛抓住了音乐的脉络，有助于我们更准确地分析音乐。

欣赏大部头的交响曲最好能分清它的曲式结构，分清它的各种主题，了解主题是怎样产生，怎样发展变化的，了解了乐曲的结构，就容易了解乐曲的内容，对音乐从感性认识上升到理性认识。

至于主题的内容，每个人都会有不同的看法。音乐的神奇就在于：作曲家创造了音乐，但必须经过艺术家的演奏(二次创造)，听众才能了解它。但不同艺术家，不同听众对同一作品的理解是不同的，同一个人在不同时期对相同作品的理解都会有变化，甚至演奏或欣赏音乐时的心情、场地、音响条件等都会影响对音乐的理解。音乐在每次响起时，对于每个聆听者都是独一无二的体验。这就是音乐艺术的魅力。

多听是了解音乐最重要的途径。所有的文字，语言解说都是从侧面表现音乐，只有亲而聆听才能最直接地面对音乐。在神奇的音乐面前，所有的词汇都显的苍白。古人云：“熟读唐诗三百首，不会作诗也会吟。”音乐欣赏也是一样。如果听透了贝多芬的32首钢琴奏鸣曲，对于古典的曲式和音乐的表现力都会有质的提高，再碰上古典和浪漫乐派的作品就会很容易接受。

音乐家正是有了音乐动机的灵感，写下了音乐主题。然后按照自己的观念，用音乐手法将各种主题组合起来，才形成了美妙的乐章。这也形成了作曲家的风格。比如约翰·施特劳斯的圆舞曲都是由许多优美的圆舞曲主题串接起来;柴科夫斯基的旋律优美迷人，感情外在;贝多芬善于挖掘音乐主题的各个层面，并运用严格的曲式和高超的作曲技巧构成深刻的内容等等。

入门时可以先找一些比较通俗、标准的曲目，以培养自己的音乐理解力和音乐记忆力，了解音乐是怎样构成和发展的。比如贝多芬《第五交响曲》(命运)，柴科夫斯基《第6交响曲》(悲怆)，中国的《梁祝》等。它们的音乐形象鲜明，结构严谨，内容深刻,很适合初学者。

音乐与人生如何写篇八

主题，是音乐的核心内容，那么我们该如何去把握音乐中的主题呢?下面就和小编一起来看看吧!

音乐主题是一首乐曲最主要的乐思，常是作曲家在充满激情的精神状态下写出来的。它具有鲜明的个性特点，富有较强的表现力，意义也比较完整。乐曲一开始往往就是音乐主题，也有经过引子才出现的。因它是形成全曲音乐形象的基础，很重要，因此创作音乐作品时，首先应把精力集中于此。

主题的构成，就乐句的句数来看，常由两个乐句构成，也有由一个、三个、四个或更多个乐句构成的。它常结束在调的主音上，或三音、五音上(即结束在主和弦上，大调是1、3、5，小调是6、1、3，徵调式是5、2，商调式是2、6等)，有一结束感、段落感。

主题往往是一个乐段。

主题核心是主题的一部分，多在开始的地方，常见的是一或二小节(自成一个“单元”)，有时是一个乐句。整个主题常由此核心延展而构成的。平时谈及音乐主题时，常不是指主题的全部，而是指主题的一部分，如主题核心。

这是由两个乐句(每句八小节)构成的音乐主题，终止在小调的主音上，开始两小节是主题核心(很有小草纯朴无华的特色)，整个主题由此发展而成。

作曲家创作乐曲时，经过酝酿、构思，初步明确所要达到的目标后，共写作次序一般是：先写好音乐主题，把头开好;继而予以发展;最后通过合理的曲式而完成音乐形象。这三步往往是紧密联系在一起的。

主题节奏是指主题或主题核心的节奏骨架，主题的个性特点以及主题的多样性常由此奠定。

主题节奏就歌曲来说，常与歌词朗诵的节奏有关。但无论是歌曲或是器乐曲的.主题节奏，更重要更宽广的来源是作曲家对生活的深刻感受，是在自己内心深处的感情波涛上所进行的各样富有特色的"浮雕"。一种是主观心境的刻画，这是主要的，为数也最多。一种是客观人物、景色的刻画、描绘，虽然是客观的，但也绝离不开主观的作用。

主题节奏与歌词朗诵节奏的关系有些歌曲的主题节奏与歌词朗诵的节奏基本一致，如：不少歌曲的主题节奏与以上情况相似：

主题音调是指独立于主题节奏的高低的连续，常具有一定的特点。

主题音调的民族风格音调有相当强烈的民族范围内的继承性。音调与民族的语言及思想感情特有的表达方式等密切联系着，形成自己独特的风格。中外许多著名作曲家所创作的音乐主题，其音调大都一定程度具有自己的民族风格。俄罗斯作曲家格林卡曾说过，音乐是人民创造的，作曲家不过是加工改编而已。特别是从音调来看，这话是有根据的。有些器乐曲的主题本身就是民歌，如柴科夫斯基《d大调第一弦乐四重奏》第二乐章的主题：是一首俄罗斯民歌。我国沙汉昆《牧歌》(小提琴独奏)的音乐主题：来自内蒙古民歌。

我们有些革命群众歌曲，本身就是民歌，只是重新填了词，以新的时代的激情去演唱，从而有“出新”。原封不动地把民歌作为主题，总的来看终是很少数，更多的是在民族、民间音乐的基础上进行再创造。

音调与语言有密切的联系，这在歌曲创作中尤为显见，如音调的起伏尽可能与歌词朗诵的语调相一致，以使歌词内含的感情较自然地表达出来，歌词也让人听得清楚。

朗读第一句歌词时，“握”字要比“手”字自然地扬上去一些，“一杆”稍低下来一点，“钢枪”的“钢”字，明显地要更高地扬上去。这个音乐主题的音调起伏与歌词的语调基本一致，听起来很自然。应注意到这当终是以音乐形象的塑造为中心的，以上这一切与特定的宽广的主题节奏结合在一起展现战士的胸怀，含义才全面。

有时音调的进行与歌词字音的起伏有矛盾，一般来说，这时应着重音乐形象的塑造，因为音调自身的起伏还有它自己的规律，有一定的独立性。通常，好歌曲脱离了歌词，移植到乐器上演奏，仍很完美，说明了这一点。

音调与歌词朗诵的起伏从总的来看基本一致，大部分歌词都听清楚了，但其中的“滴阶前”听起来像是“滴解前”，不理想。但从音乐本身来看，音调起伏婉转，很有“春思”的意味，特别是前调小节的音调5 1 2 3与后两小节的音调 i 6 2 3 2是呼应的。若为了把“阶”字唱清楚，势必要改动整个主题音调，权衡利弊，还是像原曲这样为好。

自然，如将“你是灯塔”谱成3. 1 |6 3 |听起来像是“你是等他”词意全变了，显然不可取。而赵元任作曲的《老天爷》其中的“老”字内含有由低往高的明显趋势，音调上配以3 5，听得很清楚。

聂耳、冼星海的歌曲，其音调的起伏与歌词朗诵的起伏多结合得相当完美，但并不全按字寻腔，而更多地着眼于整个音乐形象的塑造。

音乐与人生如何写篇九

在整个小学音乐教学中，合唱教学一直都占有很大的比例。因为合唱教学在强化小学生演奏观念、提高团队协作能力、培养音乐素养方面都有着积极的作用。小学音乐教师应该在授课中加强民族音乐教学，增强学生的民族音乐审美能力，让学生感受民族音乐文化丰富多彩的魅力；弘扬民族音乐，增强学生对民族音乐的了解、喜爱，让学生通过对民族音乐的了解和掌握，激发他们热爱祖国、热爱家乡的情感，增强学生的爱国爱家情怀。

一、民族音乐教育的意义。

（一）培养小学生的审美创造能力。

民族音乐的审美教育是一个富有体验性和创造性的过程。在民族音乐教育活动中，学生通常会用创造性的语言或者动作表达情感。例如编创歌曲或者编创音乐动作，学生在自娱自乐的创作世界中学会表达自己的感受，教师也可以此提高小学生的审美创造能力。比如我国民族音乐中的宝贵财富――壮族民歌。热爱生活、热爱劳动，追求真善美的壮族人民把“以歌会友、以歌传情”的音乐文化深深地融入到了歌曲的创作中。学生通过学习壮族民歌，不仅感受到了壮族民族的风俗和壮族人热情好客的性格，还体验到了创编歌曲歌词的乐趣。

（二）提高小学生的审美感知能力。

民族音乐对学生审美感知能力的培养是多方面的，主要通过对民族音乐“五美”的感受和体会，即旋律美、意境美、音色美，节奏美和风格美。学生开展艺术创作活动和艺术欣赏的基础就来自于审美感知能力的培养，民族音乐利用其旋律的动听、音乐形象的生动、曲调的`优美和风格的浓郁等特点构成学生对民族音乐的感知要素，学生在此过程中拥有丰富的审美体验，从而提高学生的审美感知能力。

（三）强化小学生的审美理解能力。

民族音乐作品的内容丰富，包含有对秀丽山河的赞美，对顽强生命的歌颂，对恋乡情结的苦楚表达等，无一不体现着人们在生活中的真切感受和体验。比如一首富有藏族风格的少儿歌曲《妈妈格桑拉》，这首歌第一部分有抒情的旋律，以第一人称的口吻，叙述着母亲对孩子浓浓的爱。歌曲的第二部分是由歌颂母爱转为孩子对母亲的呼唤，描绘了孩子对妈妈深深的依恋。该曲赞颂了母亲的伟大，同时也激发了学生要懂得孝顺父母以及对亲人感恩的意识与情感。

再比如《爱我中华》这首歌表现我国五十六个民族团结一心，建设国家的雄心壮志。在学生深入理解、学唱歌词的基础上，让学生一起齐读歌词中“爱我中华，健儿奋起步伐。爱我中华，建设我们的国家。爱我中华，中华雄姿英发。”这部分的内容，不仅有利于培养学生的想象力和表达能力，还有利于激发学生爱国的情怀。民族音乐作品包含的民族情感和精神，在净化学生心灵，陶冶学生情操的同时，实现了在小学音乐教育中弘扬民族精神，加深小学生对民族文化内涵的理解。

二、开展合唱教学的实践方法。

合唱是一种讲究共性的集体表演艺术，它与个别的声乐教学活动大为不同，可以说合唱艺术就是合作的艺术，所以每一位合唱队员互相合作训练是极为重要的。学生要养成每天阅读英语文章的习惯。因此，教师可要求学生每天坚持阅读不少于20分钟。

三、阅读材料要丰富。

在阅读教学中，教师可选择篇幅短、内容有针对性的文章，让学生在课外寻找有关的资料进行阅读。这样有助于提高阅读与理解文章的有效性。教师可指导学生多阅读书籍、报刊、杂志、广告等，注意留意中西方的文化与习俗，熟悉各种文体特征、各种题材内容，切实提高阅读能力。阅读材料可以来源于英语电影、英文报纸杂志等，可以是记叙文、议论文、说明文等。教师还要根据学生的不同阅读水平选择合适的材料阅读，最好能分专题阅读，或选择与课本相关的专题阅读。这样，学生通过大量阅读各种英文书刊，增加自己的阅读量，而且也拓展自己的视野。在阅读教学中，教师可以针对学生在阅读中存在的薄弱之处，有目的地设计或者选择一些阅读材料，对某一项阅读技能进行强化训练。

总之，农村教师一定要从实际出发，在工作中探索适合农村学生进行英语阅读的方法，有针对性地引导学生且持之以恒，相信在师生的共同能力下，一定可以提高农村中学生的英语阅读能力。

音乐与人生如何写篇十

送别（电影《城南旧事》插曲）口琴谱该歌谱演奏者为约翰·p·奥德威，歌曲名称为送别，歌谱类型为口琴谱。

《送别》，曲调取自约翰·p·奥德威作曲的美国歌曲《梦见家和母亲》。

《梦见家和母亲》是首“艺人歌曲”，这种歌曲19世纪后期盛行于美国，由涂黑了脸扮演黑人的白人演员领唱，音乐也仿照黑人歌曲的格调创作而成。

奥德威是“奥德威艺人团”的领导人，曾写过不少艺人歌曲。

李叔同留日期间，日本歌词作家犬童球溪采用《梦见家和母亲》的旋律填写了一首名为《旅愁》的歌词。

而李叔同作于1941年的《送别》，则取调于犬童球溪的《旅愁》。

如今《旅愁》在日本传唱不衰，而《送别》在中国则已成骊歌中的不二经典。

沈心工也曾根据《梦见家和母亲》写过一首《昨夜梦》，但最终没有抵得过李叔同《送别》的光芒。

创作背景。

《送别》曲调取自约翰·庞德·奥特威作曲的美国歌曲《梦见家和母亲》。

《梦见家和母亲》是首“艺人歌曲”，这种歌曲19世纪后期盛行于美国，由涂黑了脸扮演黑人的白人演员领唱，音乐也仿照黑人歌曲的格调创作而成。

李叔同在日本留学时，日本歌词作家犬童球溪采用《梦见家和母亲》的旋律填写了一首名为《旅愁》的歌词。

而李叔同作的《送别》，则取调于犬童球溪的《旅愁》。

歌曲歌词。

长亭外，古道边，芳草碧连天。

晚风拂柳笛声残，夕阳山外山。

天之涯，地之角，知交半零落。

一壶浊酒尽余欢，今宵别梦寒。

音乐与人生如何写篇十一

名言说:“激发学生对音乐的兴趣,这是把音乐的魅力传递给他们的必要条件”。爱因斯坦也说过:“兴趣是最好的老师”。所以,激发学生学习音乐的兴趣,对培养学生的音乐修养、健全审美心理、提高人的整体素质,有着重要作用的。对音乐感兴趣是青少年的共性,有许多学生往往把每周一节的音乐课视为“一周最美好的时刻”。特别是在上到欣赏课的时候,如果我们教法呆板,一成不变,索然无味,学生就会失去学习的兴趣。

我们的学生在欣赏课中,认识音乐主要靠听觉、想象来完成。其实,视觉也是一种很好的辅助形式。在教学过程中恰当地采用直观的教学方法,以发挥学生多种感官的通觉作用。比如说美丽的挂图与优美的板书就能令学生在老师创设的情境中忘情的学习。例如:在欣赏七年级下册歌曲《太湖美》时,因为这是一首具有浓郁江南色彩的民歌,我就会用多媒体展示一组江南着名风景的图片,与曲调幽雅流畅、委婉曲折、与描绘太湖风光诗情画意的歌词相得益彰了。学生就被这强烈的视觉冲击所吸引。上课时自然格外用心。在欣赏歌曲《保卫黄河》时,利用大幅彩色挂图引导学生想象,激发学生兴趣。另外,现代科技的发展也为我们的教学带来了福音。多媒体教学的兴起,使课堂更加生动、精彩、形象逼真。如:在欣赏《春江花月夜》时,音像同步展现夕阳西下,皓月东升,江上微波涟涟,白帆点点。乐队的演奏如同正坐在音乐厅中现场欣赏一样。学生们忘情地投入在民族器乐所展现的清丽优雅的意境中。再者在学习戏剧时,我们可以让学生看录像、听唱腔、见脸谱和戏装、知道舞台美术、用上锣鼓、学点念白和走步、甚至学一两个唱段等,通过这些最直观的感受,使学生对戏剧有了感性认识,加深理解。学生通过多种感官的感受和体验,对于理解、评价京剧艺术也有了比较深刻的认识。

二、营造课堂氛围,放飞音乐想象。

音乐的魅力在于能给人们一个驰骋想象的空间。中学生正处在富于想象的年龄,我们要鼓励学生对音乐多联想和想象。在课堂中试着用音乐打开学生想象的闸门,培养他们的发散性思维能力,使他们学会以审美的态度去听音乐,去感受音乐。

在九音乐欣赏课上,歌剧《卡门》,音乐雄壮、有力。教师先放一段试听,引导学生:你能想象这是怎样的一个画面吗?我们把音乐和美术这两种艺术形式结合起来,充分发挥你们的想象才能。师点出有英武的斗牛士,也有高声喝彩的群众,画面呈现出一派热烈欢腾的情景„„接着一步步跟着学生的兴趣让他们讲讲所知道的关于斗牛的知识,然后再让学生示范,斗牛的动作等等,最后伴着音乐一起去感受斗牛场的氛围。这样一个渐进的过程已经在不知不觉中抓住了学生的心,让他们带着欣喜与渴望去听这个音乐。

那么掌握音乐的表现手法,这也是引起联想和想象的必要条件。如钢琴的快速琶音好像流水,长笛三度音好像鸟呜,定音鼓的轮击好象雷声,快速半音阶下行的旋律好象下雨的形象,听到《信天游》就可以联想起黄土高原的景象,听到《茉莉花》就好象见到了秀丽的江南水乡等等。

我在向学生讲解民族拉弦乐器时,在欣赏内容上作了精心的挑选和安排,使所选的乐曲既能充分体现该乐器的音色特点和演奏技巧,又能使每首乐曲在情绪和音乐形象上有所对比。这样,整堂课的欣赏内容就丰富了。如在讲解二胡时,我将二胡带到了教室中,以最直观的方式用实物进行介绍,并用多媒体播放二胡现场演奏录像,让学生观看聆听几个音乐片段。学生亲眼目睹了二胡的外形和演奏形式,初步感受了二胡丰富的表现力。然后着重介绍并欣赏了由唐代着名歌曲改编的二胡独奏曲《阳关三叠》,这是一首抒发诗人王维对一位从军朋友的别离之情,含蓄地反映了古代人民在不合理的征戌徭役制度下的哀怨情绪。学生聆听了二胡那近似人声的优美柔和的诉说,再加上教师画龙点睛地描绘,使学生深刻了解作品的背景和内涵,同时给他们创设了一个感人至深的美的境界。我在此时又不失时机地抓住他们的表现欲望,以乐曲为背景,以小组为单位进行进一步创作活动。经过讨论、编排,学生们选派代表表达了对作品的不同情感:有诗人与朋友依依不舍的分离场面;有妻离子散、家破人亡的悲惨一幕;也有在音乐的衬托下有表情得朗诵同名诗„„整个课堂氛围达到一个高潮。

三、体验参与乐趣理解音乐共鸣。

2、请你用一种颜色来形容和表现乐曲的情绪。让学生带着问题有目的的聆听。结果,听一遍后学生纷纷举手回答:我听到了敲锣打鼓的声音好象过年过节一样热闹的场面;在欣赏这首乐曲是还要给学生“动”的空间、时间,让学生在“动”中加深对歌形象的联想,从而增强对音乐的表现力。

总之,音乐欣赏对学生的教育作用是其他任何教学手段不能替代的。一位音乐心理学家说得好:“在沉默中听伟大的音乐作品而不加以评论也有巨大价值的,因为伟大的音乐作品总会给人以深刻印象的”。所以,作为初中音乐教师,如何去上好音乐欣赏课是音乐教师值得探讨和研究的课题。

音乐与人生如何写篇十二

xx年4月26日下午，教者在盐城中学艺术楼音乐教室上了一节高中音乐欣赏课，为了更好地提高教者的教学义务水平和促进同仁之间的交流学习，教者特作如下的教学实录：

一、组织教学。

教者为了吸引学生的学习兴趣，活跃课堂氛围，接排了多媒体播放《爱我中华》让学生随乐哼唱，结果学生异常高兴，都带着一份好心情走进了音乐课堂，接着师生互问好。

二、整体性教学。

设计意图及效果：

（1）吸引学生充分发挥主观能动性，拓宽学生的音乐文化视野。

（2）学生异常兴奋，紧紧扣住教学目标，新教学理念。

三、分析教学学阶段。

1、藏族。

a、课件展示，藏族风土人情，风俗习惯，自然引出酒歌。b、在欣赏酒歌的同时，要求大家从旋律上理解乐曲。要求大家画出旋律线条。c、讲解全曲由四个不规律的长短句组成五声调式d、欣赏齐唱《青藏高原》讨论：（曲调清新流畅）。

2、蒙古族。

3、朝鲜族。

课件展示（1）伽耶琴与中国古老弹指乐器古筝之区别（2）欣赏《纺织谣》4、维吾尔族。

讨论：你认为音乐风格主要通过哪些音乐要素表现出来？

四、拓展性教学活动。

引导学生课余时间收集更多的少数民族人文、地理、风俗等方面资料，在班上交流。

五、结束语。

号召性结束语简练、干净、语言感染力强，起到了很好的教学效果。

加强了学生对音乐作品的理解。

大家能够将画出旋律线条，理解乐曲。

效果：学生讨论热烈，发言涌跃效果好！学生随乐哼唱，气氛活跃。分析体会短调音乐特点。通过参与合作，提升了学生对短调音乐兴趣，学生合作气氛热烈参与性强，效果好！

让学生比较，讨论，听音乐。加深印象。

引导学生从伽耶琴独特的音色中感受到朝鲜人民热爱劳动，热爱生活的真情实感。讨论：

新疆音乐特点是否同老师所说？你认为呢？

课件展示，用周笔畅的《青春舞曲》让部分通俗音乐走进课堂，贴近时代，容易引起学生的共鸣。

小组讨论，代表发言。

（学生发意见解独特，观点新颖效果好！）。

一节课的容量是有限的，教会大家学习方法，课后才是大家最大的学习课堂。

本节课就是在这样轻松、愉悦的范围中度过，学习愉快地学习了中国少数民族音乐，教者圆满地完成了教学要求，整节课面向全体学生，注重个性发展，重视音乐实践，增强了创新意识。当然还会有许多不足，多请大家提出宝贵意见，教者表示衷心地感谢！

教学反思：

提到音乐中的美大家都能说出几点道道来。音乐作为人类的一种精神食粮，人们之所以需要它，是因为它能够给人愉悦，能使人在精神上产生美感。因此一节优秀欣赏课让学生保持一份良好的心情，使其充分感觉到音乐的愉悦，这既是音乐教学能否获取成功的前提，也是音乐教学的目的.之一。那么如何让学生体验到音乐中的美呢？教者从教学实践中粗浅地认为：

让学生主动参与课堂，做学习的主人。

在实践教学中，教者认为当学生处于愉悦状态的时候，最有利于形成优势兴奋中心，使学习是一种艰苦劳动披上一层乐于主动接受的色彩，这种变“苦学”为“乐学”的状况最适于在音乐教学中体现。音乐教学方法的趣味化和游戏化，不仅给学生带来极大的乐趣，而且会使他们对音乐产生浓厚的兴趣。享受音乐，用音乐美化人生，是音乐教学的目的和归属。如教者在上《中国少数民族音乐》这一课中深有体会。中国少数民族音乐博大精深，一节课根本无法讲完，欣赏完，但是教者能抓住几个代表性强的几个民族如藏族、蒙古族、新疆等四个民族，分别从他们的音乐中的旋律、节奏、节拍、调性等因素让学生体验，实践，从而引起了学生的共鸣。因此整个课堂，学生讨论热烈，见解独到，在教师的启发和指导下主动参与体验音乐，特别是一段简单的筷子舞，让学生充分体验到蒙古音乐特点，蒙古民族舞蹈所特有的韵味，把整个课堂气氛推到了极顶。

音乐与人生如何写篇十三

民族音乐文化发展史上，关于民族音乐文化的研究很多，但是能涉及到音乐教学和民族音乐文化传承的内容很少。我国有关民族音乐文化的教学活动开设，多受到西方的音乐教学理念影响，导致音乐教学中民族音乐融合不够。故，研究民族音乐文化并将其应用到高校教学活动中十分必要。

（一）民族音乐文化传承。

高校其实是培训人才的重要基地，能担当起中华民族传统文化传承的重要任务。为让高校的音乐教育和民族教育能更好的契合在一起，就要找到适当的切入点，给学生传递正确的文化知识。但由于民间文化组织形式明显带有不确定因素，若在教学活动开设期间单纯的依赖民间文化的组织形式弘扬传统民族文化显然是不够的。大学生是未来社会主义的接班人，也是祖国未来发展的新希望，所以要重视民族传承的重要力量。基于此，可以判定民族音乐文化作为重要的传承机构，是十分利于民族文化传播的。

（二）民族音乐文化传承是高校教育的基础。

高校教育中民族文化是重要的依托，也起到了基础性作用。从现阶段的`高校教学角度探寻问题，部分高校将音乐课程设置为基础性的教学课程，使用的教材也是精心挑选的教材，其实这是十分有利于民族音乐文化传承的。加之，全球化发展已经涉及到世界上的多个领域内，为能在国际舞台上一显身手，就应该充分显现出我国音乐文化的特色内容。音乐文化一直被看成是高校音乐教学活动的基础内容，所以能与民族音乐进行结合就显得十分必要。

（一）提高教学水平，建立完善师资队伍。

高水平的高校师资队伍，不但能保证课程教学质量，也能为课程教学活动创设良好的教学气氛。若教学活动开设期间能从高校音乐课程教学的角度探寻问题，就能解答出学生在实际学习中遭遇到的问题和疑虑。因此，为让高校音乐教学能与传统的音乐传承更好的契合在一起，就需强化师资队伍建设，建设高水平的教科研队伍。高校要制定合理的教师培训计划，组织教师外出学习，多与兄弟院校交流互动，了解到当前教学中的新理念和新方法，并构建强有力的教师队伍，更好的进行民间音乐的传承。

（二）树立正确观念，激发学生学习兴趣。

民族音乐的传承不能死守一套，不进行更新。其实民族音乐文化传承要不断地进行改革和发展，通过革新的教学模式，保留先进内容，剔除落后文化，所以教师在民族音乐教学活动开设时就要树立正确的教学理念，先给学生选择优秀的民族音乐作品让学生欣赏，最近一段时间比较流行民歌元素，教师可以在上课期间给学生播放中国传统的民歌如《走西口》、《小河淌水》等，给学生多播放几个版本，让学生对比进行欣赏，最终选择自己喜爱的版本，并说出理由。很多学生在欣赏的时候注意到龚丽娜的《走西口》在没有伴奏的情况下，能真挚的将留念亲人的情感凸现出来，给人以感同身受之感，学生通过欣赏民歌音乐作品也开始重新审视龚丽娜这名歌手，可以从不同的角度解读她，并看到她将民族音乐和现代音乐巧妙融合在一起产生的独有效果。使用该教学模式的目的是激发学生的学习兴趣，让学生的学习积极性得以调动。关于民族音乐文化的传承具有开发性特征，其实传承民族音乐文化就要先吸收先进的文化，然后在先进文化的前提下进行音乐创新，从而让民族音乐文化更好的推行下去，推动民族音乐文化的发展。使用上述教学方法，不但有助于培养学生的学习兴趣，也能让学生的全部身心都投入到课堂教学活动内。

（三）创新教学模式的完美融合。

高校音乐教学活动开设期间，为更好的传承民族音乐文化，就要打破常规的教学方式，开展创新教学理念，这样才能让音乐和文化进行有机的结合。第一，从音乐的技术层面考虑问题，教师要为学生选择较为优秀的民族音乐作品，使学生在音乐作品中体会到演绎的技巧，这将更好的强化学生对音乐的感悟；第二，教师为让学生对民族音乐有系统性的认知，就要将传统音乐分类，通过分类学生能看到不同民族文化之间的差异性，学生能在音乐学习中对音乐有着深层次的理解，并使其充分感受到民族音乐的独有价值；第三，开展音乐历史教学时，教师可以使用专门的音乐作品进行授课，通过互动教学提问的方式，使用情境教学这一先进的教学方法，把传统民族音乐展示在现代音乐课堂教学中。传统音乐和高校的音乐教学更好的融合在一起，对引导学生认知音乐文化规律有着积极影响。

三、结语。

民族音乐文化内凝结着中国五千年的音乐文化发展史，也是能集中体现我国音乐问题的关键点，能彰显出中华音乐文化的实质内涵，这对我国音乐文化的发展提供了更好的指导。高校音乐教育与民族音乐文化间形成较为紧密的联系，高校作为音乐文化传统机构，应该吸收民族音乐优势，弥补传统教学不足，所以两者的融合有其必然性。基于此，教师就要树立正确的教学理念和教学思想，使用先进的教学方法和手段，大胆创新教学模式，激发学生学习音乐的欲望，最终实现民族音乐文化的传承和发展。

[参考文献]。

[1]任淑婧.高校音乐教学与民族音乐文化传承问题探讨[j].黄河之声,,04:63.

音乐与人生如何写篇十四

摘要：民族音乐经历了数千年的浩瀚历史，是中华民族音乐艺术智慧的集聚和民族精神的表达。迈入新世纪，全球化和市场经济的实现中国音乐市场百川归海的形势对中华民族音乐提出了挑战，民族音乐空间变得狭小，民族音乐在音乐市场的传承问题显得至关重要。文章从重视民族音乐在市场中的宣传和推广；民族音乐的自我创新；学校民族音乐教育重要性三个方面来进行探讨，寻求民族音乐传承道路。