色彩艺术概论论文(模板16篇)

总结是一种思考和反思的方式，可以帮助我们认清自己的优点和不足。写作需要注意语言表达的准确性和逻辑性，避免产生歧义。以下是小编为大家整理的一些总结范文，希望能够给大家一些灵感和参考。

色彩艺术概论论文篇一

无论是在学习还是在工作中，大家最不陌生的就是论文了吧，通过论文写作可以提高我们综合运用所学知识的能力。你所见过的论文是什么样的呢？下面是小编帮大家整理的安格尔油画艺术理性色彩论文，欢迎大家借鉴与参考，希望对大家有所帮助。

让奥古斯特多米尼克安格尔，法国著名画家。1780年出生于法国的朗格多克省，在父亲的引导下，自幼喜欢绘画，且表现出了过人的艺术天赋。1791年进入了图卢兹学院学习美术，后于1797年来到巴黎，进入古典主义大师达维特的画室，并获得了十分突出的成绩。1801年，凭借《阿伽门农的使者》一举获得了瞩目的罗马大奖，此后先后创作出了《里维耶夫人像》、《路易十三的誓愿》、《大宫女》、《瓦平松的浴女》、《土耳其浴室》等作品，都在当时获得了好评。创作上的巨大成功，使他被选为了皇家美术学院院士，并担任罗马法兰西学院院长。1856年《泉》的诞生，被视为是其创作的最高峰。1867年1月，因肺炎病逝于巴黎，享年87岁。

油画是一门视觉艺术，而题材则直接关系到欣赏者对作品的第一印象，所以对整个作品有着重要的影响。安格尔的作品，每一题材都是经过其精心挑选的，从中也折射出了其理性的思考。首先是历史和宗教题材。在安格尔生活的时期，美术流派众多，在题材选择上也十分多样化，包含人物、风景、景物，等等。但是安格尔却另辟蹊径。因为和当时的上流社会接触较多，所以其知道官方美术评比机构普遍更加喜欢历史题材，获奖者还能得到丰厚的奖励，所以安格尔自然不会放过这种机会。《阿伽门农的使者》就是一个典型，其取材于古希腊的神话，阿伽门农抢夺了阿喀琉斯的女俘虏，随之引发了双方的交恶，为了避免事端的扩大，阿伽门农带着女俘虏来到了阿喀琉斯的营帐前。除了形式方面的完美无缺之外，这幅画在当时还有另一层深意，即暗示当时的法国封建势力和新兴资产阶级达成了暂时的妥协。又比如《洛哲营救安吉里卡》，表现的是支那女王安吉里卡在被杀害之前，勇士洛哲骑着鹰马一体的座驾，杀死奥鲁克救下安吉里卡的情形。对于这个著名的故事，很多画面都曾经表现过，如德拉克洛瓦、皮库等人。他们都将这一场面描绘的十分激烈，甚至带有几分血腥的味道，人物的表情也是丑陋、惊恐等无所不包，给人以十分紧张的感觉。但是安格尔作品，却呈现出了一种截然不同的风貌，安吉里卡被描绘成为了一个女神，在死亡面前没有丝毫的恐惧，而是十分淡然。英雄救美的洛哲也只是将长矛轻轻放在了怪兽的嘴边，表情也十分庄重。这显然也是一幅带有政治意味的作品，意在表明封建势力和资产阶级之间的矛盾并非不可调和，应该尽量避免冲突的发生。这也是当时法国封建统治者所乐于见到的结果，而安格尔也因此获得了梦寐以求的罗马大奖。抛开历史和政治的因素不谈，安格尔能够凭借自己对当时时代和社会的认识，经过理性思考后创作出这样一幅作品，可见其用心之深。其次是人物题材。肖像画也是安格尔创作的一个重要方向，而之所以选择这种题材，则仍然是一种理性思考的结果。在获得罗马大奖来到巴黎时，安格尔的生计一度十分窘迫，所以其选择为上流社会人物画肖像画，这将给他带来直接的丰厚收入。比如1803年创作的《第一执政者肖像》，就是一幅拿破仑的肖像画，并使他很快摆脱了生活困境。由此可见，安格尔在题材的选择上是煞费苦心的，尽管后来的很多评论者认为安格尔过于投机和钻营，但是从另一个角度来说，虽然题材上带有一定的功利性，但是在具体的创作中却是竭尽全力的，而且还能是使自己摆脱困境，获得更大的发展空间。因此是一种经过深思熟虑后做出的正确选择。

构图是创作者对画面中各要素的合理安排，对整个画面的风格表现有着重要的影响。因为欧洲古典画风是从文艺复兴时期萌生的，而文艺复兴又将理性视为一项重要的创作理念，于是透视学、建筑学、几何学等都能够在油画中找到身影。特别是很多宗教题材的绘画，其创作出来后是为了让教徒们膜拜的，而不是个人欣赏的，所以十分强调构图的完整性，力求展现出一种庄严肃穆的风格。对安格尔来说，其自幼接受的是古典主义绘画教育，自然秉承了这种创作理念。首先是三角形构图。安格尔对这种最稳定的构图形式青睐有加。在他的大部分肖像画中，都采用了这种构图方式。如《保罗与弗兰西斯卡》、《路易十三的誓约》、《荷马礼赞》、《格拉奈》、《别尔登肖像》等，如《别尔登肖像》中，画面采取了四分之三侧面的角度和稍高的视点，人物坐在椅子上，身体略微倾斜。头部和躯干部自然组成了一个稳定的三角形，而且四肢幅度很小的动作，又为这个三角形凭添了几分活力。而且如果仔细观察这幅画后还会发现，安格尔还在这个三角形中嵌入了一个圆形，画面中的人物手放在膝盖上，胳膊向外伸展，于是肩膀和手到膝盖就组成了一个圆弧。对此安格尔曾解释道，要尽量避免方形等轮廓，而是要追求一种稳定的圆润感。可谓是对传统的一种创新。其次是对前人构图的模仿。在安格尔看来，文艺复兴时期一些大师的经典之作，都是构图的典范，在他的创作中，也对前人的作品进行了模仿。比如《路易十三的誓言》是对《西斯廷圣母》的模仿，《泉》是对《维纳斯的诞生》的模仿，《莫第西埃夫人》则是对《阿卡迪亚》的模仿。以最为著名的《泉》为例，对比《维纳斯的诞生》来看，人物的站立姿势和头颈部的姿态都是一致的，变化的只是双手部分。而下肢部分则更加相似，都是以左腿作为支撑腿，右腿轻点地面而支撑住身体，这样一来就获得了一种紧张和轻松的状态对比。由此可见，安格尔在构图方面也是十分考究的，集中体现着其特有的审美风格。

造型是古典主义绘画的基础，在古典主义画风中，要求造型绝对准确，力求精准的再现客观物象。对此安格尔是十分认同的，但是同时他又认为，绘画要给人带来美感享受，当发现表现对象的真实美感有所欠缺的，绘画者可以通过自己的技术处理，使之更加完美。而至于处理到什么程度，是否真的能够获得优化的效果，则要看绘画者的审美和技术水平了。比如《大宫女》就是一个代表作品。在创作之前，安格尔利用素描草图进行了多次研究，对整个画面的每一个要素都考虑的十分细致，并尝试着进行优化处理。画面中，人物的背部线条开始于所戴头巾的最高点，经过一个简单的曲线之后，经过左腿一直延伸到画面右侧。而手臂的曲线则在帷帐中得到了延伸，一直延伸到了画面的最顶端。可以看出，安格尔刻意设置出了两条曲线，从而使整个画面看起来更加唯美。而在实际中，多数人的人体曲线是不可能这般完美的。而且为了让整个画面更加协调，安格尔还让人物的左腿搭在了右腿上，这无疑是一个在现实中略显别扭的工作，而被安格尔刻意为之，自然是为了追求他心中的完美。又比如在《洛哲营救安吉里卡》中，一眼望去，人物的整个外部轮廓是十分流畅和完美的，但是仔细发现，这种流畅和完美的关键则在于，安格尔对人物的脖子进行了加粗处理。对此当时很多评论家颇有微词，认为其不尊重表现对象。而安格尔却认为，只有将对方表现的绝对完美，才是对其最大的尊重，对此牺牲一部分真实也是值得的。且不对两种看法进行评析，由此可以看出的是，安格尔对于造型是有着自己独特思考的，并能始终坚持下去。

色彩对于油画的重要性是不言而喻的。关于安格尔的色彩运用一直都存有争议，有的评论者认为安格尔在色彩运用上过于保守，不够光彩夺目；有的则认为安格尔追求的就是这种平静、理性和唯美的效果。两种观点都各有偏颇。其实安格尔在求学期间，曾对罗马画派、佛罗伦萨画派、威尼斯画派的作品进行了深入而细致的研究，并进行了大量的临摹，在此基础上提出了固有色加主观色的用色理念。既能够尽可能的反映出真实色彩，又能够让色彩在自己的审美表现中发挥重要的作用。比如《勃罗日里公爵夫人像》，被誉为是安格尔在色彩方面的杰作。一眼望去，整个作品的色彩是十分写实的，白皙的'脸庞、脖颈和手臂，在天蓝色晚礼服的映衬下，给人以生气勃勃之感。而金黄色的座椅靠背，则和身体的象牙白色以及礼服的天蓝色形成了鲜明的对比。但是再仔细观察后则会发现，其在色彩运用上绝不是再现这般简单，其先是将阴暗面降至了最低，然后重点表现色彩的纯度，于是身体的象牙白色和天蓝色就成为了整个画面中的高光部分。与之相对应的则是黄色的座椅和白色的披肩，都被降低了纯度，利用一种对比的手法突出了人物的色彩感，从而将整个人物刻画的高贵、典雅而唯美。人物的皮肤和各种丝织品的质感由精妙平整的用笔处理得恰到好处，清纯恬淡的设色烘托出公爵夫人丰满圆润的造型、高雅的气质，也由此实现了主观和客观的统一。又如《瓦平松浴女》中，同样也是主观色和固有色结合的典范。画面中的女子背部呈淡黄色，周围则是绿色的帘子、白色的床单以及红白相间的头巾。每一种颜色都是物象的固有色，但是多种颜色组合在一起之后，却丝毫不给人凌乱之感，而是让人觉得统一中有变化。由此可见，安格尔绝不是不懂色彩，而是对色彩十分看重，且苦心经营色彩。其在创作之前，就对环境、人物、服饰、佩饰等详加考察，制定出最初的色彩方案，避免出现过分刺激的补色关系，最终使其完美呈现在同一个画面内。综上所述，包含油画在内的所有艺术创作，从本质上来说都是一种主观情感的抒发，但是情感抒发并不是纯粹感性的，其本身就是一种理性思考的结果。作为安格尔来说更是深谙此道的，其总是能够用最合适的题材和技法，将其心中的情感予以最漓淋尽致的抒发，使其作品真正做到了雅俗共赏，而不是高高在上，晦涩难懂。由此获得的启示在于，在油画创作中，理应将理性思维贯穿于创作的始终，使各种情感的抒发得到一个通畅的表达渠道，同时也会因此获得形式上的诸多突破。也希望本文粗浅研究，能够起到抛砖引玉之用，给更多的人启示和借鉴。

色彩艺术概论论文篇二

摘要：多媒体艺术是当代信息科学技术与艺术相互结合的产物，经历了从模仿到原创、从局部到整体、从单一到多元化的发展过程，正在步入全面快速发展的新阶段。未来多媒体艺术的发展会在艺术本身的创新、政策的支持、技术的革新、相关领域推动等动力的推动下，朝着技术、思想和观念维度上的不断进步。

多媒体艺术是当代信息科学技术与艺术相互结合的产物，经历了从模仿到原创、从局部到整体、从单一到多元化的发展过程，正在步入全面快速发展的新阶段。未来多媒体艺术的发展会在艺术本身的创新、政策的支持、技术的革新、相关领域推动等动力的推动下，朝着技术、思想和观念维度上的不断进步。

艺术家都需要将自己的艺术观念和作品及时的进行展示和交流，过去这可能是绝大多数艺术家们，特别是年轻艺术家和不知名艺术家，遇到的最大问题。他们有想法，有作品，但缺乏与观众沟通的机会。如今互联网的迅猛发展，使得远程传输多媒体艺术作品成为现实。借助于数码技术能够非常方便地编辑制作数码图像(包括数码绘画、数码摄影和数码录像)，艺术家完成的艺术作品可通过网络发布。他们可在现场讲解自己的作品，将作品迅速推介给全世界的艺术爱好者，不必再为寻找发行渠道或展示、表演场所而为难。同时音频和视频技术的发展，使人们能够独自在家里看电影、听音乐。艺术家可以在网上随心所欲的表演并直接推销其艺术作品，声情并茂。

在传统艺术形式中观众往往是很被动，给什么就接受什么。或许观众会有喜欢和拒绝的感受，但与作品本身却无关。现在网络多媒体艺术打破了传统的定式在特定地点和时间中的展出作品方式，任何一个人，不管在什么地方，只要他必备了上网条件与交流手段，就可以参与到作品的互动过程中。欣赏者可以根据自己的理解和喜好，对艺术作品进行修改，创造出符合自己审美趣味和理想的、新的艺术版本。这种互动性其实是更好地体现了艺术对每一个人的作用和个体性，同样的一张画给不同的人看，看到的内容会有千差万别;同一曲音乐在不同的人听来，肯定也会有完全不同的感受，这种新的艺术版本不再只是存在于欣赏者意识中的审美经验，而是经过欣赏者的再创造转化为现实的艺术作品。艺术作品的原创者和欣赏者之间的界限将不复存在。艺术在这种互动性的推动下必然会有更大的受众面。

虚拟创作解放想象力创作的过程不但是想象力创意过程，同时也是想象力被抑制的过程。绘画是瞬间艺术，其实并不是一个瞬间完成的。从开始到结束的过程中要抑制旁逸斜出的想象力，我们不断地受到中途变卦的诱惑，必须为一种可能性的最终实现而牺牲一百个可能性，而且在结局处无法确认自己的选择是否是最好的。任何一种想象力的展开又都是一种遮蔽。这是创作者巨大的悲剧。数码时代的“备份”的概念从根本上解决了这个问题。很多人已经把虚拟游戏中的自己当作是现实生活的一个部分，它的出现和发展改变了年青一代人的生活模式。网络多媒体艺术将改变的传统的艺术品陈列与展出方式：并非在具体的现实空间中进行收藏、陈列与展出，并非有一个有实体的作品形态，却可以用虚拟方式来实现。

电脑的普及和网络的发展不断地冲击着人类的生活，个性化与数字化生存的概念成了一种时尚潮流，多媒体技术改变了人们对事物的认知。电脑网络像是个人神经系统的延伸，将使用者的“触角”向外延展。许多资讯知识及日常活动都由物质空间转换到网络空间，成为生活的部分。强大的技术支持不断诠释着新的艺术观念，面对新技术的诱惑，许多作品会停滞于形式和新语言自身的技术层面。艺术创作离开了想象就失去了灵魂。艺术作品与每一个人的思维方式有关，由观念驱使的创作是艺术性的创作，而如果仅仅只通过技术实现的作品就不能称为艺术创作。

随着科技的进步，人类审美情趣的多样化，孕育着各种新的艺术形式的形成，艺术表现方式将更加生动和具有参与性。跨入21世纪，随着经济全球化、科技与艺术迅速融合、随着网络化、数字化和虚拟技术出现给人们提供了崭新的艺术观念和表现空间，上个世纪七、八十年代出生的新生代开始以自己的方式展示新的艺术样式。观念开始转变，新的艺术形式蕴藏的巨大潜力以及其展现出的勃勃生机都是不容忽视。如果计算机网络改变了人类的生活，那么“网络多媒体艺术”也在改变着人们对“艺术”的认知方式。更多的人可以接触和感知高不可攀的神秘的“艺术”，它意味着今天的艺术会迎来前所未有过的如此广大的受众面，对于为精神服务的艺术作品来说还有什么比这更令人欢欣鼓舞。

(一)多媒体艺术的特点。

目前，多媒体艺术的发展已经非常成熟，结合了视频、声音、文字的超级文本等处理技术不但可以链接到无穷无尽的其他文本之中，还可以由多种路径进入，而它所提供的互动性几乎更是无穷无尽的。纵观多媒体艺术的应用状况可知，当前多媒体艺术的发展具有如下特点：

主动传播性：音频和视频等技术的发展，是多媒体艺术家们能够在网上随心所欲的表演并直接推销其艺术作品，提高了艺术作品的传播。

虚拟操作性：现在的网络多媒体艺术已经改变了传统的艺术品陈列与展出方式，并非在具体的现实空间中进行收藏、陈列与展出，并非有一个有实体的作品形态，却可以用虚拟的方式来实现。

广泛的公共性：多媒体艺术利用电视、录像、互联网等多种手段积极地投入到大众文化和消费文化之中，艺术的作品无处不在。

表现的多样性：多媒体技术的发展为艺术的表达提供了众多的形式。

高强的时效性：如今多媒体艺术的更新与时俱进，不断展现出时代的特性。

(二)多媒体艺术发展的动力。

多媒体艺术发展的动力多媒体艺术的生效与成功势必在一个系统的文化结构与网络中显现。因为，未来多媒体艺术的发展的动力与整个文化系统等有着必然的联系，多媒体艺术的发展不单单是一个艺术种类的发展，因此，多媒体艺术未来发展的动力是艺术本身的创新、政策的支持、技术的革新、相关领域推动等，创新无疑是艺术发展的不竭动力和源泉，多媒体艺术的发展本身是一种创新艺术的发展，因此，在未来的发展之中，创新依旧是多媒体艺术不断发展的核心动力。政策的支持能够为多媒体艺术的发展提供广阔的空间。

多媒体艺术逐渐成为艺术创作者新的艺术表达手段，同时也在多种媒体语言进行融合的表达过程中形成了独立叙述的语言风格从多媒体艺术呈现的特点和发展的动力可以发现，跟多媒体艺术产生一样，多媒体艺术的未来发展是建立在技术、思维和观念这三个维度上面的。每一个维度上的进步都是多媒体发展动力推动的结果，然而，多媒体艺术的不断发展必然会呈现出更多的特性.而多媒体艺术未来发展的方面主要是基于技术、思想和观念维度上的不断进步，偏见导致的战争和冲突，民族仇恨种族歧视，这一切都将成为艺术创作的反省对象。

(一)技术维度上的未来发展。

1、临场感增强。

多媒体是即时的综合艺术，它是结合声音、文字、影像和录影动画，随时随地在不同时候、不同地点的人互通咨询艺术。多媒体的发展越来越多的介入舞台表演和事件艺术，它将参与表达更丰富的情感并且是观众体现到更真实的临场效果。多媒体的呈现方式将越来越自然，融入现场的时间空间之中，这使得多媒体艺术的临场感会不断增强。

2、互动性增强。

电影、电视、戏剧的未来发展方向会与咨询、电子传播科技相结合，而此种结合一方面将促进多媒体的发展，一方面将使得资讯的取得与传播会因故事性和戏剧化效果的加入而更具亲和力。网络技术的不断发展，必然会使原来无法在网络等远程传输中实现的多媒体语言成为现实。现在地下在技术和网络带宽都在超速发展，已经实现的“点对点”下载方式更具个性化，使得多媒体节目的交流更加易于接受和富有趣味。然而这些都会促进多媒体艺术的互动性发展。

(二)思想层面上的未来发展。

1、文化反省与批判。

在技术日新月异发展的同时，也带来诸多的负面效应，如生态环境的破坏、人的自然观制度退化等，而由于狭隘和偏见导致的战争和冲突，民族仇恨种族歧视，这一切都将成为艺术创作的反省对象。多媒体艺术的发展历程向我们证明，它从来都是艺术家勇于挑战传统和批判现实的有力武器。在审美和技术结合的同时，对文化和社会的反思也将是多媒体艺术创作义不容辞的责任。因此，多媒体艺术的未来发展多半是一种文化反省与批判的进步。

2、观念维度上的未来发展。

多媒体对各种媒质和艺术特性的综合能力使其有更多的表达路径和更广阔的展示空间，通过与观众的互动获得变化的增长形态。与多媒体的概念所可能达到的境界相比，还有很多有待开发的东西。与生物领域、外太空研究领域的结合将使多媒体的艺术表达向着更加具有广度的方向发展.艺术与科学的合作也将更加密切和广泛。

由广义相对论和狭义相对论发展起来的新的研究成果将使传统观念中的维度进一步拓展，科学家曾预言宇宙的维度远远超过我们所能像的四维空间，它极可能有超过20个以上的维度。这些将极大的激发创作者的想象力和热情。布莱克曾经说过，人类这个物种能够借助于具体操作揭示世界的内部表述并超越自身被生物学固定的感知限度，多媒体会在探索中的不断迈进并证实了这一论断。因此，在多元化和个性化的发展空间中，多媒体艺术必将迎来自己发展的新高潮，它将带动观念变革和成为深具影响力的艺术形式。

参考文献：

色彩艺术概论论文篇三

从根本上来讲，艺术设计的源泉来源于现实生活。民间美术艺术也是依托于现实生活而形成的，在这个过程中，广大劳动人民发挥着重要的作用。就民间美术艺术与艺术设计而言，前者是后者的基础与源泉。从精神和物质两个方面，民间美术艺术都可以称作是我国的民族文化。民间美术是艺术的源头，是艺术设计的审美基础。艺术设计要求创作者在思维方面做到新颖独特，拥有纯真的创作意识。从全球来看，艺术设计的设计方式都是通过立足于本民族的优秀文化，挖掘传统文化的丰富底蕴，从原有民间美术艺术中获得灵感，再结合现代的先进设计理念，才为现代艺术设计注入了源源不断的动力。

(二)存在相似性。

由于艺术设计的源泉是民间美术艺术，因此，两者存在许多相似性。具体来讲，两者的相似性主要体现在装饰和表现等方面。就民间美术艺术的色彩来讲，往往呈现出浓烈、真挚的特点，给人们视觉上的冲击与震撼。而艺术设计也是注重给人视觉上的感受，通过将字体、色彩、图形等进行结合，吸引人们的注意力，达到视觉冲击的效果，进而传达某种思想感情。这与民间美术艺术的艺术特点是一样的，这也是现代艺术设计所共同追求的目标，通过简单的表达方式来传达艺术设计中的丰富情感。因此，从根本上来讲，民间美术艺术与艺术设计在视觉方面的表达具有很多相似性。

(三)相互融合。

(四)后者是前者的升华。

民间美术艺术和艺术设计有着千丝万缕的联系，虽然前者是后者的源泉与灵感所在，但是站在时代的角度来讲，后者是前者的升华。随着时代的进步和社会的发展，对艺术设计提出了更高的要求，只有不断进行创新，才能够创造出高质量的艺术作品。民间美术艺术经历了长时间的发展，积累了丰富的经验，当代艺术设计通过对民间美术艺术的创新，让民间美术艺术焕发出了新的活力，使得民间美术艺术更加具有时代感。将民间美术艺术中的精神和元素融入到当代艺术设计中，实现了对民间美术艺术的升华。这不是一种简单的创新，而是在民间美术艺术的基础上进行的、让民间美术艺术呈现出民族文化情感和民间精神的独特做法。这正是站在时代的前沿而进行的对民间美术艺术的时代性升华。这体现出了民间美术艺术在当代艺术设计中的时代性价值，同时也彰显出了当代艺术设计中所拥有的独特的民族精神与情感。

(一)阴阳相济造型。

在中国的传统文化中，非常强调阴阳相调，因为只有做到阴阳相调，才能够达到阴阳平和的效果。这是中国人民对艺术造型所追求的和谐之美。民间美术艺术造型中有许多都呈现出了阴阳相济的造型特点，在艺术设计中，对于阴阳相济的造型利用也非常的常见。在中国传统的剪纸当中，有阴剪法、阳剪法等，都呈现出了阴阳相济造型的特点，这是中国人民的审美特点。在艺术设计中，也有对阴阳相济造型的利用，如中国人民银行的logo标志，就使用了阴阳相济的造型，通过巧妙协调空间画面形态，使整个标志显得更加的精炼与完善，其构思显得巧妙而形象。

(二)虚实相扣造型。

民间美术艺术造型中既有抽象的，也有实体的表现，其中，通过对抽象的内容进行实体性的展现，或者将实体性内容进行抽象化的表现，都是民间美术艺术创作当中非常重要的特点。实现抽象与实体之间的过渡，又要达到和谐自然的效果，就需要强调对线条的利用，这是现代艺术设计当中需要进一步加强的。利用抽象与实体之间的自然过渡，设计意味深长的作品，是现代艺术设计需要达到的目标。在2008年奥运会火炬祥云的设计上，就体现出了抽象与实体之间的自然过渡，祥云的造型既可以说是一朵飘动的云，又可以说是极具动感的火炬，这是通过抽象与实体的过渡所达到的效果。

(三)应用造型理念。

(四)“和谐过渡”造型。

民间美术艺术受到了传统儒家思想的影响，主要体现在线条的变化中体现出了“和谐过渡”的思想。这种艺术造型给人和谐的感觉，体现出了造型的自然统一。其中，在艺术设计中，将绘画采用“和谐过渡”的造型，应用在海报、宣传册上面，实现了民间美术艺术造型的利用，同时展现出了当代艺术设计的独特性。此外，根据中国的水墨画中对于“和谐过渡”造型的利用，在虚实之间进行转换，产生了无穷的韵味。现代艺术设计中有许多地方都可以看到民间美术艺术造型的影子，民间美术艺术造型在艺术设计中得到了充分的展现。现代社会的发展对艺术设计提出了更高的要求，也增加了艺术设计的难度，在艺术设计中利用民间美术艺术中的“和谐过渡”造型，将抽象与具体进行紧密的连接，可以在当代进行广泛的利用，如网易标志的设计，就体现出了“和谐过渡”的思想。

(一)平面设计。

民间美术艺术色彩在艺术设计中得到了充分的利用，如在平面设计中，就可以看到民间美术艺术色彩的影子。现代平面设计坚持了民间美术艺术色彩利用中所具有的文化特征和设计理念，如对于对比色彩的利用，在现代平面设计中就非常常见。在中国传统的民间美术艺术中，对色彩的利用，非常突出其对比性，如通过结合黑与红、红与绿、黄与蓝，能够加强视觉冲击，提高作品的震撼力，加强其艺术效果。在现代平面设计中，通过色彩对比的利用，能够加强作品的视觉效果，提高其震撼力，增加作品的张力，充分展现平面设计艺术作品的和谐美。

(二)包装设计。

在现代包装设计中，为了达到较好的视觉效果，从而引起消费者的关注，激发消费者的消费欲望，也利用了民间美术艺术设计中的色彩。现代包装设计中，对于民间美术艺术色彩的利用，非常注重以色传神，通过丰富鲜艳的色彩，来吸引人们的注意力，从而促进人们购买商品。如通过绿色包装，能够让人们联想到绿色环保、安全无污染的理念，从而引发购买行为。在现代包装设计中，对于民间美术艺术色彩的运用，体现出了现代化的理念，让民间美术艺术色彩服务于现代生活，充分发挥民间美术艺术色彩在包装设计中的作用，符合现代社会的发展需要。

(三)室内装饰设计。

(四)广告设计。

广告设计也是艺术设计的一个重要的组成部分，广告设计也非常注重色彩的利用，用以表达特定的目的。在广告设计中，也涉及到了民间美术艺术色彩的利用，为了更好地表达广告的主题与意图，通过合理利用民间美术艺术色彩，能够达到良好的效果。合理利用民间美术艺术色彩，能够起到烘托作用，表达广告的中心思想。如在化妆品类的广告之中，为了表达护肤和追求靓丽容颜的主题，利用淡粉、淡绿、淡蓝等素雅的色彩，给人健康、优雅的感觉。而在儿童服饰宣传的广告之中，通过鲜艳、活泼的色彩，如红色、蓝色等，能够对他们产生很强的吸引力。在表达喜庆的广告设计中，大多采用具备中国特色的大红色，用来渲染喜庆的氛围。这是对民间美术艺术色彩的合理利用，能够彰显出当代艺术设计的特色魅力。

参考文献：

[3]王洪业。民间美术的艺术造型和色彩在现代艺术设计中的应用[j].中国校外教育，2016,s2:483.

色彩艺术概论论文篇四

近年来，艺术教育越来越受到人们的重视和青睐，特别是高校的艺术专业教育，不但侧重舞台表演而且更加重视专业理论学习，重视表演者的内在文化修养。论文写作已作为一门专业基础课呈现在各艺术类高校的讲台上，以此培养和训练专业艺术类学生的论文写作能力。然而在笔者看来，其带来的效果是有限的，基础课程的教育可以让学生懂得论文写作的严谨性、规范性，以及严格正确的论文写作模式，但真正意义上的高水准的艺术概论论文写作却离不开写作主体的整体素质与修养。如何提升艺术概论论文写作主体的素质与修养，值得学者们做进一步的思考。

各个专业虽然对论文写作的要求不尽相同，但大体上是一样的。就艺术类而言，无论是建筑、摄影、音乐还是美术，论文写作主体首先应对所要创作的对象加以理解，包括与其相关的文化背景、人文历史及地理环境等。没有文化背景的积淀，就无法理解所要研究的艺术，更不用说去探究艺术中更加深层的意义了。

艺术概论论文的写作，强调的是写作主体的艺术修养与内在涵养，同时艺术修养也是创新灵感的来源之一。这部分内容涵盖了写作主体的文学艺术鉴赏与审美能力。一座造型高雅的建筑、一幅赏心悦目的画卷、一部赞不绝口的文学作品、一支悦耳动听的乐曲，都会给人以美的愉悦、情感的升华、心灵的震撼，这样才能激发创作者的潜能，激发论文写作主体创作出高水准的学术论文。由此可见，论文写作主体的素质与修养将会直接影响到论文写作水平的高低，其重要性不容忽视。

艺术概论论文写作所呈现出来的是写作主体在专业研究方面科研成果的体现，主体的素质与修养将更好地体现艺术概论论文的规范性与灵活性。笔者认为写作主体应具备如下几个基本素质与修养：

首先，论文写作主体应遵循论文写作的严谨性与规范性。论文写作讲求以事实为依据，应有合理的论点、论据以及强有力的论证，并以规范论文格式，根据所提出的论点进行严谨的学术性讨论。

其次，论文写作主体应当遵守学术道德。不能为了论文写作的完成采用剽窃、抄袭以及侵吞其他人学术成果的手段。当用到别人的学术观点、资料、数据以及方案等内容时，都应该详细地加以注释。

再次，论文写作主体应当有较强的文献资料搜集、查阅能力。写作主体应选择相关专业的书籍和资料来阅读，提高自身阅读量并开阔知识面，并自觉地学习使用各种数据库，以更加自如地查阅文献资料，同时要懂得对文献资料的取舍，多加思考，提出自己的观点。

最后，艺术概论论文写作主体在自身研究领域应具有专业性。笔者认为，艺术概论论文在遵循论文写作规范性的同时，更要看重其灵活性和趣味性，这主要是由于艺术门类更多在于实践的特征决定的。写作主体在舞台上的创作与其内在的文化理论修养是相辅相成的，论文写作是写作主体的另一种创作方式。一篇高水平的艺术概论论文，要求的不仅仅是写作主体深厚的内在理论知识的积淀，还要有足够的实践经验与能力，这就要求艺术概论论文写作主体具有扎实的专业基础。

很多艺术专业的学生平时论文素材积累不够，感觉无法下笔，因此提高艺术概论论文写作主体的基本素质与修养迫在眉睫。

(一)增强内在理论知识的积淀。

教师在教学过程要持续加强学生的观察力、审美感受力和创造力。教师应鼓励写作主体多查阅相关资料，了解高水平的艺术创作与思想。教师在课堂上不仅是传授技艺，更要重视培养写作主体的内在涵养，将美学、艺术创作、艺术史、艺术心理学等科目有效整合，鼓励写作主体参照不同时代、地域以及民族之间的艺术作品与史料记载，深层次地探索艺术作品背后的文化内涵。

在教师的引导下，写作主体要自觉地养成多读书、多思考的习惯，写作主体应合理有效地运用学校的图书馆资源，掌握图书馆的图书学习资料，不断扩充自己的知识量。高校可以定期举行学术交流会，或举办艺术类的相关专题讲座，扩充写作主体的知识，拓展他们的视野，优化他们的思维模式，启发他们的创作灵感，从而提升写作主体的素质与修养。

(二)实践经验与能力。

理论必须来源于实践。比如，音乐不同于哲学和社会科学，它是一种实践表演性艺术。论文写作主体需要通过舞台艺术表演不断地总结经验，提高自己的音乐素养、表演能力和知识结构，并不断地对舞台实践进行理论总结，从而提升自身的素质与修养。

艺术概论论文写作可看作是一种具有“规范性”的艺术创作。这种能力是写作主体的素质、能力以及文化积淀与修养等多方面的综合体现。由此可见，牢固的基础、良好的修养、深厚的底蕴以及严谨的学术道德都是艺术概论论文写作主体应当具备的基本素质与修养。写作主体以这些素质与修养为积淀，可以更好地创作艺术概论论文，进而增强艺术概论论文的学术价值和文化价值。

[1]周来。关于艺术设计专业毕业论文写作的几点思考[j].武汉科技学院学报，2010(6).

[2]奚传绩。学术研究是一种修行--关于艺术学科研究生学位论文写作[j].艺术百家，2008(5).

[3]皮道坚。美术创作与论文指导[m].北京：高等教育出版社，2011.

色彩艺术概论论文篇五

城市景区化是“十二五”期间，推进“旅游即城市”战略实施、建设综合性城市旅游目的地重要抓手。城市景区即我们所说的城市风景区或者是城市风景名胜区，它的设计不仅涉及到城市的规划以及城市的形象问题，同时还涉及到城市的交通、政治、经济、文化、艺术等方方面面的问题，是一个较为复杂的带有综合性的问题。影视艺术是时间艺术与空间艺术的结合体，通过时间的延续以及空间结构的营造，使得影视作品获得多方位的艺术表现力。影视艺术主要由电影艺术和电视艺术两者构成。镜头、声音和色彩是影视语言最重要的构成要素。城市各种历史遗迹、景点要对民众产生吸引力，就必须要进行艺术上的提升，丰富其文化内涵，影视艺术在如今是人们最喜闻乐见的娱乐方式，所以非常适宜于艺术化城市景区的设计表现方法。

二、影视艺术语言的表达方式。

影视艺术的发展已经有一百多年的历史，最初只有黑白两色以及动作语言，如今影视的语言已经非常丰富，声音、图画、色彩应有尽有，甚至可以说与生活语言接近，通过对这些语言的应用，可以真实地再现导演的创作意图。

（一）蒙太奇手法和长镜头。

蒙太奇法语的意思是剪接，是建筑行业的学术语，它最先被应用于建筑结构的设计中，这种手法是电影艺术家进行电影创作的主要手法。它主要可以分为蒙太奇和叙事蒙太奇两种类型，同时又可以可细分为平行蒙太奇、抒情蒙太奇、重复蒙太奇、交叉蒙太奇、隐喻蒙太奇、对比蒙太奇等等。影视艺术界一般分为叙事的、理性、抒情三类，它在影视艺术创作中具有重要的作用：

第三，为影视艺术营造合适的空间与时间，每个镜头都是对现实时空的记录，经过剪辑，实现对时空的再造，形成独特的影视时空。通过使用蒙太奇手段，影视艺术创作者在时间与空间上的安排有了更大的自由度一个化出化入的技巧可以实现人物在空间上的巨大转移，夸张的讲就是，“一个跟头可以翻十万八千里”，在时间上，可以从远古时期跳到现代，同时还可以实现表现分处两地的人物之间的关系的目标，如恋人之间的思念，朋友之间的挂念，亲人之间的想念等；这种时空的自由转换，使得影视艺术更加的接近生活，并且也更容易反映出人物复杂的心理变化，人物之间复杂的关系等。例如《中国合伙人》，整部影片的时长不到两个小时，却将三个人物由20世纪80年代至21世纪初的命运以及对事业的打拼奋斗历程都表现出来了。

第四，使影视作品能够按需要自如地交替使用叙述的角度，例如可以自由的由第三人的叙述转向人物内心的独白，或者通过人物的眼睛看到某种事态。或者是通过镜头的更替变化来影响观众的心理。例如，电影《红高粱》刚开始就是以第三人称的方式来引出故事的，在叙述者说到“这是我奶奶”的时候，镜头马上出现一个穿着嫁妆的九儿，观众很直接就知道了这是一个马上要出嫁的姑娘，“那年的七月初九，是我奶奶出嫁的日子，娶我奶奶的是十里坡，烧酒作坊的掌握李大头。”这个时候，镜头也随着叙述者的叙述不断更替镜头，实现了情节的紧凑性。

（二）长镜头。

长镜头是影视艺术的一种拍摄手法，它并不是指拍摄物与摄像机之间的距离，而是指拍摄一个场景所用的时间长短，这个时间的长短没有严格的标准。长镜头的应用重在保证故事情节的连贯性，保持了时间进程的不间断性--与实际时间、过程一致，排除了蒙太奇通过镜头分切压缩或延长实际时间的可能性，尤其是一些反映人物内心状态或者是一些具有暴力性的武打场面。

（三）画面、色彩、声音。

画面给观众带来的是最为直接的视觉冲击，它是影视艺术独特的语言符号，也是影视表达主题的重要媒介，是影视无声的语言。影视通过画面的动态效果，能够带给人们独特的审美体验，能够将各种不同的人物性格特点呈现出来，同时还能够直接的再现人们生活中的各种场景，使人们通过直接的视觉，而带动抽象想象。很多的影视作品在最后的结尾的时候，常常会引起人们多个的想象。例如电视剧《北京爱情故事》，导演将最后的画面定格在倒计时画面上，这无疑带给人们无限的想象，会猜想女主角的各种结局。

色彩也是影视艺术重要的无声语言，对于影视作品来说，作品的主色彩往往决定了作品氛围。其对影视艺术的功能主要是交代影视作品的环境，增强画面的视觉形象，烘托影视氛围，展现人物的情感世界。例如电影《赤壁》，由于是战争题材类的影视作品，其带给人们的感觉往往是死亡、厮杀、血腥、暴力以及忧郁等，所以整个作品的画面色彩多是以深色为主，包括战士的战袍、盔甲以及战争的场面等；而像《大红灯笼高高挂》这部电影，由于与红灯笼和“婚姻”有关，所以主要的色彩基调是以红色和黄色为主，但是同时在具体的情节中，也穿插着其它色彩的变化，所以这也使得观众的情绪也随着剧情忽高忽低，引起观众对女主人公颂莲命运的关注。

影视艺术的声音分为节目语言和角色语言两类，它是有声影片不可缺少的要素，影视中的音乐以及音响效果以及人物的角色声音都都影片氛围起着重要的烘托作用，例如战争类电影，战士在战场上厮杀的时候，往往会伴有鼓声或者是冲锋号声的出现，这就是为了烘托一种紧张的气氛，而如果是爱情类的影视剧的话，其音乐一般往往比较柔和，例如泰国著名电影《初恋那件小事》中，其背景的音乐就是非常柔和的，烘托的就是一种清新唯美的氛围。

三、影视艺术语言在城市景区设计中的应用。

城市景区的设计从某种程度上来说也是一门艺术，与影视艺术存在很多的相似之处，他们可以说都是时间与空间艺术的结合体，都带给人们精神上的享受，可以说两者的想通之处为影视艺术语言应用于城市景区设计中提供了可操作性。

（一）蒙太奇手法的应用。

蒙太奇最开始是建筑学中的术语，意味构成、装配。城市景区从某种意义上来说它是室外的一座小型的“建筑”，对其的设计就是要将不同的要素组合装配在一起，实现景区的空间序列，各种场景、景观的组织，包含着空间序列的结构的优化。只不过在装配组合的过程中，必须要符合人们的审美。影视艺术语言重要表达方式之一――蒙太奇手法的功能正好就在于此。城市景区空间序列、形态、界面、基面等，可以通过叙事蒙太奇的手法，来实现景区整个空间结构的排列组合。

（二）视觉、色彩、声音艺术语言的应用。

对于影视来说，视觉的表达方式存在两个基本层面，一个是形象的表达，另个则是意象的表达，意象即隐藏在影视画面背后的符号，也是“图外之意”，比如风俗、文化、政治、生活习惯、审美等信息，直白的说就是，影视画面带给观众的视觉语言其实是影视画面表层意思与隐藏在图画背后信息的统一体。对于城市景区的设计而言，也应该要做到表象与意象的统一。城市的景区虽然只是风景区，其设计除了要遵循景区设计的基本规则之外，同时其设计的结构应该要满足于表达思想，塑造景区文化，满足人们审美、休闲、娱乐等的需要，不能够为设计而设计。

色彩也是影视重要的艺术语言之一，对于城市景区来说，其色彩的应用对于游客而言也具有重要的视觉冲击力，对其情感的调动具有重要的意义，然后目前我国大部分城市景区的设计在色彩的应用上都过于笼统，在这方面，可以大胆的借鉴影视艺术对于色彩的应用技巧，尤其是基色调。例如最近新上映的电影《战狼》，整个影片的基色调都是以黑色和深绿色为主，非常符合“战争”的主题基调，营造了一个非常紧张、刺激的影片氛围。而对于城市景区来说，也可以借鉴这样的方式，来增强城市景区对观光旅游者的吸引力。例如，像陕甘宁，左右江等红色旅游景区，其部分景观例如雕塑、浮雕以及标志等使用的主要是以“红色”为主，这样不仅能够让旅游者加深对红色革命区的印象，同时还能够引发游客的爱国主义情怀，强化对历史事件的认识。

声音是影视艺术最重要的有声语言，而对于城市景区的设计来说，也有很多可以利用的声音，例如自于大自然的声音或者是人为设计的声音，例如周边树林的风声或者是下雨时雨水敲打景观的声音或者是喷泉哗哗往下喷的声音等，或者是庙宇、教堂等的钟声，合理的应用这些声音将有效引起人们的情感共鸣。

四、结语。

城市景区是城市中重要的公共空间之一，是城市文化、城市特色的代言者。传统的城市景区设计方法不能充分地表达城市景区的精神内涵和艺术品位。作为满足精神需求的景区应该具有艺术品质，而艺术品创作的目的、过程、语言是相通的。影视艺术作品也不例外，它的创作过程与城市景区的设计具有共同特征。影视语言可以赋予景区更高的艺术品质，能更好地满足人们精神需求，同时也能很好地指导城市景区的设计，是景区设计创作中不可多得的方法之一。

色彩艺术概论论文篇六

在艺术导论课上，老师为我们放映了电影《公民凯恩》，当时看了一遍后感觉不是很懂，所以回来后自己又看了一遍。正如一直以来它所受到的评价一样，这部电影的确有其独特的魅力和伟大之处，看完之后也确实挺有触动的，下面写一写对于这部影片的观后感。

《公民凯恩》是一部在美国电影史上具有里程碑意义的作品。影片描述了凯恩跌宕起伏一生，这是特定年代中一个普通人的一生，也是一个不普通的一生。凯恩的童年相当贫穷，却充满了真诚的爱，而一笔意外的财富却带他走向了不同的人生。他在大都市中长大，发迹致富，又涉足政界，成为风云人物。他因与总统的侄女结婚而青云直上，又因与歌女的桃色事件而导致政治生涯的一败涂地。他晚年隐居于豪华的庄园中，但因第二任妻子的离开而过着茕茕孑立，形影相吊的孤寂生活，他一生辉煌，却在孤独寂寞中结束了传奇而又曲折的一生。

对于凯恩，很难来下一个确切的评价，就如同影片中的其他人物一样，我们看到的凯恩只是我们眼中的一个凯恩的侧面而已，也许较他们来说，我们多看到了凯恩的几个性格面，但谁又敢断言他认识的是一个完整的凯恩呢，就如同没有人敢说他眼中的哈姆雷特是真正的哈姆雷特一样。但是有这么一句评价正符合了我心中的凯恩形象，“他是一个自私自利的英雄，在极度膨胀的欲望中走向了毁灭……”

海上钢琴师观后感。

在艺术导论课上，老师为我们放映了电影《海上钢琴师》，当时看了一遍后感觉不是很懂，所以回来后自己又看了一遍。正如一直以来它所受到的评价一样，这部电影的确有其独特的魅力和伟大之处，看完之后也确实挺有触动的，下面写一写对于这部影片的观后感。

《诗》，从结构上看，是双线齐头并进的，一位做外婆的老年妇女为了实现幼时的愿望而读诗歌写作班，但这条线索是一根副线，它宛如游离于人的意识背后的那一丝冲动，时时地将有趣的和无趣的生活勾勒出色彩。

外婆和外甥生活在一起，外甥和其他五位中学同学强奸了一名女同学，而这名女生从桥上纵身一跃而结束了生命，五位家长和学校为了逃避罪责和名誉损失，联手摆平死者的父母。

看似本片的重点在展示人类的冷漠上，以及对社会世态的无奈处理。但从电影的极其克制这一点上，你又该相信，李沧东讨论的远不是这些。

那个在流水中浮起尸体的女中学生，只有一个镜头，她被强暴的细节也没有，但她和外婆恰恰成为了映照，尤其电影的后半部分，这个被糟蹋掉的生命成了老妇人日夜牵绕的一个物体。

她跑到河边、桥上，最动人的是，她的白色帽子飘落时，宛如生命坠落的重复。这是一个被糟蹋的生命对另一个被糟蹋的生命的救赎，老妇人的人生故事没有交代，她只有一个女儿在城市里。

有意思的是，最后警察还是带走了外甥，一个警察接过了羽毛球拍，和老妇人对打。这是非常极致的心理活动，真正的内心崩溃应当有息而无声。她的非道德却亲情的努力付诸东流了，直到这个时候，你才明白她的第一首诗歌是这样写成的，不断地和女中学生对话，乃至两个人成为一个人。

人生有多少互为伤害？人生又有多少隐性的罪恶？这是一部东方的救赎电影。策兰说，死亡是花，只开放一次。我想说，死亡是梦，每天开放一次。

欲望，每时每刻让人折向另一个地方。诗歌，就是这期间的变奏，它可以是失足的灵音，也可以是无耻的高歌。当我们卷走遗憾的时候，也在为罪恶付出代价。没有什么诗意可以不变而辉煌的。

和《密》的主角相比，美子寻找救赎的道路，更孤独，也更需要个人意志和主体性(subjectivity)：她写诗。她说：「我的确有感情啊』，但为什么就是写不出来呢？是多么长久的压抑，特别是男权社会对女性的压抑，令她写不到自己的「诗」又或者是以为自已「不用写诗」？发觉自已开始失忆，迈向生命终结的美子对诗产生兴趣。问到如何写诗，男诗人老师告诉他，妳必需自已去寻找，每个人心里都有诗。一草一木皆诗。而细心留意的话，美子的诗每句也会大自然有关：杏子、岛儿、河流、血红的花…美子是爱花之人，喜欢和花儿沟通、自「然」自语。她也把自已打扮成漂亮的花，爱穿美丽衣嫦，她的美更为所有人称赞。

债：《诗》是关于现代社会对大自然的债、对女性、及被剥削者的债、对「诗」的无穷的债。债是欠缺关注，是不看不听，是漠不关心，是自以为「什么事都没发生」，是自以为「是」，却「否」掉「诗」。美子献身给病瘫了的色老头，同情他，后来有求于他向他借钱，老头就只懂说这是「勒索」，却不知这是应还的「债」。虽然雄风已失的老头肯承认她的「贡献」，给了美子，但整个社会却没承认这份总体的亏欠。电影结尾世界一切如常，美子却「不在」了，我们却得以听见她及受害女孩共同、共鸣的余音，朗读着她们以死、以自身逝去为代价所写出来的、最后的「诗」，像河流一样、连绵、恒常而漫长，潺潺地。

色彩艺术概论论文篇七

什么是艺术？从广义上说艺术是一种社会意识形态，是人类审美活动的最高形式。从狭义上讲，艺术是指任何可以表达美的行动或事物，任何以美学内涵表现出来的形式都可称为艺术，譬如文学、书法、绘画、音乐等。艺术不仅寄托了人类对美好事物的向往与追求，同时也影响着人类文明的进程。除此之外，艺术对大学生的启迪更是深刻鲜明的，通过艺术的载体，大学生可以更加完善自我，塑造自我，从而更好地应对生活中的各种挑战。

那么，当代大学生应该如何理解艺术，从而塑造性格，以达到精神境界的高度呢？我想艺术的魅力可以给我们解答。

大学是一个人塑造性格与价值观形成的重要时期，而艺术对于行走在大学这段旅程的大学生的启迪与影响是深刻的。

们的各种梦想，幻想，情感，情绪，愿望，审美趣味和审美思想。可以说，一切都在美术的视野之内。所以我们要在生活中学习美术，在美术中感悟生活[9]。

音乐则是一种动态的表现艺术，也叫表情艺术。它的美是通过音乐所组成的形象，来表达作者的思想感情。音乐的表现手段，如节奏、旋律、和声与复合声等，都是由按一定的规律组织起来的、发出美的音响和所构成的音乐形象体现出来的。音乐艺术呈现给人类一场听觉盛宴。在这场脍炙人口的盛宴上，让沉寂的想象力和创造力爆发出跳跃的火苗，让灵魂找到怡然自得的乐土。爱因斯坦说，“如果没有我早年的音乐教育，无论哪个方面我都将一事无成。”作为本世纪最伟大的科学家，思想家，他坚信是音乐激发了他的创造力和灵感。音乐以声音的形式净化听者的心灵，陶冶情操。音乐艺术启迪大学生艺术修养的提高与自我的完善。

文学是集语言艺术、建筑艺术、电影艺术等于一身的艺术宝库。文学艺术以润物细无声的姿态不仅丰富了大学生的情感体验，而且培养了学生的思辨意识。世界有两大学问研究，即“莎学”和“红学”。读莎翁的《哈姆雷特》，“一千个读者，就有一千个哈姆雷特”。“延宕王子”的形象促使大学生对自我性格地认识与塑造。对于个人悲剧及社会悲剧的认识，提高了大学生的思考深度。对于文学艺术的欣赏，有助于大学生对自我以及正视社会现实。文学艺术启迪大学生关注社会，思考各种社会问题，为以后步入社会做好思想基础。文学艺术又是包容的，它允许不同身份的人各抒己见自由畅谈。文学艺术开拓了大学生的视野，培养了其海纳百川的胸怀。通过对《玩偶之家》、《第二性》《安娜·卡列妮娜》等关于女性作品地欣赏，加强了大学生，尤其是女大学生对自身命运及价值的思考。爱情是文学艺术的一大主题，通过对《歌集》、《钗头凤》等文学作品的欣赏，启迪大学生树立正确的爱情观。艺术文学艺术属于社会意识范畴，对大学生的启迪是对美好人性及品质的追求，对幸福生活的讴歌，是精神境界的提升。

与追求。书法属于造型艺术范畴，具有艺术的一般的共同性质，也是人在现实中所产生的情感的艺术反映。真正的书法作品，不仅仅是一种外在形式，而且显示着作者的思想意趣和精神气质。所以美学家宗白华说，书法“表达着深一层的对生命形象的构思，成为反映生命的艺术”。

在一般人的心中，总觉得艺术是“阳春白雪”，其实，艺术离我们的生活并不遥远。罗丹说，生活并不是缺少美而是缺少发现。生活需要有一双发现美的眼睛。大自然中、生活中处处充满美，就在于一个人有没有去发现她。有了一双善于发现美的眼睛，生活也就处处充满美，充满艺术，大自然的形与色的艺术，劳动的艺术，奇妙想象的艺术和创造的艺术等等，有一双善于发现美的眼睛，才能使自己生活在美的环境中，美无处不在，只要你善于发现。不信，从今天起你就可以留心一下你每天等车旁的广告牌，路旁的垃圾桶，公交车身的广告图案，商店门口的大招牌，冰淇淋的包装纸，它们可能就是你平时所没有注意到的美与艺术。

美术来源于生活，而又高于生活，他们相互依存，相互促进。自然、生活给我们和美术家们提供了肥沃的土壤，而我们和美术家们又尽情地表现自然，表现生活，并使生活更加丰富多彩。小到字体的设计，大到城市的规划，我们在生活中看到的一切事物，无不与美术创造有关系，美术在我们的生活中发挥着异常重要的作用，试想如果我们的生活中没有美术，那该多么的苍白无趣。简直，没法想象！

总之，艺术的魅力是有形或无形的，艺术欣赏增强了大学生思考问题的深度，同时也塑造了正确的世界观和价值观，艺术起到了完善大学生人格培养的作用，也贯穿了审美教育、心理调试，情感教育。艺术所表现出的美及内涵净化了大学生的心灵、陶冶其情操，使内心情感和道德情感得到和谐发展。艺术，启迪大学生对美好生活的向往与追求，培养积极的生活态度，提高艺术修养。

大学生是艺术的接受者，也是艺术的放送者。大学生把所接受的艺术知识在自己的知识结构中消化、重组和汇通，以形成体系化的艺术。大学生和艺术之间的关系是双向阐发的。大学生在高雅艺术地熏陶下，树立正确的人生观和价值观。在不同的时代背景下，大学生以自己的创造力和想象力诠释艺术的新内涵，使艺术的发展在经典中与时俱进。艺术的感染力与深刻内涵使大学生培养与其相适应的判断力，从而更好地学习和理解艺术。单纯地追求标新领异与光怪陆离，这并不是艺术的本质与要求。树立正确的价值观，提高审美水平才能获得更加深刻的艺术享受与感悟。艺术对于大学生的启迪是由外而内的，是思想是精神的最高境界。

所以，大学生应当课余时间，充实自己的艺术知识，培养艺术审美能力，以开阔的胸怀和冷静的头脑，审视不同民族文化背景下的艺术及其风格。此外，大学生还应当利用广泛的资源，汲取艺术知识，提高艺术水平，以广阔的视野迎接挑战。艺术教育促进大学生道德修养和科学知识的互补，全面优化大学生的知识结构，培养大学生的审美情趣和健康人格的形成。

在当今经济全球化、知识多元化的背景下，对待艺术的态度应当是包容的、通达的。在认知和发扬传统艺术的基础上，树立创新和开拓的意识，学习其他国家和民族的艺术，在不同艺术地融合和交流中，永葆艺术发展的生机。

色彩艺术概论论文篇八

（一）设计基础与源泉。

从根本上来讲，艺术设计的源泉来源于现实生活。民间美术艺术也是依托于现实生活而形成的，在这个过程中，广大劳动人民发挥着重要的作用。就民间美术艺术与艺术设计而言，前者是后者的基础与源泉。从精神和物质两个方面，民间美术艺术都可以称作是我国的民族文化。民间美术是艺术的源头，是艺术设计的审美基础。艺术设计要求创作者在思维方面做到新颖独特，拥有纯真的创作意识。从全球来看，艺术设计的设计方式都是通过立足于本民族的优秀文化，挖掘传统文化的丰富底蕴，从原有民间美术艺术中获得灵感，再结合现代的先进设计理念，才为现代艺术设计注入了源源不断的动力。

（二）存在相似性。

由于艺术设计的源泉是民间美术艺术，因此，两者存在许多相似性。具体来讲，两者的相似性主要体现在装饰和表现等方面。就民间美术艺术的色彩来讲，往往呈现出浓烈、真挚的特点，给人们视觉上的冲击与震撼。而艺术设计也是注重给人视觉上的感受，通过将字体、色彩、图形等进行结合，吸引人们的注意力，达到视觉冲击的效果，进而传达某种思想感情。这与民间美术艺术的艺术特点是一样的，这也是现代艺术设计所共同追求的目标，通过简单的表达方式来传达艺术设计中的丰富情感。因此，从根本上来讲，民间美术艺术与艺术设计在视觉方面的表达具有很多相似性。

（三）相互融合。

（四）后者是前者的升华。

民间美术艺术和艺术设计有着千丝万缕的联系，虽然前者是后者的源泉与灵感所在，但是站在时代的角度来讲，后者是前者的升华。随着时代的进步和社会的发展，对艺术设计提出了更高的要求，只有不断进行创新，才能够创造出高质量的艺术作品。民间美术艺术经历了长时间的发展，积累了丰富的经验，当代艺术设计通过对民间美术艺术的创新，让民间美术艺术焕发出了新的活力，使得民间美术艺术更加具有时代感。将民间美术艺术中的精神和元素融入到当代艺术设计中，实现了对民间美术艺术的升华。这不是一种简单的创新，而是在民间美术艺术的基础上进行的、让民间美术艺术呈现出民族文化情感和民间精神的独特做法。这正是站在时代的前沿而进行的对民间美术艺术的时代性升华。这体现出了民间美术艺术在当代艺术设计中的时代性价值，同时也彰显出了当代艺术设计中所拥有的独特的民族精神与情感。

二、民间美术艺术造型在艺术设计中的实践与应用。

（一）阴阳相济造型。

在中国的传统文化中，非常强调阴阳相调，因为只有做到阴阳相调，才能够达到阴阳平和的效果。这是中国人民对艺术造型所追求的和谐之美。民间美术艺术造型中有许多都呈现出了阴阳相济的造型特点，在艺术设计中，对于阴阳相济的造型利用也非常的常见。在中国传统的剪纸当中，有阴剪法、阳剪法等，都呈现出了阴阳相济造型的特点，这是中国人民的审美特点。在艺术设计中，也有对阴阳相济造型的利用，如中国人民银行的logo标志，就使用了阴阳相济的造型，通过巧妙协调空间画面形态，使整个标志显得更加的精炼与完善，其构思显得巧妙而形象。

（二）虚实相扣造型。

民间美术艺术造型中既有抽象的，也有实体的表现，其中，通过对抽象的内容进行实体性的展现，或者将实体性内容进行抽象化的表现，都是民间美术艺术创作当中非常重要的特点。实现抽象与实体之间的过渡，又要达到和谐自然的效果，就需要强调对线条的利用，这是现代艺术设计当中需要进一步加强的。利用抽象与实体之间的自然过渡，设计意味深长的作品，是现代艺术设计需要达到的目标。在2008年奥运会火炬祥云的设计上，就体现出了抽象与实体之间的自然过渡，祥云的造型既可以说是一朵飘动的云，又可以说是极具动感的火炬，这是通过抽象与实体的过渡所达到的效果。

（三）应用造型理念。

（四）“和谐过渡”造型。

民间美术艺术受到了传统儒家思想的影响，主要体现在线条的变化中体现出了“和谐过渡”的思想。这种艺术造型给人和谐的感觉，体现出了造型的自然统一。其中，在艺术设计中，将绘画采用“和谐过渡”的造型，应用在海报、宣传册上面，实现了民间美术艺术造型的利用，同时展现出了当代艺术设计的独特性。此外，根据中国的水墨画中对于“和谐过渡”造型的利用，在虚实之间进行转换，产生了无穷的韵味。现代艺术设计中有许多地方都可以看到民间美术艺术造型的影子，民间美术艺术造型在艺术设计中得到了充分的展现。现代社会的发展对艺术设计提出了更高的要求，也增加了艺术设计的难度，在艺术设计中利用民间美术艺术中的“和谐过渡”造型，将抽象与具体进行紧密的连接，可以在当代进行广泛的利用，如网易标志的设计，就体现出了“和谐过渡”的思想。

三、民间美术艺术色彩在艺术设计中的实践与应用。

（一）平面设计。

民间美术艺术色彩在艺术设计中得到了充分的利用，如在平面设计中，就可以看到民间美术艺术色彩的影子。现代平面设计坚持了民间美术艺术色彩利用中所具有的文化特征和设计理念，如对于对比色彩的利用，在现代平面设计中就非常常见。在中国传统的民间美术艺术中，对色彩的利用，非常突出其对比性，如通过结合黑与红、红与绿、黄与蓝，能够加强视觉冲击，提高作品的震撼力，加强其艺术效果。在现代平面设计中，通过色彩对比的利用，能够加强作品的视觉效果，提高其震撼力，增加作品的张力，充分展现平面设计艺术作品的和谐美。

（二）包装设计。

在现代包装设计中，为了达到较好的视觉效果，从而引起消费者的关注，激发消费者的消费欲望，也利用了民间美术艺术设计中的色彩。现代包装设计中，对于民间美术艺术色彩的利用，非常注重以色传神，通过丰富鲜艳的色彩，来吸引人们的注意力，从而促进人们购买商品。如通过绿色包装，能够让人们联想到绿色环保、安全无污染的理念，从而引发购买行为。在现代包装设计中，对于民间美术艺术色彩的运用，体现出了现代化的理念，让民间美术艺术色彩服务于现代生活，充分发挥民间美术艺术色彩在包装设计中的作用，符合现代社会的发展需要。

（三）室内装饰设计。

（四）广告设计。

广告设计也是艺术设计的一个重要的组成部分，广告设计也非常注重色彩的利用，用以表达特定的目的。在广告设计中，也涉及到了民间美术艺术色彩的利用，为了更好地表达广告的主题与意图，通过合理利用民间美术艺术色彩，能够达到良好的效果。合理利用民间美术艺术色彩，能够起到烘托作用，表达广告的中心思想。如在化妆品类的广告之中，为了表达护肤和追求靓丽容颜的主题，利用淡粉、淡绿、淡蓝等素雅的色彩，给人健康、优雅的感觉。而在儿童服饰宣传的广告之中，通过鲜艳、活泼的色彩，如红色、蓝色等，能够对他们产生很强的吸引力。在表达喜庆的广告设计中，大多采用具备中国特色的大红色，用来渲染喜庆的氛围。这是对民间美术艺术色彩的合理利用，能够彰显出当代艺术设计的特色魅力。

参考文献：

[3]王洪业。民间美术的艺术造型和色彩在现代艺术设计中的应用[j]。中国校外教育，2016,s2:483.

色彩艺术概论论文篇九

目前，我国高职院校艺术专业学生所使用的《艺术概论》课程的教材一般依照普通艺术院校的教材进行教学，这是存在问题的，因为高职院校艺术生的文化水平和教学目的与普通院校的艺术生并不相同。高职教育的根本任务是培养高等技术应用性专门人才，而普通院校的艺术生培养理论性和技术性都较强的人才，应此，对于高职院校艺术生的教学内容与普通院校应该区别开来。目前普通高校所使用的《艺术概论》课程的教材多达二十种之多。

虽然教材各各不同，但主要内容大同小异，主要有三个方面：艺术原理、艺术创作、艺术欣赏。这三个方面是艺术教育的主要内容，只是各个教材这三个方面的内容有所侧重。这些教材编写者的专业背景可分为三类：艺术类、文学类、哲学类。编写者在编写的时候，是从他们的知识背景出发，进行观点的选择和材料的取舍的。哲学背景的编写者侧重于艺术原理的内容，文学背景的编写者侧重于艺术欣赏的内容，艺术背景的编写者侧重于艺术创作的内容。其实，艺术问题必然离不开艺术、文学、哲学，但不同的编写者在内容上的侧重使得所编写的教材不一定适用于艺术专业的学生。对于艺术专业的学生而言，接受艺术创作和艺术欣赏方面比较容易，但接受艺术原理则有一定的难度。原因在于艺术专业的学生在进入大学之前，他们的文化水平并不象一般文科学生那样高。总所周知，艺术生的高考文化分数数要比普通文科生低得多。许多大学本科艺术生的文化水平只相当于优秀高中生的水平。所以，理论性、抽象性较强的《艺术概论》课程对于他们而言，接受的难度比较大。这一点在高职的艺术生身上得以集中体现。

高职教育以适应社会需要为目标，要求毕业生应具有基础理论知识适度、技术应用能力强的素质。对于高职艺术生的教学目的而言，最主要的是培养其技术应用能力，至于基础理论知识，适度即可。所以，在《艺术概论》课程的教学内容上不必依照普通高校艺术专业的教材和内容。解决这一问题的方法主要有三：一是编写一本适合高职艺术生的《艺术概论》教材；二是在已有的教材中选择比较适合高职艺术生的《艺术概论》教材；三是教师在选择已有《艺术概论》教材的基础上，针对高职艺术生重新编写教义。这三种方法的目的都是为了教授与高职艺术生学习目的和文化水平相应的教学内容，以提高他们的艺术素质和专业技能。

针对高职艺术生的特点，教师在教学内容的选择上始终围绕在提高学生艺术技能的基础上去培养其艺术理论素养。也就是说教学内容中应加强艺术创作、艺术欣赏等艺术实践方面的内容。《艺术概论》的课程设置一般在高职艺术生的最后一年，学生在前两年的学习中已经具备了一定的创作经验和心得体会，对艺术问题有着一定程度的感性认识。艺术创作的'思想源泉、创作灵感、创作过程和艺术家等方面的内容，学生在具体的创作过程过程中是有所体会的，教学因势利导进行理论的提升。对于艺术欣赏问题的理解也是如此。学生的艺术学习必然离不开对大量经典作品的欣赏和描摹，而且他们在创作的过程中会有着自己的艺术追求和审美评品，他们自己创作的艺术作品也会进入欣赏者的视野。学生既是欣赏者又是创作者，所以学生可以结合自己的艺术创作实践去欣赏他人的作品。学生在艺术欣赏和艺术创作过程中也会对艺术理论有着一定程度的思考和理解。教师在此基础上可以进行相关理论知识的引导。比如艺术起源问题，学生通过艺术创作和欣赏的实践很容易接受一切艺术创作的源泉来源于现实生活这一理论。目前一般《艺术概论》的教材中关于艺术起源问题有艺术产生于巫术、图腾崇拜、游戏、模仿等几种观点，本来这是很难辨析的问题，但学生通过他们艺术创作和欣赏的实践体验，就比较轻松地辨析出艺术起源于劳动实践这一观点与其它观点的区别。诸如此类，学生可以通过艺术创作和欣赏的感受和体验去理解艺术理论的相关问题。

综上所述，教师在教学内容的选择上应该结合高职艺术生的文化水平、学习目标、思维方式、兴趣爱好等实际情况，将教学内容融入在他们的艺术创作和欣赏的实践体验当中去。只有这样，才能让他们更好地理解《艺术概论》课程中理论方面的内容。

色彩艺术概论论文篇十

艺术家通过眼睛将所看见的客观世界的样子原原本本地“重复”到画面上。而“表现”的艺术形式体现在两个方面：一方面是作者对客观事物的态度、评价，另一方面是作者的气质、个性，即通常意义上的“自我”。前者在具象内容中思考“表现什么”，后者在抽象形式中明确追求“怎样表现”，即以一个怎样的独特方式去体现对感性具体现实的把握，这主要是指作品的外在形式。

正因为如此，才出现关于同一个命题的作品千差万别的情况。德国画家巴塞利兹用抽象表现主义的色彩和笔触画具象画，笔下的形象总显得怪异、丑陋、粗鲁而蛮横。他不想完整、细致地描绘对象，而分裂地、破碎地使用充满才气与暴力感的色彩，在色彩处理上他经常横向地将两种强烈的颜色进行对照，在画布上改变传统绘画的统一与和谐。他的作品有一种生动性，常于丑、怪、邪恶之中呈现令人振奋也令人不安的情绪，这无疑是主观色彩的表现力量。

“再现”与“表现”这两种方法之间并没有明显的界限，在创作过程中是交融在一起的'。在互相转换的过程中，主观色彩扮演了重要的角色。“再现”相对来说是较为客观的一种方法，而要将之转换为主观性较强的“表现”性，就需要主观性色彩的发挥。“表现”是创作主体内心情感的一种抒发方式，而蕴含丰富情感的主观性色彩正是抒发主观情感的一个重要方式。

马琳杜马斯的绘画是主观色彩强有力的表现形式。空洞的色彩、经过褪色处理的线条，通过不加掩饰的简洁性创造出一种微妙而麻木的反常，彻底展示、毫不掩饰，模糊了再现性和抽象性、油画和素描之间的界线，没有任何观念的禁忌。没有细节的描绘，寥寥数笔绘出生动的人物形象，杜马斯用对比和模糊的方式表现人物心理和精神状态的不平衡，质疑我们习以为常的视觉和心理定势，挑战具有普遍性的价值体系。

艺术家在创作的过程中将眼睛看见的色彩，包括视觉套路中的色彩观加以感受与加工，形成一种传达内心主观情感的主观色彩。这种色彩不可以用“正确”或“不正确”来判定，而是艺术创作主体内心感情的真实体现。

20世纪是一个色彩的时代，人们对色彩越来越关注，它对人类精神的触及较深，对丰富人类生活意义重大。21世纪，色彩将会展示更为强烈的魅力，奏出人类灵魂的交响曲，让世界更加丰富多彩，使人类的生活更富于诗意。艺术家在画布上挥洒鲜艳的色彩，色彩的物质性、力度和生动性使整个画面呈现沸腾、激动人心的效果。色彩的主观性突破了传统作画形式，色彩的独立性使艺术家不再依赖于色彩的物质特性来获取表现力，而强调色彩个性方面的表达能力。

色彩艺术概论论文篇十一

教师可以通过还原学生创作实践情景的教学为主，讲授为辅的教学方式来改变过去一味说教的教学方式。还原情景式教学方式比较直观、形象、生动，就是一些比较抽象化的理论通过这一教学方式也容易被高职艺术专业的学生所接受。这就要求教师在教学前，需要花费许多时间和精力拍摄和制作学生创作和欣赏艺术品情景的影像资料。当然，在制作这些影像资料时，注意把生动化、形象化的影像资料与教学内容相结合。这些图像材料自然就能感染学生，让学生深刻地理解相关的教学内容。比如说讲授艺术起源于模仿理论时，可以还原再现学生写生的场景和过程，边再现边进行引导，学生自然就会理解艺术起源模仿的理论。这样的教学效果比说教明显好得多。

色彩艺术概论论文篇十二

(一)设计基础与源泉。

从根本上来讲，艺术设计的源泉来源于现实生活。民间美术艺术也是依托于现实生活而形成的，在这个过程中，广大劳动人民发挥着重要的作用。就民间美术艺术与艺术设计而言，前者是后者的基础与源泉。从精神和物质两个方面，民间美术艺术都可以称作是我国的民族文化。民间美术是艺术的源头，是艺术设计的审美基础。艺术设计要求创作者在思维方面做到新颖独特，拥有纯真的创作意识。从全球来看，艺术设计的设计方式都是通过立足于本民族的优秀文化，挖掘传统文化的丰富底蕴，从原有民间美术艺术中获得灵感，再结合现代的先进设计理念，才为现代艺术设计注入了源源不断的动力。

(二)存在相似性。

由于艺术设计的源泉是民间美术艺术，因此，两者存在许多相似性。具体来讲，两者的相似性主要体现在装饰和表现等方面。就民间美术艺术的色彩来讲，往往呈现出浓烈、真挚的特点，给人们视觉上的冲击与震撼。而艺术设计也是注重给人视觉上的感受，通过将字体、色彩、图形等进行结合，吸引人们的注意力，达到视觉冲击的效果，进而传达某种思想感情。这与民间美术艺术的艺术特点是一样的，这也是现代艺术设计所共同追求的目标，通过简单的表达方式来传达艺术设计中的丰富情感。因此，从根本上来讲，民间美术艺术与艺术设计在视觉方面的表达具有很多相似性。

(三)相互融合。

(四)后者是前者的升华。

民间美术艺术和艺术设计有着千丝万缕的联系，虽然前者是后者的源泉与灵感所在，但是站在时代的角度来讲，后者是前者的升华。随着时代的进步和社会的发展，对艺术设计提出了更高的要求，只有不断进行创新，才能够创造出高质量的艺术作品。民间美术艺术经历了长时间的发展，积累了丰富的经验，当代艺术设计通过对民间美术艺术的创新，让民间美术艺术焕发出了新的活力，使得民间美术艺术更加具有时代感。将民间美术艺术中的精神和元素融入到当代艺术设计中，实现了对民间美术艺术的升华。这不是一种简单的创新，而是在民间美术艺术的基础上进行的、让民间美术艺术呈现出民族文化情感和民间精神的独特做法。这正是站在时代的前沿而进行的对民间美术艺术的时代性升华。这体现出了民间美术艺术在当代艺术设计中的时代性价值，同时也彰显出了当代艺术设计中所拥有的独特的民族精神与情感。

(一)阴阳相济造型。

在中国的传统文化中，非常强调阴阳相调，因为只有做到阴阳相调，才能够达到阴阳平和的效果。这是中国人民对艺术造型所追求的和谐之美。民间美术艺术造型中有许多都呈现出了阴阳相济的造型特点，在艺术设计中，对于阴阳相济的造型利用也非常的常见。在中国传统的剪纸当中，有阴剪法、阳剪法等，都呈现出了阴阳相济造型的特点，这是中国人民的审美特点。在艺术设计中，也有对阴阳相济造型的利用，如中国人民银行的logo标志，就使用了阴阳相济的造型，通过巧妙协调空间画面形态，使整个标志显得更加的精炼与完善，其构思显得巧妙而形象。

(二)虚实相扣造型。

民间美术艺术造型中既有抽象的，也有实体的表现，其中，通过对抽象的内容进行实体性的展现，或者将实体性内容进行抽象化的表现，都是民间美术艺术创作当中非常重要的特点。实现抽象与实体之间的过渡，又要达到和谐自然的效果，就需要强调对线条的利用，这是现代艺术设计当中需要进一步加强的。利用抽象与实体之间的自然过渡，设计意味深长的作品，是现代艺术设计需要达到的目标。在2008年奥运会火炬祥云的设计上，就体现出了抽象与实体之间的自然过渡，祥云的造型既可以说是一朵飘动的云，又可以说是极具动感的火炬，这是通过抽象与实体的过渡所达到的效果。

(三)应用造型理念。

(四)“和谐过渡”造型。

民间美术艺术受到了传统儒家思想的影响，主要体现在线条的变化中体现出了“和谐过渡”的思想。这种艺术造型给人和谐的感觉，体现出了造型的自然统一。其中，在艺术设计中，将绘画采用“和谐过渡”的造型，应用在海报、宣传册上面，实现了民间美术艺术造型的利用，同时展现出了当代艺术设计的独特性。此外，根据中国的水墨画中对于“和谐过渡”造型的利用，在虚实之间进行转换，产生了无穷的韵味。现代艺术设计中有许多地方都可以看到民间美术艺术造型的影子，民间美术艺术造型在艺术设计中得到了充分的展现。现代社会的发展对艺术设计提出了更高的要求，也增加了艺术设计的难度，在艺术设计中利用民间美术艺术中的“和谐过渡”造型，将抽象与具体进行紧密的连接，可以在当代进行广泛的利用，如网易标志的设计，就体现出了“和谐过渡”的思想。

(一)平面设计。

民间美术艺术色彩在艺术设计中得到了充分的利用，如在平面设计中，就可以看到民间美术艺术色彩的影子。现代平面设计坚持了民间美术艺术色彩利用中所具有的文化特征和设计理念，如对于对比色彩的利用，在现代平面设计中就非常常见。在中国传统的民间美术艺术中，对色彩的利用，非常突出其对比性，如通过结合黑与红、红与绿、黄与蓝，能够加强视觉冲击，提高作品的震撼力，加强其艺术效果。在现代平面设计中，通过色彩对比的利用，能够加强作品的视觉效果，提高其震撼力，增加作品的张力，充分展现平面设计艺术作品的和谐美。

(二)包装设计。

在现代包装设计中，为了达到较好的视觉效果，从而引起消费者的关注，激发消费者的消费欲望，也利用了民间美术艺术设计中的色彩。现代包装设计中，对于民间美术艺术色彩的利用，非常注重以色传神，通过丰富鲜艳的色彩，来吸引人们的注意力，从而促进人们购买商品。如通过绿色包装，能够让人们联想到绿色环保、安全无污染的理念，从而引发购买行为。在现代包装设计中，对于民间美术艺术色彩的运用，体现出了现代化的理念，让民间美术艺术色彩服务于现代生活，充分发挥民间美术艺术色彩在包装设计中的作用，符合现代社会的发展需要。

(三)室内装饰设计。

(四)广告设计。

广告设计也是艺术设计的一个重要的组成部分，广告设计也非常注重色彩的利用，用以表达特定的目的。在广告设计中，也涉及到了民间美术艺术色彩的利用，为了更好地表达广告的主题与意图，通过合理利用民间美术艺术色彩，能够达到良好的效果。合理利用民间美术艺术色彩，能够起到烘托作用，表达广告的中心思想。如在化妆品类的广告之中，为了表达护肤和追求靓丽容颜的主题，利用淡粉、淡绿、淡蓝等素雅的色彩，给人健康、优雅的感觉。而在儿童服饰宣传的广告之中，通过鲜艳、活泼的色彩，如红色、蓝色等，能够对他们产生很强的吸引力。在表达喜庆的广告设计中，大多采用具备中国特色的大红色，用来渲染喜庆的氛围。这是对民间美术艺术色彩的合理利用，能够彰显出当代艺术设计的特色魅力。

参考文献：

[3]王洪业.民间美术的艺术造型和色彩在现代艺术设计中的应用[j].中国校外教育,2016,s2:483.

色彩艺术概论论文篇十三

摘要：现代城市建设步伐日新月异，怎样利用园林色彩美来满足人们精神上的需求，体现出日林荚及自然美，是我们从事固林工作者盛需去探讨的课题。in林中景物色彩十分丰富，合理利用圃椿色彩的艺术处理手法，进行以人为本的园林色彩构图。

关键词：因特色彩艺术自然色彩人工色彩。

园林中景物色彩十分丰富，景物受到固有色、光源色和环境色的影响而呈现出不同的色彩。在园林中既要利用好自然色彩，又要设计好人工色彩。园林艺术处理手法有单色处理、类似色处理、对比色处理、调和色处理、渐层、中性色运用、多色处理等。在进行园林色彩构图时要充分考虑游人心态，并在此基础上确定基调、主调、配调和重点色。

1.园林中的色彩。

色彩以它神奇的力量把大自然装点得多姿多彩，它每一天都与我们相伴，丰富着我们的生活，带给我们美的感受和视觉美感的愉悦。色彩与我们生活密不可分，无时无刻不置身于大自然五彩缤纷的世界之中。

1.1园林中的自然色彩。

色彩是物质属性之一，无论天空、山、水、岩石、植物、动物、建筑物、构筑物以及园林建筑小品等无不呈现某种色彩，其中有一类物质的色彩完全不受人们意志左右，如日出、云海、日落等，当人们了解到达些物质色彩变化的特点和风景价值后，便能有意识的把他们组织到园林中去。

1.1.1气象色彩在园林中的艺术表现。

天空色彩有瞬息万变的特点，由于天空的色彩有着丰富的变化，所以天空非常适合作为主景的背景，主景会被衬托的更加形象简洁，轮廓清晰，才能呈现庄严、伟大或平静、柔和的景观效果。如兰州五泉山公园的青铜雕塑，就是以蓝天为背景的景点，给游人一种威严的气势。

1.1.2山石、水体色彩。

作为园林四大要素之一的山石景观具有其独特的色彩，其色泽与形状有其独特的魅力，园林中的山石能给游人带来无比乐趣，使游人有回归大自然的情趣。如苏州藕园，虽然面积不大，但通过假山石造景，让人感到园子有景可观，有情可感。

水是无色的，但因水体面积大小不同和深浅不同，受光源色和环境色彩影响产生不同的色彩感，同时水的颜色也与水质清洁程度有关，因而大海呈蓝色，漓江呈绿色，黄河呈黄色，九寨沟的湖水呈五彩色。现代园林中，在有限的地段范围内，利用水体去展现大自然的景观的形式较多，如音乐喷泉、灯光喷泉、雾景、薄膜瀑布等形式，其效果更令人心旷神怡。

1.1.3植物色彩。

园林中植物的色彩是最丰富的，通过植物去美化环境，能有效的发挥绿地的三大效益，即生态效益、经济效益和社会效益。对于从事园林事业的有志人士在给人们欣赏自然美、古典美的`同时，要善于发现美、创造美，掌握植物色彩的奥妙和规律，配置最新、最美的图案，给人们布置更多更好的符合时代节奏的现代园林景观。

植物美是构成园林美的主要角色，它的品类繁多，有木本、草本，木本中又有观花、观叶、观果、观枝干的各种乔木和灌木。草本中又有大量的花卉和草坪植物。一年四季呈现出各种奇丽的色彩和香味，表现出各种体形和线条。植物美最主要表现在植物的叶色，绝大多数植物叶的叶片是绿色的，但植物叶片的绿色在色度上有深浅不同，在色调上也有明暗、xx之异。

1.1.4动物色彩。

园林中引入动物，不仅形象生动，而且能给园林环境增添色彩，”鹅、鹅、鹅，曲颈向天歌，白毛浮绿水，红掌拨青波”，这首诗就是描写戏水的白鹅，其中形、声、色俱全，美不胜收。

1.2园林中的人工色彩。

园林中还有一些构景要素，如建筑物、道路、广场、塑石、雕塑、建筑小品、灯具、坐椅以及垃圾箱等的色彩大多是人工色彩形成的，这类构景要素的色彩在园林中所占比例不大，但却举足轻重。园林中主题建筑的位置、造型及色彩三者结合，能对园林风景起画龙点睛的作用，其中尤以色彩最能引人注目。

1.2.1园林建筑色彩。

园林建筑的色彩多具有民族传统和地方特色，如北方皇家园林中的建筑色彩大多采用暖色，大红柱子、绿色琉璃瓦、彩绘等，这样的色彩搭配显得金碧辉煌，富丽堂皇，缓和了冬季园林的萧条气氛。江南私家园林建筑多用冷色调，粉墙青瓦、栗色柱子等素雅色系，这种色彩搭配既显示了文人高雅淡薄的情操，又减弱了夏季的炎热感。

1.2.2园路广场色彩。

园中路径和广场是现代园林构景要素之一，砌地铺路在传统园林中极受重视。花街铺地是我国路面景观的特色。利用精美的图案、调和的色彩、精巧的铺砌技术在古代园林中就已经令人赞叹不已。

1.2.3灯光色彩。

照明景观在现代园林中运用极为广泛，这种人工光源的使用创造出了与自然光条件下截然不同的景观。这种景观充满着奇异的色彩，能给人以极强的视觉冲击。

2.园林色彩的艺术处理。

2.1单色处理或类似色处理。

园林空间是由多色构成的，绿色是园林的基色，有135种类似色，因此所说的单色处理也包括类似色处理。在花坛、花带或花池中种同一色相的花卉，当盛花期到来时，绿叶被花卉淹没，其效果比多色花坛或花池更引人注目。象常见的一片油菜花、郁金香、桃花、牡丹等呈现的景象十分壮观，令人心旷神怡。

2.2对比色处理。

两种色互为补色时就是对比色，一组对比色放在一起，由于对比作用而使彼此的色相得到加强，产生的感情效应更为强烈。如芜湖市迎宾阁水面一角的荷叶塘，当夏季雨后天晴，绿色荷叶上雨水欲滴欲止时，正值粉红色荷花相继怒放时，犹如一幅天然水墨画，让人感觉清新宜人和谐可爱。

2.3调和色处理。

自然界中经常看到的绿野与蓝天，黄花与绿叶，这种搭配会使人感到一种平静、温和与典雅的美。黄、绿、青三色之间含有某种共同色素，配合在一起称为调和色。在花坛设计中配景调和色系列的花卉，就会让人感到浓淡相宜，十分雅致。如半支莲有红、洋红、黄、金黄、金红以及白色等，配置在一起颇为美观。如兴庆富内，在大草坪上成片种植的银杏，春季绿叶，到秋季银杏叶色变黄，秋风阵阵，黄叶凋落在绿色的草坪上，黄绿色彩的交相辉映，既壮观又协调，给人一种深刻的赏心悦目的喜爱。

参考文献。

[1]衣学慧.园林艺术[m].北京：中国农业出版社，2006.

[2]孙鸿举，张瑞霞，浅谈园林植物的色彩艺术【j].内蒙古农业科技，2007(2).

[3]马江林.园林植物的色彩艺术【j】.中国林业，2007(10).

[4]陈秋辉.大地艺术对现代风景园林设计的影响科技创新导报.2008，14:124.

色彩艺术概论论文篇十四

雕塑是一门古老的艺术形式，种类繁多，是多种艺术表现形式的统称，采用特定的物质材料加工出出具有实体形象的艺术作品，它是一种独立的立体造型艺术。因制作方法主要是雕刻和塑造两大类，我们常说雕是减法塑是加法，因而按制作工艺区分，雕塑可以分为雕和塑两大类。细分则分为刻、镂、塑、凿、琢、铸等各种技艺和手法。如果按照体裁来区分，雕塑又可以分为纪念性雕塑、城市雕塑、宗教雕塑、景观雕塑和架上雕塑等。按样式区分，雕塑还可以分为头像类、胸像类、半身像类、全身像类、群像类等。

二、雕塑的艺术语言。

认识和研究雕塑可以从各角度切入，如雕塑流派、雕塑家、雕塑史等。但是认识和研究雕塑的最基本特质，还得从雕塑艺术语言着手。“艺术语言是艺术家创造实物与表现客观对象的精神导师。一方面，它是构成感官视觉的独特内涵，另一方面，它又是表现艺术作品内在价值体现的桥梁。”了解并研究雕塑的艺术语言形式，有助于从本质上了解雕塑艺术的发展。那么雕塑的艺术语言有哪些方面呢？具体地说有以下四点：形体、空间、材质、加工改造方式。

（一）形体语言。

形状（形态）与体积，是雕塑艺术最重要、最基本的语言。雕塑家作出具备一定的空间关系、体块关系、解剖关系、动势变化等，利用材料特性制作出或具象或抽象的各种形象，客观反映现实对象，传达作业内心独白。雕塑的形体语言有表情性、空间性、可触性特点。同时雕塑的形体语言也经历了写实――变形――抽象的发展历程。

1、表情性：雕塑的变现性具备其独有的艺术表情，其强烈的视觉冲击力会带个观赏者不尽相同的观展感受。不相同的雕塑作品，可以唤起人们的审美情感，加强作品表现力。例如意向的表现方式可以让人感到生动、趣味性，进而唤起其对事物的深思与联想。抽象的表现方式使人感到变化与无秩序，进而引发对艺术符号的深层思考。雕塑家利用人们对形体的共同感受来进行创作，以表达自己特有的思想感情。

2、空间性：形体占有的空间为“实空间”，包围形体的空间叫“虚空间”；因为有了虚实空间，形体才有意义。

3、可触性：雕塑能够让人感知存在，这是雕塑艺术独有的特性，故雕塑也被称为“触觉艺术”。雕塑不同于绘画，具备可触碰、多角度、三维纵深等特性，可以更好地与观众互动，提高作品的艺术表现形式与多样性。

（二）空间语言。

雕塑的空间语言是指雕塑自身的空间塑造关系，即雕塑作品所占的实空间和虚空间的密切关联。空间是雕塑极最为重要的表现方式，空间感看不见摸不着，但是其中用相当于绘画当中的进深感。雕塑家在制作泥塑过程中，首先需要想到的是先有空间，再有其他。如果只注意事物的表象而忽略了空间感，或者减弱空间感的表现力，将很难领会雕塑尤其是景观雕塑的魅力。观赏者变换方位从不同角度观察雕塑，实空间与虚空间的相互交替，用具象思维或抽象符号观察其无限的空间变现，也定会乐在其中。

（三）材质语言。

雕塑的材料语言极大丰富，是雕塑艺术的重要载体与表现手段。雕塑所用材料不分高贵低贱，因为雕塑的一个重要的特点就是艺术与材料的合一，双方完美、高度的融合是制作优秀雕塑作品的前提条件。所谓没有材料就没有雕塑，材料对雕塑创作的重要性不言而喻。雕塑材料大体上可分为石材、木料、雕塑泥、玻璃钢等等。如木之松软、细密和温暖，使人联想到自然、生命；白大理石的坚硬、细腻、高贵，使人联想到品德的高洁，恰当地选择材料，认识和熟悉材料的性质，在加工过程中锻炼技巧和驾驭材料的本领，在作品中最大限度地挖掘和发挥材料的材质美，是每个雕塑家应具备的能力。

（四）加工改造方式语言。

雕塑后期加工所呈现出的技术美，亦是雕塑具有独特魅力的重要因素。雕塑家对材料的特性需要做到心知肚明、了然于心，最后作品的诞生离不开艺术家对材料的极致追求，在加工过程也是艺术创作的重要组成部分，每种材料都有其特有的加工制作方法，同样的一种制作材料，采用不同的加工方法也会产生不同的视觉效果。深入了解材料特性，运用合适便捷的加工工具，顺应材料特性进行加工处理，方能使雕塑作品达到思想、表现力与材料的完美统一。

三、总结。

雕塑家在精心设计方案后，将材料按一定的结构加工和组织，进而形成作品，整个过程是同时、综合、全面地考虑和使用艺术语言。对于一名雕塑家来讲，能够熟练并有效的使用正确得艺术语言，并创造性的发挥其特质，进而形成有具有鲜明个性的艺术特性，十分重要。这是一个艺术家成熟与否的标志，也是进入大师行列的起点。对于欣赏者，当看到一件雕塑，如果熟悉雕塑语言的特点，就会从形体、空间关系、材料和加工方法等方面找出和其它雕塑不同的特点，更容易领会艺术家所要表现的东西。从不同艺术视角去感受，具备一定的艺术修养与文艺知识，不仅能够读懂雕塑的艺术内涵，而且可以领悟到雕塑艺术家的精神追求。

色彩艺术概论论文篇十五

二十世纪初，随着表现主义油画流派的出现和壮大，色彩的情感和力量找到了最为强烈的表达形式。表现主义艺术家用浓烈、鲜艳的色彩来装饰画面，通过画面色彩与内心世界的连结，引起观赏者生理与心理上的一系列反应。他们认为，色彩是一种强烈的情感力量，它能够独立于画面这一客体而存在，它是富有精神性和生命力的，不同的色彩能够带来不同的心理感受，比如蓝色给人一种压抑或苦闷的感觉，红色给人一种激动或热情的感受，灰色给人一种颓废或死气沉沉的感觉，等等。总体而言，表现主义油画在色彩运用方面主要具有以下三个特征。

第一，色彩运用的主观性。色彩的主观性是指色彩的运用不囿于客观事物外部的原本形态，而是艺术创作者根据创作主题、审美需要和情感诉求，对色彩进行的二次加工与重新组合。也就是说，画面中所使用的色彩已经不再是对所描绘事物固有色彩的反映，而是一种融合了创作者思想内涵和精神追求，能够表达创作主体情感与情绪的，富有创作者个人特色，并带有强烈生命力和表现力的艺术语言。它在表象上将绘画艺术与现实世界拉开了距离，但在精神内涵上却更加贴近生活、贴近内心，为画作营造出浓厚的情感氛围，引起观赏者的共鸣。

以挪威杰出的表现主义画家爱德华·蒙克的《呐喊》为例，蒙克注重对情感和精神的体现，认为艺术创作的实质在于对情感和精神的传达，自然事物的原本形态是次要的，人性自然而言的主观状态、摆脱了一切外部约束的精神体验，以及达到忘我状态的理想诉求等等，才是艺术创作内容的核心所在。关于《呐喊》的创作背景，蒙克自己的叙述是：一天晚上我沿着小路漫步，路的一边是城市，另一边在我的下方是峡湾。我又累又病，停步朝峡湾那一边眺望，太阳正落山，云被染得红红的，像血一样。我感到一声刺耳的尖叫穿过天地间；我仿佛可以听到这一尖叫的声音。我画下了这幅画，画了那些象真的血一样的`云。那些色彩在尖叫。我呆呆地伫立在栏杆旁，深蓝色的海湾和城市，是血与火的空间，我独自站在那里，突然感到不可名状的恐怖和战栗。就是在这样的情感背景下，蒙克创作了《呐喊》这幅作品，他描绘了宛若燃烧中的血红色的云，并运用了大片的象征死亡与不详的黑色，来表现自己内心的恐惧和不安。在这幅画面上，除了中间那个表情狰狞惶恐、令人毛骨悚然的抽象人形以外，我们看不到任何能够暗示那一声呐喊有多么恐怖的具体物象。他双手紧紧捂着耳朵，既听不到另外两个渐行渐远的行人的脚步声，也看不到远方的教堂和船只；他完全与现实隔离开来，被孤独和恐惧围得密不透风。他被自己的恐惧彻底征服了，他的面部已经完全扭曲变形，眼睛瞪得滚圆，嘴巴大大张开，脸颊则深深凹陷，宛如一副骷髅。

在这幅作品中，蒙克所使用的色彩带有显著的主观性。当然，这些色彩并没有完全脱离自然规律，其大致的真实性仍然得以保留，海水是蓝色的，大地是棕色的，树木是绿色的，落日晚霞的天是红色的，只不过这些颜色都被夸张化处理了，以营造一种压抑无比、密不透风的感受。整个画面的色彩都是压抑的、阴郁的：蒙克用浓重的血红色表现天空，给人一种血管即将涨破、血压骤然上升的生理感受，同时带来极度不详的预感。海面用暗蓝色来表现，远处阴暗部分则转为紫色，令画面显得更加阴沉。画面中心抽象人物的衣服同样是紫色，他的头部和手部，则是苍白色与惨淡的灰棕色，人物由于那声尖叫而产生的极度恐惧与焦虑被展现得淋漓尽致。

第二，色彩运用的象征性。早在原始社会，人们就已经懂得色彩的不同属性，后来西方宗教绘画艺术中广泛运用了色彩的属性，通过色彩来象征抽象的意念，近现代的油画作品创作则深化了色彩运用的象征性特征，用丰富多样的色调关系来表达作品的主题，传达创作者的思想情感。同样是在蒙克的《呐喊》这部作品中，他将对比用色发挥到极致，表现出其独特的观察视角和敏锐地洞察力。他用躁动火热的具有流动性的红色和橙色来象征流动的晚霞和渐渐下沉的红日，用暗暗的蓝色、紫色和黑色来表现波涛汹涌的海水，象征人物内心的挣扎与不安。同时，这一系列视觉符号是声波图像化的有力载体，它们将响彻云霄的尖叫转化成为可见的振动，让听觉上的感受通过视觉的符号来传递，同时衍生出内心的焦虑感受，整个画面瞬间都成为了那种恐惧、压抑、不安、焦躁、急切等情绪的象征。

第三，色彩运用的装饰性。色彩具有装饰和美化的作用，这一点早在远古时期就被人们意识到了。西方油画诞生以后，色彩的装饰作用更是得到了几近完美的展示，艺术创作者使用各种方法将不同的色彩融合在一起，通过色彩之间的对比与呼应，来实现色彩对画面的装点功能。例如在克里姆特的《吻》这部作品中，除了一双恋人的面部、手部、服装上的几块花纹、小片的绿地以及点点繁花以外，整个空间全部以金色调来诠释，展示了恋人在朵朵娇艳欲滴的鲜花点缀的草地上拥吻的甜蜜情景。为了避免色彩的单一和单调，克里姆特在恋人金色的服装上辅以长方形和圆形色块的点缀，令画面的色彩更为鲜亮，也令金色的感染力更加强烈，给人带去一种光明、美满的气息。又如马蒂斯的作品《红色的和谐》。在这幅作品的创作过程中，他对色彩的装饰性进行了全新而深入的探索，他将透视法从绘画技巧中彻底抽离，转而运用橙与蓝、黄与紫、红与黑等饱满的色彩，来呈现出一个充满对比的图像世界。画面以红色为主，并在餐桌上辅以黑色与淡蓝色的花纹，在餐桌上与窗外，都用有规律排列的小块白色加以装点，令画作庄重之中带有一丝灵动与活跃，极好地展示了色彩的装饰性作用。

总而言之，表现主义油画在色彩运用方面主要依托创作主体的内在情感，不受所绘事物原本客观形态的约束，具有极强的主观性。创作者可以根据自身的内心状态、精神体验和理想诉求对创作客体的色彩进行重组，营造出浓厚的情感氛围，引起观赏者的共鸣。同时，表现主义油画的色彩运用还具有象征性与装饰性特征，创作者可以按照色彩所具备的情感规律，选取相应的色彩来象征不同的情绪和场景，通过色彩之间的对比关系和照应关系来对画面进行装饰，从而避免单一和单调，令画面灵动而活跃。

色彩艺术概论论文篇十六

摘要：艺术设计作为一门独立的艺术学科，是一门综合性极强的学科，它涉及到社会、文化、经济、市场、科技等诸多方面的因素，其审美标准也随着这诸多因素的变化而改变。因而，艺术设计不仅仅是一项实践技能，更是设计者自身综合素质(如表现能力、感知能力、想象能力)的体现，所以，在高职院校艺术设计教学中应该对艺术设计思维提出更高要求。

关键词：艺术设计;设计思维;高职教学。

中南大学出版社的《艺术导论》一书指出，狭义的艺术是指凡运用特定的物质手段，按照美的规律，塑造典型的艺术形象，反映社会生活，表达艺术家思想感情，并能引发人们共感共鸣、满足人们多方面审美需要的精神产品。而“设计”，顾名思义应该是“设想”与“。

计划。

”，是指将某种设想用。

计划。

执行出来，如此说来，三国时期的诸葛亮就是位设计大师，他设了许多妙计。不过诸葛亮的设计用行为表达，我们的艺术设计用形象表现，其中之道是相通的。事实上，许多领域中的事理都同艺术设计有相通性，愈多认识这种相通性，设计思考就愈加开阔和有活力。高职教育是高等教育的一个重要层次和分支，其课程不同于本科教育的学科课程，具有鲜明的、显著的职业性，基础性强的课程经改革后，更强调应用性。但固本守源，高职教育不能因为要强调实践性和职业性，而轻视基础性和思想性。

艺术设计作为一门独立的艺术学科，其实是一门综合性极强的学科，它涉及到社会、文化、经济、市场、科技等诸多方面的因素，其审美标准也随着这诸多因素的变化而改变。因而，艺术设计不仅仅是一项实践技能，更是设计者自身综合素质(如表现能力、感知能力、想象能力)的体现，所以，在高职院校艺术设计教学中应该对艺术设计思维提出更高要求。下面，笔者将从高职教学中的艺术设计思维、高职院校艺术设计教学现状及存在的问题、高职教学中如何培养学生的艺术设计思维三个方面来分析艺术设计思维在高职教学中的缺失及重要性，从而探讨在高职教学中培养艺术设计专业学生艺术设计思维能力的方法和策略。

艺术设计是人类社会发展过程中物质功能与精神功能的完美结合，是现代化社会发展进程中的必然产物。所谓艺术设计，就是将艺术的形式美感应用于日常生活紧密相关的设计中。设计服务于生活，而艺术设计将艺术的美感融合在服务于生活的设计中，使设计不仅具有实用功能还兼备审美功能。随着社会生产力的进步和人类经济、文化生活的日趋发展，人们生活质量得到普遍提高，简单的物质供给已经不能满足大众需求，而对精神文化提出更高的要求。因而，对艺术设计的要求不再仅仅局限于实用功能，对审美提出越来越高的要求，而且这种趋势与日俱增。艺术设计思维是艺术设计的“目标”和“发想”，有艺术设计思维的指导和引导，才能将设计在实践中上升到艺术高度，使艺术设计作品散发艺术的魅力，令享受设计作品的人赏心悦目，心旷神怡。

1.1艺术设计思维是艺术设计的灵魂。

如果把设计比作一个生命的话，艺术设计思维便是设计的灵魂。人类没有灵魂便如行尸走肉，设计没有灵魂便毫无生气和特色。一个奋战在新闻前线多年的记者曾经说过，没有文学的底蕴，新闻的道路又能走多远呢?设计思维与设计的关系，就如文学和新闻的关系。只懂采访技巧和写作方法，一篇简单的新闻报道和消息撰写尚可胜任，但是如果没有文学的底蕴，在深挖新闻的深度和新闻背后的时候便不能更好的表达出来，采写的新闻稿件便没有深度和高度。设计思维之与设计也是如此，优秀的设计作品不仅以表象的形式作用于人们的感官，而更以内在的力量作用于人们的心灵。设计思维是设计作品的精髓与核心，如果一个设计作品不具备巧妙的创意思维，则会缺乏一种持久的发人深思的内涵和深层次的感召力，难以激起受众内心的共鸣。在高职艺术设计教学中培养学生的艺术设计思维是培养艺术欣赏水平和艺术设计水平的关键。

1.2艺术设计思维是优秀设计师应该具备的基本素养。

作为一名优秀的设计师必须具备基本的素养有：首先是要具有良好的职业道德标准，对艺术设计有正确的理解，具备相关专业的基础知识;其次要具有良好的审美能力和美术基础，并有一定的表现能力。设计的结果是以艺术形式来表现的，所以设计作品的艺术性、表现性也是一个设计师必备的基础;最重要的是要具备艺术设计的。

创新。

思维能力。随着中国国门的逐渐打开，世界先进的设计思想与设计理念正全方位地影响和改变着中国的设计，我国的艺术设计处在一个由简单模仿到独立设计的过渡期，这个时期的设计师尤其要注重。

创新。

能力的培养。作为一名优秀的设计师应该承载引领中华民族设计界走向世界的步伐，开创世界先河上中国的艺术设计天地。在高职教学中，艺术设计专业对学生的培养不仅仅是一名机械的设计工人，而应该是具备高素养和高水准的优秀设计师。

1.3艺术灵感产生设计思维，设计思维指导设计实践。

设计师顾群业在接受访谈中说道：“我认为文化是在不断融合中发展的。我们做设计，经常需要挖掘区域文化，找别人还不熟悉的文化。为什么国外的纪念品买回来大家会觉得比较新奇?因为你没见过。设计师很大程度上就是要创造别人没见过的东西，当然我以前说过，真正的“创造”是不可能的，所以设计师就会挖掘一些你还没见过的东西。走向一名成功设计师的道理是漫长而艰辛的，但前途总是光明的。顾群业谈到设计，认为在生活中通过对外界的感受产生艺术灵感，然后再将这种灵感转化成作品。简单归纳起来，就是艺术灵感来源于生活，艺术灵感产生设计思维，然后用设计思维指导设计实践才能产生优秀的设计作品。高职教学应该充分认识到艺术灵感、设计思维对设计实践的重要作用，在教学中着重激发学生灵感，培养学生艺术设计思维，并将这些运用到设计学习和实践中。

2.1高职院校艺术设计专业生源质量和整体素质有待进一步提高。

近年来，我国高职院校艺术设计专业的学生不断增加，但真正因为热爱艺术，热爱设计而选择这个专业的并不占多数。从高中走向高等教育，大多数学生的目标和方向并不明确。一部分艺术设计专业学生选择这个专业不过是人云亦云，胡乱选择了这个专业，也有不少人是因为成绩不如人意，想走捷径，通过选择艺术专业课以较低分数迈入高校大门。这类学生由于本身专业选择的错位和盲目，往往造成学习兴趣和动力不足，对艺术设计的理解和认识更是缺失严重，因此，造成高等院校艺术设计专业的生源质量和整体素质参差不齐，整体水平有待进一步提高。

2.2高职艺术设计教学普遍存在重技能轻理论、艺术设计思维培养缺失严重的现象。

职业教育是培养为社会直接创造价值的劳动者和专门人才的教育，基于此理论，目前的高职类艺术设计专业教学主要将注意力集中在培养学生的浅层操作技能层面，强调设计技术，而忽视了学生艺术设计思维和艺术审美教育，学生也倾向于学习一些设计技术和手法，对于艺术设计思维能力的薄弱，既没有必要的了解也缺乏足够的认知，导致现在高职院校艺术设计专业教育与艺术设计构思相脱节现象严重。

高职艺术设计教学普遍存在重技能轻理论以及艺术设计思维培养缺失严重的现象，是导致目前高职院校培养的优秀设计师数量不能持续上升的主要原因。实际上，职业教育承载着满足社会需求的重任，要实现高职教育的培养目标，办出高职的特色，必须以培养能力为核心，构建理论教学和实践教学相结合的教学体系，既要拓宽基础，又要注重实践，更要加强能力培养，提高综合素质。

高等职业教育与普通高等教育的人才培养目标和培养规格、方式不同，但具有相通性。高职教育是一种技术型、技能型教育，其培养目标是高素质的应用型人才，艺术设计作为一门实践性较强的专业在高职院校占据了一片广阔的领地。培养目标与规格的实现主要取决于人才的培养过程，高职院校在培养艺术设计专业人才的过程中，投入的设施和师资，采取的教学方法和策略等因素，对艺术设计人才的培养起着至关重要的作用。

3.1高职教学要重视基础课程，为设计思维培养奠定全面基础。

现代艺术设计学是一个结构大、涉及面广、多学科关联互动的开放的学科体系，它涉及到社会、文化、经济、市场、科技等诸多方面的因素。对一个优秀的设计师而言，必须具备良好的社会科学、自然科学知识，具有广泛的修养和完整的知识结构系统，才能形成科学的设计理念，形成理性和感性、逻辑和意象相结合的思维方式和表达形式。这样，在高职教学中，要让学生对文学、经济社会学、历史学、民俗学、心理学等有一定的了解，将这些学科融入到学生的艺术设计学习中。使学生不仅有较高的审美情趣，而且能对艺术进行合理的理解和优化的处理，掌握与设计有关的相关学科知识，能够不断启发创造力与灵感，从而提高艺术设计的内涵。

3.2高职教学应注重专业素质训练，抓好设计思维培养的关键。

专业素质包含专业知识修养和技能。专业知识素养包含艺术史、设计史、设计概论、设计美学等基础素养，专业知识素养决定了一个设计师是否最终形成自己的设计观念和审美观念，在高职艺术设计教学中注重对学生专业知识素养的训练可以帮助学生了解中外艺术设计的传统、现状与发展趋势，可以开阔眼界，汲取精华学到新知。专业技能是设计的实际制作和动手能力以及对事物的观察和概括能力等，是设计师技能的最直观体现。高职艺术设计教学应激发学生创造的欲望，增强学生创造能力，全面提高学生素质，注重专业素质训练，抓好设计思维培养的关键。

3.3高职教学应多管齐下，为艺术设计思维培养创造良好的条件和环境。

(1)要从艺术设计教育的特点出发，改革旧的教育体制，加强艺术设计教育课程建设，培养学生的自主意识和创新能力，提高艺术设计教育整体水平;(2)要切实加强艺术设计教育的管理和领导，加大设施投入，加强师资队伍建设，确保艺术设计教育的质量;(3)要探索多样化的教学方式，加强社会实践锻炼，注入参观实践法、案例教学法、设计项目实战法、教育实习法等，锻炼学生的合作能力、分析解决问题能力、交际能力及表达能力，同时使学生能及时掌握社会、企业所需的设计潮流动态;(4)要不断改善教学条件，坚持从“实践中学习”、“学习中实践”，尽快让现代教学手段走进艺术设计课堂，要多管齐下为艺术设计思维的培养创造良好的条件和环境。

总之，在生活质量日益提高，生活方式逐渐多元的今天，设计的目的不仅仅是一种功能的需求，它逐渐脱离物质的层面而成为人们不可或缺的一种精神需求。因此，当今的艺术设计教育应该比以前更加合理、科学，更加重视设计思维与设计表达的作用。所以，高职院校的艺术设计专业设置应该以市场为导向，以社会需求为目标，培养出基本功扎实，有一定的文化艺术修养，适应新时代设计理念和思维方式的优秀设计师。

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