色彩艺术概论论文怎么写(优质9篇)

总结可以帮助我们更好地记录和回顾过去的成果和经验。总结的目的是为了更好地认识和改进自己的行为和表现，以便达到更好的发展和成长。希望通过范文的阅读，可以帮助大家更好地理解和掌握总结的写作技巧。

色彩艺术概论论文怎么写篇一

（一）设计基础与源泉。

从根本上来讲，艺术设计的源泉来源于现实生活。民间美术艺术也是依托于现实生活而形成的，在这个过程中，广大劳动人民发挥着重要的作用。就民间美术艺术与艺术设计而言，前者是后者的基础与源泉。从精神和物质两个方面，民间美术艺术都可以称作是我国的民族文化。民间美术是艺术的源头，是艺术设计的审美基础。艺术设计要求创作者在思维方面做到新颖独特，拥有纯真的创作意识。从全球来看，艺术设计的设计方式都是通过立足于本民族的优秀文化，挖掘传统文化的丰富底蕴，从原有民间美术艺术中获得灵感，再结合现代的先进设计理念，才为现代艺术设计注入了源源不断的动力。

（二）存在相似性。

由于艺术设计的源泉是民间美术艺术，因此，两者存在许多相似性。具体来讲，两者的相似性主要体现在装饰和表现等方面。就民间美术艺术的色彩来讲，往往呈现出浓烈、真挚的特点，给人们视觉上的冲击与震撼。而艺术设计也是注重给人视觉上的感受，通过将字体、色彩、图形等进行结合，吸引人们的注意力，达到视觉冲击的效果，进而传达某种思想感情。这与民间美术艺术的艺术特点是一样的，这也是现代艺术设计所共同追求的目标，通过简单的表达方式来传达艺术设计中的丰富情感。因此，从根本上来讲，民间美术艺术与艺术设计在视觉方面的表达具有很多相似性。

（三）相互融合。

（四）后者是前者的升华。

民间美术艺术和艺术设计有着千丝万缕的联系，虽然前者是后者的源泉与灵感所在，但是站在时代的角度来讲，后者是前者的升华。随着时代的进步和社会的发展，对艺术设计提出了更高的要求，只有不断进行创新，才能够创造出高质量的艺术作品。民间美术艺术经历了长时间的发展，积累了丰富的经验，当代艺术设计通过对民间美术艺术的创新，让民间美术艺术焕发出了新的活力，使得民间美术艺术更加具有时代感。将民间美术艺术中的精神和元素融入到当代艺术设计中，实现了对民间美术艺术的升华。这不是一种简单的创新，而是在民间美术艺术的基础上进行的、让民间美术艺术呈现出民族文化情感和民间精神的独特做法。这正是站在时代的前沿而进行的对民间美术艺术的时代性升华。这体现出了民间美术艺术在当代艺术设计中的时代性价值，同时也彰显出了当代艺术设计中所拥有的独特的民族精神与情感。

二、民间美术艺术造型在艺术设计中的实践与应用。

（一）阴阳相济造型。

在中国的传统文化中，非常强调阴阳相调，因为只有做到阴阳相调，才能够达到阴阳平和的效果。这是中国人民对艺术造型所追求的和谐之美。民间美术艺术造型中有许多都呈现出了阴阳相济的造型特点，在艺术设计中，对于阴阳相济的造型利用也非常的常见。在中国传统的剪纸当中，有阴剪法、阳剪法等，都呈现出了阴阳相济造型的特点，这是中国人民的审美特点。在艺术设计中，也有对阴阳相济造型的利用，如中国人民银行的logo标志，就使用了阴阳相济的造型，通过巧妙协调空间画面形态，使整个标志显得更加的精炼与完善，其构思显得巧妙而形象。

（二）虚实相扣造型。

民间美术艺术造型中既有抽象的，也有实体的表现，其中，通过对抽象的内容进行实体性的展现，或者将实体性内容进行抽象化的表现，都是民间美术艺术创作当中非常重要的特点。实现抽象与实体之间的过渡，又要达到和谐自然的效果，就需要强调对线条的利用，这是现代艺术设计当中需要进一步加强的。利用抽象与实体之间的自然过渡，设计意味深长的作品，是现代艺术设计需要达到的目标。在2008年奥运会火炬祥云的设计上，就体现出了抽象与实体之间的自然过渡，祥云的造型既可以说是一朵飘动的云，又可以说是极具动感的火炬，这是通过抽象与实体的过渡所达到的效果。

（三）应用造型理念。

（四）“和谐过渡”造型。

民间美术艺术受到了传统儒家思想的影响，主要体现在线条的变化中体现出了“和谐过渡”的思想。这种艺术造型给人和谐的感觉，体现出了造型的自然统一。其中，在艺术设计中，将绘画采用“和谐过渡”的造型，应用在海报、宣传册上面，实现了民间美术艺术造型的利用，同时展现出了当代艺术设计的独特性。此外，根据中国的水墨画中对于“和谐过渡”造型的利用，在虚实之间进行转换，产生了无穷的韵味。现代艺术设计中有许多地方都可以看到民间美术艺术造型的影子，民间美术艺术造型在艺术设计中得到了充分的展现。现代社会的发展对艺术设计提出了更高的要求，也增加了艺术设计的难度，在艺术设计中利用民间美术艺术中的“和谐过渡”造型，将抽象与具体进行紧密的连接，可以在当代进行广泛的利用，如网易标志的设计，就体现出了“和谐过渡”的思想。

三、民间美术艺术色彩在艺术设计中的实践与应用。

（一）平面设计。

民间美术艺术色彩在艺术设计中得到了充分的利用，如在平面设计中，就可以看到民间美术艺术色彩的影子。现代平面设计坚持了民间美术艺术色彩利用中所具有的文化特征和设计理念，如对于对比色彩的利用，在现代平面设计中就非常常见。在中国传统的民间美术艺术中，对色彩的利用，非常突出其对比性，如通过结合黑与红、红与绿、黄与蓝，能够加强视觉冲击，提高作品的震撼力，加强其艺术效果。在现代平面设计中，通过色彩对比的利用，能够加强作品的视觉效果，提高其震撼力，增加作品的张力，充分展现平面设计艺术作品的和谐美。

（二）包装设计。

在现代包装设计中，为了达到较好的视觉效果，从而引起消费者的关注，激发消费者的消费欲望，也利用了民间美术艺术设计中的色彩。现代包装设计中，对于民间美术艺术色彩的利用，非常注重以色传神，通过丰富鲜艳的色彩，来吸引人们的注意力，从而促进人们购买商品。如通过绿色包装，能够让人们联想到绿色环保、安全无污染的理念，从而引发购买行为。在现代包装设计中，对于民间美术艺术色彩的运用，体现出了现代化的理念，让民间美术艺术色彩服务于现代生活，充分发挥民间美术艺术色彩在包装设计中的作用，符合现代社会的发展需要。

（三）室内装饰设计。

（四）广告设计。

广告设计也是艺术设计的一个重要的组成部分，广告设计也非常注重色彩的利用，用以表达特定的目的。在广告设计中，也涉及到了民间美术艺术色彩的利用，为了更好地表达广告的主题与意图，通过合理利用民间美术艺术色彩，能够达到良好的效果。合理利用民间美术艺术色彩，能够起到烘托作用，表达广告的中心思想。如在化妆品类的广告之中，为了表达护肤和追求靓丽容颜的主题，利用淡粉、淡绿、淡蓝等素雅的色彩，给人健康、优雅的感觉。而在儿童服饰宣传的广告之中，通过鲜艳、活泼的色彩，如红色、蓝色等，能够对他们产生很强的吸引力。在表达喜庆的广告设计中，大多采用具备中国特色的大红色，用来渲染喜庆的氛围。这是对民间美术艺术色彩的合理利用，能够彰显出当代艺术设计的特色魅力。

参考文献：

[3]王洪业。民间美术的艺术造型和色彩在现代艺术设计中的应用[j]。中国校外教育，2016,s2:483.

色彩艺术概论论文怎么写篇二

教师可以通过还原学生创作实践情景的教学为主，讲授为辅的教学方式来改变过去一味说教的教学方式。还原情景式教学方式比较直观、形象、生动，就是一些比较抽象化的理论通过这一教学方式也容易被高职艺术专业的学生所接受。这就要求教师在教学前，需要花费许多时间和精力拍摄和制作学生创作和欣赏艺术品情景的影像资料。当然，在制作这些影像资料时，注意把生动化、形象化的影像资料与教学内容相结合。这些图像材料自然就能感染学生，让学生深刻地理解相关的教学内容。比如说讲授艺术起源于模仿理论时，可以还原再现学生写生的场景和过程，边再现边进行引导，学生自然就会理解艺术起源模仿的理论。这样的教学效果比说教明显好得多。

色彩艺术概论论文怎么写篇三

(一)设计基础与源泉。

从根本上来讲，艺术设计的源泉来源于现实生活。民间美术艺术也是依托于现实生活而形成的，在这个过程中，广大劳动人民发挥着重要的作用。就民间美术艺术与艺术设计而言，前者是后者的基础与源泉。从精神和物质两个方面，民间美术艺术都可以称作是我国的民族文化。民间美术是艺术的源头，是艺术设计的审美基础。艺术设计要求创作者在思维方面做到新颖独特，拥有纯真的创作意识。从全球来看，艺术设计的设计方式都是通过立足于本民族的优秀文化，挖掘传统文化的丰富底蕴，从原有民间美术艺术中获得灵感，再结合现代的先进设计理念，才为现代艺术设计注入了源源不断的动力。

(二)存在相似性。

由于艺术设计的源泉是民间美术艺术，因此，两者存在许多相似性。具体来讲，两者的相似性主要体现在装饰和表现等方面。就民间美术艺术的色彩来讲，往往呈现出浓烈、真挚的特点，给人们视觉上的冲击与震撼。而艺术设计也是注重给人视觉上的感受，通过将字体、色彩、图形等进行结合，吸引人们的注意力，达到视觉冲击的效果，进而传达某种思想感情。这与民间美术艺术的艺术特点是一样的，这也是现代艺术设计所共同追求的目标，通过简单的表达方式来传达艺术设计中的丰富情感。因此，从根本上来讲，民间美术艺术与艺术设计在视觉方面的表达具有很多相似性。

(三)相互融合。

(四)后者是前者的升华。

民间美术艺术和艺术设计有着千丝万缕的联系，虽然前者是后者的源泉与灵感所在，但是站在时代的角度来讲，后者是前者的升华。随着时代的进步和社会的发展，对艺术设计提出了更高的要求，只有不断进行创新，才能够创造出高质量的艺术作品。民间美术艺术经历了长时间的发展，积累了丰富的经验，当代艺术设计通过对民间美术艺术的创新，让民间美术艺术焕发出了新的活力，使得民间美术艺术更加具有时代感。将民间美术艺术中的精神和元素融入到当代艺术设计中，实现了对民间美术艺术的升华。这不是一种简单的创新，而是在民间美术艺术的基础上进行的、让民间美术艺术呈现出民族文化情感和民间精神的独特做法。这正是站在时代的前沿而进行的对民间美术艺术的时代性升华。这体现出了民间美术艺术在当代艺术设计中的时代性价值，同时也彰显出了当代艺术设计中所拥有的独特的民族精神与情感。

(一)阴阳相济造型。

在中国的传统文化中，非常强调阴阳相调，因为只有做到阴阳相调，才能够达到阴阳平和的效果。这是中国人民对艺术造型所追求的和谐之美。民间美术艺术造型中有许多都呈现出了阴阳相济的造型特点，在艺术设计中，对于阴阳相济的造型利用也非常的常见。在中国传统的剪纸当中，有阴剪法、阳剪法等，都呈现出了阴阳相济造型的特点，这是中国人民的审美特点。在艺术设计中，也有对阴阳相济造型的利用，如中国人民银行的logo标志，就使用了阴阳相济的造型，通过巧妙协调空间画面形态，使整个标志显得更加的精炼与完善，其构思显得巧妙而形象。

(二)虚实相扣造型。

民间美术艺术造型中既有抽象的，也有实体的表现，其中，通过对抽象的内容进行实体性的展现，或者将实体性内容进行抽象化的表现，都是民间美术艺术创作当中非常重要的特点。实现抽象与实体之间的过渡，又要达到和谐自然的效果，就需要强调对线条的利用，这是现代艺术设计当中需要进一步加强的。利用抽象与实体之间的自然过渡，设计意味深长的作品，是现代艺术设计需要达到的目标。在2008年奥运会火炬祥云的设计上，就体现出了抽象与实体之间的自然过渡，祥云的造型既可以说是一朵飘动的云，又可以说是极具动感的火炬，这是通过抽象与实体的过渡所达到的效果。

(三)应用造型理念。

(四)“和谐过渡”造型。

民间美术艺术受到了传统儒家思想的影响，主要体现在线条的变化中体现出了“和谐过渡”的思想。这种艺术造型给人和谐的感觉，体现出了造型的自然统一。其中，在艺术设计中，将绘画采用“和谐过渡”的造型，应用在海报、宣传册上面，实现了民间美术艺术造型的利用，同时展现出了当代艺术设计的独特性。此外，根据中国的水墨画中对于“和谐过渡”造型的利用，在虚实之间进行转换，产生了无穷的韵味。现代艺术设计中有许多地方都可以看到民间美术艺术造型的影子，民间美术艺术造型在艺术设计中得到了充分的展现。现代社会的发展对艺术设计提出了更高的要求，也增加了艺术设计的难度，在艺术设计中利用民间美术艺术中的“和谐过渡”造型，将抽象与具体进行紧密的连接，可以在当代进行广泛的利用，如网易标志的设计，就体现出了“和谐过渡”的思想。

(一)平面设计。

民间美术艺术色彩在艺术设计中得到了充分的利用，如在平面设计中，就可以看到民间美术艺术色彩的影子。现代平面设计坚持了民间美术艺术色彩利用中所具有的文化特征和设计理念，如对于对比色彩的利用，在现代平面设计中就非常常见。在中国传统的民间美术艺术中，对色彩的利用，非常突出其对比性，如通过结合黑与红、红与绿、黄与蓝，能够加强视觉冲击，提高作品的震撼力，加强其艺术效果。在现代平面设计中，通过色彩对比的利用，能够加强作品的视觉效果，提高其震撼力，增加作品的张力，充分展现平面设计艺术作品的和谐美。

(二)包装设计。

在现代包装设计中，为了达到较好的视觉效果，从而引起消费者的关注，激发消费者的消费欲望，也利用了民间美术艺术设计中的色彩。现代包装设计中，对于民间美术艺术色彩的利用，非常注重以色传神，通过丰富鲜艳的色彩，来吸引人们的注意力，从而促进人们购买商品。如通过绿色包装，能够让人们联想到绿色环保、安全无污染的理念，从而引发购买行为。在现代包装设计中，对于民间美术艺术色彩的运用，体现出了现代化的理念，让民间美术艺术色彩服务于现代生活，充分发挥民间美术艺术色彩在包装设计中的作用，符合现代社会的发展需要。

(三)室内装饰设计。

(四)广告设计。

广告设计也是艺术设计的一个重要的组成部分，广告设计也非常注重色彩的利用，用以表达特定的目的。在广告设计中，也涉及到了民间美术艺术色彩的利用，为了更好地表达广告的主题与意图，通过合理利用民间美术艺术色彩，能够达到良好的效果。合理利用民间美术艺术色彩，能够起到烘托作用，表达广告的中心思想。如在化妆品类的广告之中，为了表达护肤和追求靓丽容颜的主题，利用淡粉、淡绿、淡蓝等素雅的色彩，给人健康、优雅的感觉。而在儿童服饰宣传的广告之中，通过鲜艳、活泼的色彩，如红色、蓝色等，能够对他们产生很强的吸引力。在表达喜庆的广告设计中，大多采用具备中国特色的大红色，用来渲染喜庆的氛围。这是对民间美术艺术色彩的合理利用，能够彰显出当代艺术设计的特色魅力。

参考文献：

[3]王洪业.民间美术的艺术造型和色彩在现代艺术设计中的应用[j].中国校外教育,2016,s2:483.

色彩艺术概论论文怎么写篇四

在艺术导论课上，老师为我们放映了电影《公民凯恩》，当时看了一遍后感觉不是很懂，所以回来后自己又看了一遍。正如一直以来它所受到的评价一样，这部电影的确有其独特的魅力和伟大之处，看完之后也确实挺有触动的，下面写一写对于这部影片的观后感。

《公民凯恩》是一部在美国电影史上具有里程碑意义的作品。影片描述了凯恩跌宕起伏一生，这是特定年代中一个普通人的一生，也是一个不普通的一生。凯恩的童年相当贫穷，却充满了真诚的爱，而一笔意外的财富却带他走向了不同的人生。他在大都市中长大，发迹致富，又涉足政界，成为风云人物。他因与总统的侄女结婚而青云直上，又因与歌女的桃色事件而导致政治生涯的一败涂地。他晚年隐居于豪华的庄园中，但因第二任妻子的离开而过着茕茕孑立，形影相吊的孤寂生活，他一生辉煌，却在孤独寂寞中结束了传奇而又曲折的一生。

对于凯恩，很难来下一个确切的评价，就如同影片中的其他人物一样，我们看到的凯恩只是我们眼中的一个凯恩的侧面而已，也许较他们来说，我们多看到了凯恩的几个性格面，但谁又敢断言他认识的是一个完整的凯恩呢，就如同没有人敢说他眼中的哈姆雷特是真正的哈姆雷特一样。但是有这么一句评价正符合了我心中的凯恩形象，“他是一个自私自利的英雄，在极度膨胀的欲望中走向了毁灭……”

海上钢琴师观后感。

在艺术导论课上，老师为我们放映了电影《海上钢琴师》，当时看了一遍后感觉不是很懂，所以回来后自己又看了一遍。正如一直以来它所受到的评价一样，这部电影的确有其独特的魅力和伟大之处，看完之后也确实挺有触动的，下面写一写对于这部影片的观后感。

《诗》，从结构上看，是双线齐头并进的，一位做外婆的老年妇女为了实现幼时的愿望而读诗歌写作班，但这条线索是一根副线，它宛如游离于人的意识背后的那一丝冲动，时时地将有趣的和无趣的生活勾勒出色彩。

外婆和外甥生活在一起，外甥和其他五位中学同学强奸了一名女同学，而这名女生从桥上纵身一跃而结束了生命，五位家长和学校为了逃避罪责和名誉损失，联手摆平死者的父母。

看似本片的重点在展示人类的冷漠上，以及对社会世态的无奈处理。但从电影的极其克制这一点上，你又该相信，李沧东讨论的远不是这些。

那个在流水中浮起尸体的女中学生，只有一个镜头，她被强暴的细节也没有，但她和外婆恰恰成为了映照，尤其电影的后半部分，这个被糟蹋掉的生命成了老妇人日夜牵绕的一个物体。

她跑到河边、桥上，最动人的是，她的白色帽子飘落时，宛如生命坠落的重复。这是一个被糟蹋的生命对另一个被糟蹋的生命的救赎，老妇人的人生故事没有交代，她只有一个女儿在城市里。

有意思的是，最后警察还是带走了外甥，一个警察接过了羽毛球拍，和老妇人对打。这是非常极致的心理活动，真正的内心崩溃应当有息而无声。她的非道德却亲情的努力付诸东流了，直到这个时候，你才明白她的第一首诗歌是这样写成的，不断地和女中学生对话，乃至两个人成为一个人。

人生有多少互为伤害？人生又有多少隐性的罪恶？这是一部东方的救赎电影。策兰说，死亡是花，只开放一次。我想说，死亡是梦，每天开放一次。

欲望，每时每刻让人折向另一个地方。诗歌，就是这期间的变奏，它可以是失足的灵音，也可以是无耻的高歌。当我们卷走遗憾的时候，也在为罪恶付出代价。没有什么诗意可以不变而辉煌的。

和《密》的主角相比，美子寻找救赎的道路，更孤独，也更需要个人意志和主体性(subjectivity)：她写诗。她说：「我的确有感情啊』，但为什么就是写不出来呢？是多么长久的压抑，特别是男权社会对女性的压抑，令她写不到自己的「诗」又或者是以为自已「不用写诗」？发觉自已开始失忆，迈向生命终结的美子对诗产生兴趣。问到如何写诗，男诗人老师告诉他，妳必需自已去寻找，每个人心里都有诗。一草一木皆诗。而细心留意的话，美子的诗每句也会大自然有关：杏子、岛儿、河流、血红的花…美子是爱花之人，喜欢和花儿沟通、自「然」自语。她也把自已打扮成漂亮的花，爱穿美丽衣嫦，她的美更为所有人称赞。

债：《诗》是关于现代社会对大自然的债、对女性、及被剥削者的债、对「诗」的无穷的债。债是欠缺关注，是不看不听，是漠不关心，是自以为「什么事都没发生」，是自以为「是」，却「否」掉「诗」。美子献身给病瘫了的色老头，同情他，后来有求于他向他借钱，老头就只懂说这是「勒索」，却不知这是应还的「债」。虽然雄风已失的老头肯承认她的「贡献」，给了美子，但整个社会却没承认这份总体的亏欠。电影结尾世界一切如常，美子却「不在」了，我们却得以听见她及受害女孩共同、共鸣的余音，朗读着她们以死、以自身逝去为代价所写出来的、最后的「诗」，像河流一样、连绵、恒常而漫长，潺潺地。

色彩艺术概论论文怎么写篇五

摘要：园林景观在设计的时候，我们要合理的运用色彩，这样可以更好的优化园林景观，同时，还能帮助游客对园林景观的历史和人文深入的认识和了解。这也就要求设计人员在设计园林景观的时候一定要重视色彩的搭配。文章从颜色的基本知识进行阐述，重点分析了冷暖色、同类色在园林景观中的详细应用，并指出固然颜色在园林景观设计中的重要性，但在应用颜色上也一定要综合考量影响园林景观整体美感的各类颜色元素。还要对园林景观的历史意蕴、文明意义和地区特点进行的分析，从而使园林景观经由颜色表现出其美观和历史文明。

关键词：园林景观设计；冷暖色系；运用。

黑、白、灰3种颜色，这些颜色在提现中称之为无彩色，在对园林进行建设的时候，在运用设置的时候运用的比较多。在传统园林中，很多时候都会将这3种颜色运用到私人园林建设中，青瓦灰墙与江南特有的水景相互映衬，组成了一副完美的中国水墨画面，这也能很好的体现古诗文人的朴直的品德。对于现代人们在园林设计中，对于这些颜色一般都是运用在墙体上面，在人行道的一旁人们用黑色涂画较多的图案，通过与四周的环境的比较构成一种沉稳的感觉，将白色和灰色混搭组成高空色彩，通过将黑白的相互运用的过程，也就让园林景观变得庄严大方并且带有现代气息。在对这些设计的时候也就让四周的环境变得优美，在日常生活中主要对一些廊桥的雕栏运用一些红色，让其构成文雅圣洁的韵味。在对植物进行搭配的时候，对于这些无彩色的建筑中不能成片的栽植，对于较多的白色会使人感觉伤感，通常情况下，人们都会运用植物对颜色进行调和，对于一些地方采用绿化设计对色彩进行综合，通过运用植物的绿色让人们的眼睛获得色彩的整体美感，在对这些色彩的运用中，对于相邻的色彩颜色过于鲜明的.时候，我们也就需要对颜色进行调和处理，对色彩进行友好的搭配。对于灰色主要介于暖色系和冷色系之间，所以在不同的季节，在原有的色彩上进行园林色彩的配置，这也可以更好的条理人们的生理需求，更好的满足人们对审美的需要，然而对特定的色彩，可以利用灰色对黑白色进行分析处理，灰色因为其安宁幽静的生理体现，同样平常应用于一些功效性的修建，以满足人们对宁静温和生活的需要。

1.2冷暖色系在园林景观中的应用。

冷暖色系这里主要就是对光的波长和可见度的分类，也对人们之间产生的情感反应的展现，因此在园林设计中利用彩色的特点，满足人们的需要。冷色系主要就是指青、蓝以及相邻的色彩，也就是波长较短、可见度低的特点的色彩，一般都是在一些空间狭窄的地方运用，可以增加空间的深远度，对于冷色系可以让人感觉比较安静。比如南京中山陵的建设，屋里主要就是采用的蓝色为主，让人感觉庄严，屋前主要采用的绿色的林木进行搭配，增加了一份悲惨感和敬佩感，而灰色石阶的铺砌，又增长了全体景观的沉稳和厚重，和其余冷色彩景观共同构成了中山陵整体上沉稳肃静的景观特点。

对于同类色彩主要就是指一些色彩相差不大的，视觉比较接近的颜色，比如，我们在对橙色，黄色与翠绿色等。对于这些统一的颜色深浅分类不同，也就可以更好的保证色彩的合理运用，对于茶青与浅绿等。在对同类色进行运用的时候可以借助景观的颜色的辅助，对植物组合表现相应的主题，也就具备相同的条理感和空间感，让整体环境觉得活跃，可以更好的提高人们的生活趣味。如上海的陆家嘴绿地中间地带，因为主题是“绿”，通过对中间景观对绿色进行运用，大片的草地加上碧绿的水面，同时加上各种绿色的花木，这对这些色彩的搭配中也就比较灵活，假如，这些景观没有任何的差别，那么也就显得比较枯燥。

2叙述色彩运用的经典案例的精妙之处。

通常来说冷色系重要是说蓝色、青色和它们的邻近色，冷色系的颜色经常给人一种悠远的感触感染，在园林景观计划中经常会在一些空间较小的计划中采纳冷色系颜色，罕见的应用方法便是应用一些冷色系的动物来增长景观的空间感。在园林景观计划中，应用冷色系与红色或许寒色系停止组合搭配会给人一种欢乐晴明的感觉。比如说如今很多的广场中，计划者都将一些冷色系的动物与寒色系的动物混杂摆放，从而使旅客从中得到一种视觉上的满足感。假如我国的一些南边地域因为气温较高，园林景观计划时也会经常采纳冷色系颜色，这类计划办法可使人们在酷热的夏日感受到一丝视觉上的清新。

3结束语。

在园林景观设计的时候，对色彩的搭配具有很高的要求，需要对园林的色彩起到良好的感染作用，更好的增加游客对色彩的心理需求，在对颜色的运用中需要进行合理的搭配，不要胡乱使用色彩，才能更好的保证园林景观的效果，还要对色彩设计中的影响因素全面的分析，提高色彩整体融合性。

参考文献。

作者:王娟娟王晓丹单位:陕西省林业调查规划院商洛市农民科技教育中心。

文档为doc格式。

色彩艺术概论论文怎么写篇六

无论是在学习还是在工作中，大家最不陌生的就是论文了吧，通过论文写作可以提高我们综合运用所学知识的能力。你所见过的论文是什么样的呢？下面是小编帮大家整理的安格尔油画艺术理性色彩论文，欢迎大家借鉴与参考，希望对大家有所帮助。

让奥古斯特多米尼克安格尔，法国著名画家。1780年出生于法国的朗格多克省，在父亲的引导下，自幼喜欢绘画，且表现出了过人的艺术天赋。1791年进入了图卢兹学院学习美术，后于1797年来到巴黎，进入古典主义大师达维特的画室，并获得了十分突出的成绩。1801年，凭借《阿伽门农的使者》一举获得了瞩目的罗马大奖，此后先后创作出了《里维耶夫人像》、《路易十三的誓愿》、《大宫女》、《瓦平松的浴女》、《土耳其浴室》等作品，都在当时获得了好评。创作上的巨大成功，使他被选为了皇家美术学院院士，并担任罗马法兰西学院院长。1856年《泉》的诞生，被视为是其创作的最高峰。1867年1月，因肺炎病逝于巴黎，享年87岁。

油画是一门视觉艺术，而题材则直接关系到欣赏者对作品的第一印象，所以对整个作品有着重要的影响。安格尔的作品，每一题材都是经过其精心挑选的，从中也折射出了其理性的思考。首先是历史和宗教题材。在安格尔生活的时期，美术流派众多，在题材选择上也十分多样化，包含人物、风景、景物，等等。但是安格尔却另辟蹊径。因为和当时的上流社会接触较多，所以其知道官方美术评比机构普遍更加喜欢历史题材，获奖者还能得到丰厚的奖励，所以安格尔自然不会放过这种机会。《阿伽门农的使者》就是一个典型，其取材于古希腊的神话，阿伽门农抢夺了阿喀琉斯的女俘虏，随之引发了双方的交恶，为了避免事端的扩大，阿伽门农带着女俘虏来到了阿喀琉斯的营帐前。除了形式方面的完美无缺之外，这幅画在当时还有另一层深意，即暗示当时的法国封建势力和新兴资产阶级达成了暂时的妥协。又比如《洛哲营救安吉里卡》，表现的是支那女王安吉里卡在被杀害之前，勇士洛哲骑着鹰马一体的座驾，杀死奥鲁克救下安吉里卡的情形。对于这个著名的故事，很多画面都曾经表现过，如德拉克洛瓦、皮库等人。他们都将这一场面描绘的十分激烈，甚至带有几分血腥的味道，人物的表情也是丑陋、惊恐等无所不包，给人以十分紧张的感觉。但是安格尔作品，却呈现出了一种截然不同的风貌，安吉里卡被描绘成为了一个女神，在死亡面前没有丝毫的恐惧，而是十分淡然。英雄救美的洛哲也只是将长矛轻轻放在了怪兽的嘴边，表情也十分庄重。这显然也是一幅带有政治意味的作品，意在表明封建势力和资产阶级之间的矛盾并非不可调和，应该尽量避免冲突的发生。这也是当时法国封建统治者所乐于见到的结果，而安格尔也因此获得了梦寐以求的罗马大奖。抛开历史和政治的因素不谈，安格尔能够凭借自己对当时时代和社会的认识，经过理性思考后创作出这样一幅作品，可见其用心之深。其次是人物题材。肖像画也是安格尔创作的一个重要方向，而之所以选择这种题材，则仍然是一种理性思考的结果。在获得罗马大奖来到巴黎时，安格尔的生计一度十分窘迫，所以其选择为上流社会人物画肖像画，这将给他带来直接的丰厚收入。比如1803年创作的《第一执政者肖像》，就是一幅拿破仑的肖像画，并使他很快摆脱了生活困境。由此可见，安格尔在题材的选择上是煞费苦心的，尽管后来的很多评论者认为安格尔过于投机和钻营，但是从另一个角度来说，虽然题材上带有一定的功利性，但是在具体的创作中却是竭尽全力的，而且还能是使自己摆脱困境，获得更大的发展空间。因此是一种经过深思熟虑后做出的正确选择。

构图是创作者对画面中各要素的合理安排，对整个画面的风格表现有着重要的影响。因为欧洲古典画风是从文艺复兴时期萌生的，而文艺复兴又将理性视为一项重要的创作理念，于是透视学、建筑学、几何学等都能够在油画中找到身影。特别是很多宗教题材的绘画，其创作出来后是为了让教徒们膜拜的，而不是个人欣赏的，所以十分强调构图的完整性，力求展现出一种庄严肃穆的风格。对安格尔来说，其自幼接受的是古典主义绘画教育，自然秉承了这种创作理念。首先是三角形构图。安格尔对这种最稳定的构图形式青睐有加。在他的大部分肖像画中，都采用了这种构图方式。如《保罗与弗兰西斯卡》、《路易十三的誓约》、《荷马礼赞》、《格拉奈》、《别尔登肖像》等，如《别尔登肖像》中，画面采取了四分之三侧面的角度和稍高的视点，人物坐在椅子上，身体略微倾斜。头部和躯干部自然组成了一个稳定的三角形，而且四肢幅度很小的动作，又为这个三角形凭添了几分活力。而且如果仔细观察这幅画后还会发现，安格尔还在这个三角形中嵌入了一个圆形，画面中的人物手放在膝盖上，胳膊向外伸展，于是肩膀和手到膝盖就组成了一个圆弧。对此安格尔曾解释道，要尽量避免方形等轮廓，而是要追求一种稳定的圆润感。可谓是对传统的一种创新。其次是对前人构图的模仿。在安格尔看来，文艺复兴时期一些大师的经典之作，都是构图的典范，在他的创作中，也对前人的作品进行了模仿。比如《路易十三的誓言》是对《西斯廷圣母》的模仿，《泉》是对《维纳斯的诞生》的模仿，《莫第西埃夫人》则是对《阿卡迪亚》的模仿。以最为著名的《泉》为例，对比《维纳斯的诞生》来看，人物的站立姿势和头颈部的姿态都是一致的，变化的只是双手部分。而下肢部分则更加相似，都是以左腿作为支撑腿，右腿轻点地面而支撑住身体，这样一来就获得了一种紧张和轻松的状态对比。由此可见，安格尔在构图方面也是十分考究的，集中体现着其特有的审美风格。

造型是古典主义绘画的基础，在古典主义画风中，要求造型绝对准确，力求精准的再现客观物象。对此安格尔是十分认同的，但是同时他又认为，绘画要给人带来美感享受，当发现表现对象的真实美感有所欠缺的，绘画者可以通过自己的技术处理，使之更加完美。而至于处理到什么程度，是否真的能够获得优化的效果，则要看绘画者的审美和技术水平了。比如《大宫女》就是一个代表作品。在创作之前，安格尔利用素描草图进行了多次研究，对整个画面的每一个要素都考虑的十分细致，并尝试着进行优化处理。画面中，人物的背部线条开始于所戴头巾的最高点，经过一个简单的曲线之后，经过左腿一直延伸到画面右侧。而手臂的曲线则在帷帐中得到了延伸，一直延伸到了画面的最顶端。可以看出，安格尔刻意设置出了两条曲线，从而使整个画面看起来更加唯美。而在实际中，多数人的人体曲线是不可能这般完美的。而且为了让整个画面更加协调，安格尔还让人物的左腿搭在了右腿上，这无疑是一个在现实中略显别扭的工作，而被安格尔刻意为之，自然是为了追求他心中的完美。又比如在《洛哲营救安吉里卡》中，一眼望去，人物的整个外部轮廓是十分流畅和完美的，但是仔细发现，这种流畅和完美的关键则在于，安格尔对人物的脖子进行了加粗处理。对此当时很多评论家颇有微词，认为其不尊重表现对象。而安格尔却认为，只有将对方表现的绝对完美，才是对其最大的尊重，对此牺牲一部分真实也是值得的。且不对两种看法进行评析，由此可以看出的是，安格尔对于造型是有着自己独特思考的，并能始终坚持下去。

色彩对于油画的重要性是不言而喻的。关于安格尔的色彩运用一直都存有争议，有的评论者认为安格尔在色彩运用上过于保守，不够光彩夺目；有的则认为安格尔追求的就是这种平静、理性和唯美的效果。两种观点都各有偏颇。其实安格尔在求学期间，曾对罗马画派、佛罗伦萨画派、威尼斯画派的作品进行了深入而细致的研究，并进行了大量的临摹，在此基础上提出了固有色加主观色的用色理念。既能够尽可能的反映出真实色彩，又能够让色彩在自己的审美表现中发挥重要的作用。比如《勃罗日里公爵夫人像》，被誉为是安格尔在色彩方面的杰作。一眼望去，整个作品的色彩是十分写实的，白皙的'脸庞、脖颈和手臂，在天蓝色晚礼服的映衬下，给人以生气勃勃之感。而金黄色的座椅靠背，则和身体的象牙白色以及礼服的天蓝色形成了鲜明的对比。但是再仔细观察后则会发现，其在色彩运用上绝不是再现这般简单，其先是将阴暗面降至了最低，然后重点表现色彩的纯度，于是身体的象牙白色和天蓝色就成为了整个画面中的高光部分。与之相对应的则是黄色的座椅和白色的披肩，都被降低了纯度，利用一种对比的手法突出了人物的色彩感，从而将整个人物刻画的高贵、典雅而唯美。人物的皮肤和各种丝织品的质感由精妙平整的用笔处理得恰到好处，清纯恬淡的设色烘托出公爵夫人丰满圆润的造型、高雅的气质，也由此实现了主观和客观的统一。又如《瓦平松浴女》中，同样也是主观色和固有色结合的典范。画面中的女子背部呈淡黄色，周围则是绿色的帘子、白色的床单以及红白相间的头巾。每一种颜色都是物象的固有色，但是多种颜色组合在一起之后，却丝毫不给人凌乱之感，而是让人觉得统一中有变化。由此可见，安格尔绝不是不懂色彩，而是对色彩十分看重，且苦心经营色彩。其在创作之前，就对环境、人物、服饰、佩饰等详加考察，制定出最初的色彩方案，避免出现过分刺激的补色关系，最终使其完美呈现在同一个画面内。综上所述，包含油画在内的所有艺术创作，从本质上来说都是一种主观情感的抒发，但是情感抒发并不是纯粹感性的，其本身就是一种理性思考的结果。作为安格尔来说更是深谙此道的，其总是能够用最合适的题材和技法，将其心中的情感予以最漓淋尽致的抒发，使其作品真正做到了雅俗共赏，而不是高高在上，晦涩难懂。由此获得的启示在于，在油画创作中，理应将理性思维贯穿于创作的始终，使各种情感的抒发得到一个通畅的表达渠道，同时也会因此获得形式上的诸多突破。也希望本文粗浅研究，能够起到抛砖引玉之用，给更多的人启示和借鉴。

色彩艺术概论论文怎么写篇七

摘要：艺术设计作为一门独立的艺术学科，是一门综合性极强的学科，它涉及到社会、文化、经济、市场、科技等诸多方面的因素，其审美标准也随着这诸多因素的变化而改变。因而，艺术设计不仅仅是一项实践技能，更是设计者自身综合素质(如表现能力、感知能力、想象能力)的体现，所以，在高职院校艺术设计教学中应该对艺术设计思维提出更高要求。

关键词：艺术设计;设计思维;高职教学。

中南大学出版社的《艺术导论》一书指出，狭义的艺术是指凡运用特定的物质手段，按照美的规律，塑造典型的艺术形象，反映社会生活，表达艺术家思想感情，并能引发人们共感共鸣、满足人们多方面审美需要的精神产品。而“设计”，顾名思义应该是“设想”与“。

计划。

”，是指将某种设想用。

计划。

执行出来，如此说来，三国时期的诸葛亮就是位设计大师，他设了许多妙计。不过诸葛亮的设计用行为表达，我们的艺术设计用形象表现，其中之道是相通的。事实上，许多领域中的事理都同艺术设计有相通性，愈多认识这种相通性，设计思考就愈加开阔和有活力。高职教育是高等教育的一个重要层次和分支，其课程不同于本科教育的学科课程，具有鲜明的、显著的职业性，基础性强的课程经改革后，更强调应用性。但固本守源，高职教育不能因为要强调实践性和职业性，而轻视基础性和思想性。

艺术设计作为一门独立的艺术学科，其实是一门综合性极强的学科，它涉及到社会、文化、经济、市场、科技等诸多方面的因素，其审美标准也随着这诸多因素的变化而改变。因而，艺术设计不仅仅是一项实践技能，更是设计者自身综合素质(如表现能力、感知能力、想象能力)的体现，所以，在高职院校艺术设计教学中应该对艺术设计思维提出更高要求。下面，笔者将从高职教学中的艺术设计思维、高职院校艺术设计教学现状及存在的问题、高职教学中如何培养学生的艺术设计思维三个方面来分析艺术设计思维在高职教学中的缺失及重要性，从而探讨在高职教学中培养艺术设计专业学生艺术设计思维能力的方法和策略。

艺术设计是人类社会发展过程中物质功能与精神功能的完美结合，是现代化社会发展进程中的必然产物。所谓艺术设计，就是将艺术的形式美感应用于日常生活紧密相关的设计中。设计服务于生活，而艺术设计将艺术的美感融合在服务于生活的设计中，使设计不仅具有实用功能还兼备审美功能。随着社会生产力的进步和人类经济、文化生活的日趋发展，人们生活质量得到普遍提高，简单的物质供给已经不能满足大众需求，而对精神文化提出更高的要求。因而，对艺术设计的要求不再仅仅局限于实用功能，对审美提出越来越高的要求，而且这种趋势与日俱增。艺术设计思维是艺术设计的“目标”和“发想”，有艺术设计思维的指导和引导，才能将设计在实践中上升到艺术高度，使艺术设计作品散发艺术的魅力，令享受设计作品的人赏心悦目，心旷神怡。

1.1艺术设计思维是艺术设计的灵魂。

如果把设计比作一个生命的话，艺术设计思维便是设计的灵魂。人类没有灵魂便如行尸走肉，设计没有灵魂便毫无生气和特色。一个奋战在新闻前线多年的记者曾经说过，没有文学的底蕴，新闻的道路又能走多远呢?设计思维与设计的关系，就如文学和新闻的关系。只懂采访技巧和写作方法，一篇简单的新闻报道和消息撰写尚可胜任，但是如果没有文学的底蕴，在深挖新闻的深度和新闻背后的时候便不能更好的表达出来，采写的新闻稿件便没有深度和高度。设计思维之与设计也是如此，优秀的设计作品不仅以表象的形式作用于人们的感官，而更以内在的力量作用于人们的心灵。设计思维是设计作品的精髓与核心，如果一个设计作品不具备巧妙的创意思维，则会缺乏一种持久的发人深思的内涵和深层次的感召力，难以激起受众内心的共鸣。在高职艺术设计教学中培养学生的艺术设计思维是培养艺术欣赏水平和艺术设计水平的关键。

1.2艺术设计思维是优秀设计师应该具备的基本素养。

作为一名优秀的设计师必须具备基本的素养有：首先是要具有良好的职业道德标准，对艺术设计有正确的理解，具备相关专业的基础知识;其次要具有良好的审美能力和美术基础，并有一定的表现能力。设计的结果是以艺术形式来表现的，所以设计作品的艺术性、表现性也是一个设计师必备的基础;最重要的是要具备艺术设计的。

创新。

思维能力。随着中国国门的逐渐打开，世界先进的设计思想与设计理念正全方位地影响和改变着中国的设计，我国的艺术设计处在一个由简单模仿到独立设计的过渡期，这个时期的设计师尤其要注重。

创新。

能力的培养。作为一名优秀的设计师应该承载引领中华民族设计界走向世界的步伐，开创世界先河上中国的艺术设计天地。在高职教学中，艺术设计专业对学生的培养不仅仅是一名机械的设计工人，而应该是具备高素养和高水准的优秀设计师。

1.3艺术灵感产生设计思维，设计思维指导设计实践。

设计师顾群业在接受访谈中说道：“我认为文化是在不断融合中发展的。我们做设计，经常需要挖掘区域文化，找别人还不熟悉的文化。为什么国外的纪念品买回来大家会觉得比较新奇?因为你没见过。设计师很大程度上就是要创造别人没见过的东西，当然我以前说过，真正的“创造”是不可能的，所以设计师就会挖掘一些你还没见过的东西。走向一名成功设计师的道理是漫长而艰辛的，但前途总是光明的。顾群业谈到设计，认为在生活中通过对外界的感受产生艺术灵感，然后再将这种灵感转化成作品。简单归纳起来，就是艺术灵感来源于生活，艺术灵感产生设计思维，然后用设计思维指导设计实践才能产生优秀的设计作品。高职教学应该充分认识到艺术灵感、设计思维对设计实践的重要作用，在教学中着重激发学生灵感，培养学生艺术设计思维，并将这些运用到设计学习和实践中。

2.1高职院校艺术设计专业生源质量和整体素质有待进一步提高。

近年来，我国高职院校艺术设计专业的学生不断增加，但真正因为热爱艺术，热爱设计而选择这个专业的并不占多数。从高中走向高等教育，大多数学生的目标和方向并不明确。一部分艺术设计专业学生选择这个专业不过是人云亦云，胡乱选择了这个专业，也有不少人是因为成绩不如人意，想走捷径，通过选择艺术专业课以较低分数迈入高校大门。这类学生由于本身专业选择的错位和盲目，往往造成学习兴趣和动力不足，对艺术设计的理解和认识更是缺失严重，因此，造成高等院校艺术设计专业的生源质量和整体素质参差不齐，整体水平有待进一步提高。

2.2高职艺术设计教学普遍存在重技能轻理论、艺术设计思维培养缺失严重的现象。

职业教育是培养为社会直接创造价值的劳动者和专门人才的教育，基于此理论，目前的高职类艺术设计专业教学主要将注意力集中在培养学生的浅层操作技能层面，强调设计技术，而忽视了学生艺术设计思维和艺术审美教育，学生也倾向于学习一些设计技术和手法，对于艺术设计思维能力的薄弱，既没有必要的了解也缺乏足够的认知，导致现在高职院校艺术设计专业教育与艺术设计构思相脱节现象严重。

高职艺术设计教学普遍存在重技能轻理论以及艺术设计思维培养缺失严重的现象，是导致目前高职院校培养的优秀设计师数量不能持续上升的主要原因。实际上，职业教育承载着满足社会需求的重任，要实现高职教育的培养目标，办出高职的特色，必须以培养能力为核心，构建理论教学和实践教学相结合的教学体系，既要拓宽基础，又要注重实践，更要加强能力培养，提高综合素质。

高等职业教育与普通高等教育的人才培养目标和培养规格、方式不同，但具有相通性。高职教育是一种技术型、技能型教育，其培养目标是高素质的应用型人才，艺术设计作为一门实践性较强的专业在高职院校占据了一片广阔的领地。培养目标与规格的实现主要取决于人才的培养过程，高职院校在培养艺术设计专业人才的过程中，投入的设施和师资，采取的教学方法和策略等因素，对艺术设计人才的培养起着至关重要的作用。

3.1高职教学要重视基础课程，为设计思维培养奠定全面基础。

现代艺术设计学是一个结构大、涉及面广、多学科关联互动的开放的学科体系，它涉及到社会、文化、经济、市场、科技等诸多方面的因素。对一个优秀的设计师而言，必须具备良好的社会科学、自然科学知识，具有广泛的修养和完整的知识结构系统，才能形成科学的设计理念，形成理性和感性、逻辑和意象相结合的思维方式和表达形式。这样，在高职教学中，要让学生对文学、经济社会学、历史学、民俗学、心理学等有一定的了解，将这些学科融入到学生的艺术设计学习中。使学生不仅有较高的审美情趣，而且能对艺术进行合理的理解和优化的处理，掌握与设计有关的相关学科知识，能够不断启发创造力与灵感，从而提高艺术设计的内涵。

3.2高职教学应注重专业素质训练，抓好设计思维培养的关键。

专业素质包含专业知识修养和技能。专业知识素养包含艺术史、设计史、设计概论、设计美学等基础素养，专业知识素养决定了一个设计师是否最终形成自己的设计观念和审美观念，在高职艺术设计教学中注重对学生专业知识素养的训练可以帮助学生了解中外艺术设计的传统、现状与发展趋势，可以开阔眼界，汲取精华学到新知。专业技能是设计的实际制作和动手能力以及对事物的观察和概括能力等，是设计师技能的最直观体现。高职艺术设计教学应激发学生创造的欲望，增强学生创造能力，全面提高学生素质，注重专业素质训练，抓好设计思维培养的关键。

3.3高职教学应多管齐下，为艺术设计思维培养创造良好的条件和环境。

(1)要从艺术设计教育的特点出发，改革旧的教育体制，加强艺术设计教育课程建设，培养学生的自主意识和创新能力，提高艺术设计教育整体水平;(2)要切实加强艺术设计教育的管理和领导，加大设施投入，加强师资队伍建设，确保艺术设计教育的质量;(3)要探索多样化的教学方式，加强社会实践锻炼，注入参观实践法、案例教学法、设计项目实战法、教育实习法等，锻炼学生的合作能力、分析解决问题能力、交际能力及表达能力，同时使学生能及时掌握社会、企业所需的设计潮流动态;(4)要不断改善教学条件，坚持从“实践中学习”、“学习中实践”，尽快让现代教学手段走进艺术设计课堂，要多管齐下为艺术设计思维的培养创造良好的条件和环境。

总之，在生活质量日益提高，生活方式逐渐多元的今天，设计的目的不仅仅是一种功能的需求，它逐渐脱离物质的层面而成为人们不可或缺的一种精神需求。因此，当今的艺术设计教育应该比以前更加合理、科学，更加重视设计思维与设计表达的作用。所以，高职院校的艺术设计专业设置应该以市场为导向，以社会需求为目标，培养出基本功扎实，有一定的文化艺术修养，适应新时代设计理念和思维方式的优秀设计师。

参考文献：

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色彩艺术概论论文怎么写篇八

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艺术设计专业传统的基础课教学过于强调描绘性的机械练习，实践与理论知识的结合不够紧密，常出现将造型基础课等同于“画画课”的认识误区，而设计色彩、设计素描、平面构成、立体构成、色彩构成等基础课分立开设，使得原本完整的知识体系被分割传授，教学过程较为僵化，难以使学生学以致用。应用型高校艺术设计专业基础课的教学，应将学生的理论学习与技能训练更加紧密地结合起来，打破原有的课程界线，以学以致用为目标，构建起一个模块化的、具有充分升级空间的专业基础知识体系。这是一个建立在横向发展的基础知识平台之上，并根据学生的专业差异，向着不同的方向进行纵向延伸的模块化知识体系。这里的基础知识平台，是在对艺术设计专业基础知识进行综合分析的基础上，将其与史论类课程相联系并进行有机的整合，从而使学生能够通过对基础知识的学习，掌握自主地根据艺术规律进行创作的方法，并在造型基础教育的同时进行审美教育，提高学生的审美品位。纵向延伸的知识模块，是在基础知识平台上根据环境艺术、视觉传达等专业方向的不同，通过情境式教学等手段，有侧重地组织课程，从而培养学生的能力和特长，使学生构建完整的技能体系。应用型高校艺术设计专业的课程设置，应根据学生学习阶段的不同进行单元划分，并设置难易适当的基础知识平台和技能发展方向，使整个课程体系呈现完整的网格状结构。这样的课程结构强调基础知识与技能的综合应用，模糊传统课程的边界，以作品的创作为载体，以知识与应用为导向。

按照这一思想，在设置艺术设计专业的课程体系时，可改变原有的设计素描、设计色彩、色彩构成、平面构成、立体构成五门基础课程依次进行的开课方式，将形式基础课与造型基础课相融合，整合课程知识，使之变成一门综合的进阶课程，并以由易到难、由简单到复杂的作品制作为载体，以情境教学为主要手段，将技能与知识的传授紧密地结合起来。同时，在教学准备与教学评价环节，可穿插美术史及美术理论类课程知识，通过与美术史、美术概论等美术类通识课程的横向联系，使学生获得更专业的艺术素质培养，提升审美品位，获得进一步更新知识的能力，以区别于普通职业院校的单一技能教育。在黄淮学院艺术设计专业原有的课程体系中，造型基础一（设计素描）、造型基础二（设计色彩）、设计基础一（平面构成）、设计基础二（色彩构成）、设计基础三（立体构成）五门基础课程是分别开设的，可尝试将其整合为由三级模块构成的课程体系：一级模块包括形态结构分析、形态结构表现、形态表象分析、形态材料表现等内容；二级模块包括基础形态结构主观构建、基础形态全因素创作、复杂形态结构主观构建、复杂形态全因素创作等内容；三级模块包括情境空间综合形态创作（室内陈设、灯光等）、视觉综合表现（主题设定、广告模拟、包装）、工业产品形态创作（日常用品基础结构、外观、材料质感）、建筑形态创作（基础空间结构创作、表面形态处理）等内容。整合后的课程体系由简入繁，结构更为清晰。

作为教学活动开展的重要依据，教材的编选与使用在整个教学过程中起着举足轻重的作用。由于教材的适用性不强，编撰方式过于守旧，导致在艺术设计专业实践内容较多的造型等基础课的教学中，教师重课件、轻教材，绝大部分学生极少看教材，教材逐渐被边缘化。因此，编写更为适用的教材就成为艺术设计专业基础教学应用型改革中的重要环节。根据新的课程体系编写教材，要根据艺术设计专业各阶段的教学目标，尽量增强教材的应用性；应根据新的基础课程构架整合教学内容，以过去的设计素描、设计色彩、平面构成、立体构成、色彩构成等基础课教材为蓝本，以示例作品制作的完整工作过程为基本单元，并融合制作过程中涉及的造型基础技能以及形式基础知识，根据不同工作对象的不同工作内容、工作方法组织教材内容。例如，在“彩色装饰画制作”单元中，应以发现和解决问题为主线，对制作过程中涉及的造型、色彩以及构成知识进行归纳编排，突出真题实作。根据新的课程体系编写教材，课程载体和教学范例的选择要具有典型性，并力求简单，使知识与技法要点一目了然。这样便于教师运用教材传授基本知识与技能，同时充分利用扩展空间，引导学生逐渐加大制作的难度与复杂度，以促进学生充分发挥创造力，提高自主学习能力。在教材的应用上，在用好主干教材的同时，应引导学有余力的学生主动学习相关辅助教材，以提高学生的理论知识水平和自学能力，为学生继续深造打下扎实的专业理论基础。辅助教材的选取，类型不应有局限，可包括学术专著、论文、新闻等，但应注意与课程知识的联系，并以教材为主线由浅入深地展开知识。另外，教师在教学中应引导学生浏览相关网站，使学生在充分利用馆藏图书资源的基础上接触无纸化阅读，从而提高学生的资源获取能力和自学能力。

传统的造型基础课教学一般是将理论教学与画室实践练习相结合，先理论后实践，“讲一讲画一画”。这样看似符合认知规律，但它对学生的理解力与专业基础要求较高，基础素质较差的学生很难有理想的学习效果。应用型教育要求学生有自主理解与更新知识技能的能力和合作交流能力。艺术设计专业人才在项目设计团队中承担着一定的工作角色，能否胜任角色，不仅要看其知识储备和技法的掌握情况，更要看其能否合理、熟练地选择和运用知识技能。而这一人才培养目标，采用传统的“一人一板、画完收工”的课堂组织方式与教学方法是难以达成的。因此，根据新培养目标革新教学方法势在必行。为了增强学生的交流与合作能力，可根据课程内容的复杂程度，将学生分成若干制作组或讨论组并扮演具体的角色，从制定创意计划到创意的实施和总结评价，让学生畅所欲言地交流思想，或通过小组互评查漏补缺，从而不断地完善创意计划。

在这一教学过程中，教师要注重学生的自主学习和小组合作学习，注重学生学习的目的性，并逐渐淡化自己的主导作用；教师要注意通过细心观察发现并及时帮助解决学生在学习中的思路和技术问题，同时归纳典型问题留待下一教学环节重点解决。在布置任务和讲解任务范例时，教师应使用规范的方法与步骤，运用多媒体图片和3d模型，尽可能全面地阐释范例的工作过程及采用的方法，进而使学生明确任务的目标要求。在创意阶段，应以小组为单位让学生将各自的创意以多媒体等形式进行展示，经过小组反复讨论、修改后确定最符合任务目标的设计方案，然后投入作品的制作。作品制作完成后，教师应指导学生构建作品的评价指标，组织学生阐释作品中基础知识与技能的应用情况、作品的组织方式和创作理念等，通过讨论评选出优秀作品，并将典型案例的创意制作过程以视频等形式备案。更新课堂组织方式和教学手段的目的，是为了使学生了解专业工作团队基本的工作与交流方式，加强理论与实践的联系，让学生真正做到“在学中练，在练中学”，同步提高认识能力和实践能力。

作者：赵凌宇单位：黄淮学院。

纵观中国现代艺术教育的百年历史，很多现在的问题早在创办之初就已埋下伏笔。19世纪正是西方工业革命取得大发展，社会财富疯狂增长的时期，中国一批先进知识分子看到的是科学技术在社会生产力发展中的巨大作用，因此请进“德先生”“赛先生”，成为当时最流行的观点，而他们没有看到的是科学技术对人类社会造成的巨大困惑和精神问题，所以才有现代派艺术对工业社会强有力的批判。在这种唯技术浪潮的推动下，中国艺术选择了以技术训练见长的西方学院派写实主义而抛弃了以人文方式培养艺术人才的传统模式（中国古典艺术的琴、棋、书、画；诗、书、画、印；词、歌、赋等综合艺术培养模式）。随着引进苏联的艺术教育体系，各类专业越分越细，各种艺术学科由于各自技巧的差异性被分解成一个个小的、相互间毫无联系的专业，艺术本身的综合性没有了，取而代之的是各种专业艺术院校：舞蹈学院、音乐学院、美术学院、电影学院、戏剧学院。专业化越来越来强，而综合性越来越差，技术越来越好，人文素养越来越低，这种重技术轻人文的思想不仅体现在各级各类学校教育中，而且体现在艺术高考当中。艺术考生的高考文化课分数线比普通考生分数线低1/2或1/3以下，起点本身就很低，再加上大学艺术教育的课程设置的问题，一批又一批生产出来的大学毕业生又将重技术轻人文的思想贯彻到底。在这种体制、这种模式下，怎么能培养出大师呢？其次，现代中国的艺术教育与社会需求是脱节的。一方面，当代艺术中最新鲜的艺术元素无法进入高校。在我们的教育理念中，要进入教育体系的学科必须是一个成熟的学科即以学科为基础的艺术教育，在教育中以伟大的艺术作品作为人类价值观代代相传的载体，这种源于美国的艺术教育理论是具有保守主义特征的，最突出的问题就是对当代艺术缺乏一个评价体系，其新鲜、活跃的因素无法进入高校当中，而进入高校的这些艺术作品，在挑选的过程中标准的把握却是一个问题。所以，当专业院校的学生进入社会后，会有很长一段时期的茫然和不适应，他会发现在学院中学习的实际上有很多是用不上的，稳定、成熟的学科模式在给学生传授着已经老去的东西。重视当代艺术，就是要求重视当代艺术批评在学校教育中的作用。学校艺术教育体系中有三种类型：一是专业院校艺术教育，又被称为“纯艺术”，以培养纯艺术家为目标，目前在专业院校中还涵盖有专业设计类艺术教育；二是普通艺术教育，这包括从幼儿园，中小学到高等院校所有非专业艺术教育；三是师范艺术教育，这在艺术教育中是一个无法回避的问题，即以什么人来教授艺术，行会时期是以工匠师傅来教授，有一段时间是以艺术家来担任，现在由谁来担任呢？在现代中国这三种教育类型的目标定位，课程设置实际上是不清晰的；专业院校的课程设置与师范类艺术教育是雷同的，都以教授素描、色彩、创作等技法课为主，用培养专业艺术底子的专业艺术人才的教学内容，课程结构、教学方法和评估标准来培养普通学校艺术教育的师资力量，艺术实践和技法课程比重过大，而艺术史、艺术理论等文化课程比重不足，使学生所学内容与中小学艺术的教学要求不相适应。将师范类型办成“小美院”、“小音院”，而没有体现其教育科学的特点；其次，由于忽视普通艺术教育使专业艺术院校的学生质量下降。中国高等艺术院校挑选人才是以高考的形式进行的，由于受到升学率的压力，中小学的艺术教育基本上是围着高考的指挥棒转，各类附中、培训班成为了艺术教育的主要模式，而普通生的艺术课在进入初中二、三年级就已基本停止。艺术高考由于文化课要求低，成为大部分学校为文化课差生提高升学率的主要出路，相互之间已形成恶性循环，影响了专业艺术人才的培养和成长。

现在，中国艺术教育存在的问题已经引起了艺术教育界的普遍关注，也有人在开始探索解决问题的办法。笔者认为，要改变艺术教育的现状使其在改革中发展，要解决以下几个问题：一是明确不同艺术教育类型的培养目标，确立不同艺术教育类型的课程设置，评价体系；师范类艺术教育就应体现其师范性，课程设置以艺术史、艺术理论、教育学、心理学等为主，缩小技法课的比例，中央美术学院在进行大规模的二级院校调整中，依然保留教育学院是具有前瞻性的。全面提高学生的综合文化素养；要提倡普通艺术教育，无论是幼儿园、小学、初中、高中都应开设艺术课，而不是只开几个附中、培训班，全面提高学生艺术素养，为高等艺术院校输送优秀人才；加强职业技术类艺术制作人才的培养，着重体现其制作技术，体现短周期、快速培养的特点，职业技术类学校不必要向高等专业院校看齐，但可以考虑为高等专业艺术院校毕业生提供职业技术型训练，从而提高大学毕业生的就业率，实现“双赢”的目标。二是走出艺术教育本身的狭窄圈子，提倡整个学校教育的艺术化教育模式，现代意义上的“艺术”早已超越了传统的内涵，各种技术（诸如声、光、电、多媒体），各种材料媒介，各种观念，使艺术越来越紧密的与现代生活相接合，接受艺术化教育是提升人类自身生存状态的精神因素，而不仅仅体验物质生活带来的虚幻的幸福，是现代艺术教育的方向，也是艺术教育与科学、技术、伦理、人文的全面结合，将艺术教育最终扩展为文化的教育。三是提倡社会化艺术教育。目前在我国学校艺术教育仍是主要的教育形式，应该看到的是许多社会机构具有学校艺术教育所不可比拟的优势，博物馆、美术馆、音乐厅等有着优秀的文化艺术资源并未得到充分的利用；许多机构追求经济利益削弱了社会化教育的功能。现在，许多美术馆定期开办艺术讲座，请名家、教授讲解艺术品。笔者印象最深的是，在中国国家博物馆，有一批文化学者、专家长年担任义务讲解员，为参观者服务。社会化的艺术教育虽还未形成主流，但也将是艺术教育发展的一个方向。

中国艺术教育的改革发展正被越来越多的人所关注，人们也提出了种种改革的设想和建议，无论怎样发展，将来的中国艺术教育将是一种普遍的文化教育。

参考文献。

1聂振斌.艺术化生存[m].成都：四川人民出版社，1997。

2阿瑟·艾夫兰.西文艺术教育史[m].成都：四川人民出版社，2000。

3布朗科赞尼克.艺术创造与艺术教育[m].成都：四川人民出版社，2000。

摘要中国艺术教育的主要问题在于没有以发展的眼光改革传统的艺术教育体制，使艺术教育落后于时代的要求和进步。从学科发展、课程设置、教育理念等几方面剖析艺术教育存在的问题，提出分层面的、具有针对性的不同教育类型的目标定位、艺术教育与其他学科的结合、艺术化教育之路与社会化教育等改革艺术教育的改革思路。

关键词艺术教育问题。

运动艺术概论论文范文一:浅析现代艺术运动对现代平面设计的影响。

论文关键词:现代艺术艺术运动平面设计。

论文摘要:绘画和设计是艺术的重要组成部分,两者虽属于不同的门类,却有着千丝万缕的联系。在创作理念、技法等方面,绘画和设计是互为作用,互为服务的。而现代艺术不是单纯指各种美术流派,它是一种复杂的社会思潮的体现,深刻地影响了西方社会的意识形态,同时也影响到其它领域。现代艺术为平面设计提供了丰富的、更多的形式语言,促进了平面设计的表达和新风格的形成,为现代设计提供了丰富的营养。由此,现代平面设计在自觉的层次上步入了多元化、自主化的境地。

20世纪是一个无法比拟的时代,各种艺术形式在反传统的基础上,呈现出千姿百态的景象,它几乎很难用一种风格和形式进行描述,也很难用传统的观念进行分类。工业技术的飞速发展,不但对社会结构和社会生活带来了巨大的冲击,同时也为艺术家们带来了新的艺术内容和新的表现形式。在1907年到第二次世界大战期间,在欧洲和美国相继出现了一系列的艺术运动,是针对传统艺术而进行全面、彻底的艺术革新运动不仅是对人类文明中从传统艺术的内容、目的价值观、服务对象、表现形式、创作手段到表达媒介的彻底改变,而且也为现代视觉设计领域注入了新的活力,极大地丰富了招贴设计的视觉语言。

立体主义运动从1908年开始,一直延续到了20世纪20年代中期,是现代艺术中最重要的运动,它不仅对20世纪初的前卫艺术家产生了重大的影响,导致了新艺术运动的出现,并且对平面设计从表现形式到思维方式都有着巨大的影响。

主要代表人物是帕布罗·毕加索和乔治·布拉克。他们的创作来自两个不同的源泉,一个是非洲的原始艺术形式,特别是原始部落的面具、雕塑和埃及的出土文物;另一个是保罗·塞尚的静物和风景绘画。20世纪初,当人们还沉浸在传统艺术的浪漫优美的氛围中时,毕加索在1907年向世人展示了“第一件有立体主义倾向的作品——《亚维农少女》,人们被这抽象成几何人形的画面震惊了,这是向传统的审美观进行的尖锐挑战。因为立体主义“否认了从一个视点观察事物和表现事物的传统方法,把三度空间的画面归结成平面的,两度空间的画面。明暗、光线、空气、氛围表现的趣味让位于由直线、曲线所构成的轮廓、块面堆积与交错的趣味和情调”。

立体主义运动分为两个阶段,第一个阶段是1908年到1912年,这时期基本上是毕加索和布拉克的二人活动,后来影响到其他青年艺术家进行尝试,逐渐形成一个国际运动。他们分析绘画中的各种基本组成元素,对于色彩、形式、结构都提出了具体的分析原则,在绘画上逐步走向理性分析的方向,称为“分析立体主义”时期。毕加索还开始尝试把这种思维方式、观察处理艺术状态的方法用在雕塑上,受他影响的几个前卫雕塑家推动了立体雕塑的形成。

第二个阶段是从1912年开始的,立体主义往更主观、更抽象、更复杂的方向发展。毕加索开始尝试使用新的媒介进行拼贴,他在作品中使用旧报纸、海报残片、废弃的公共汽车票等,之后还使用了木片、沙、金属等材料在作品中进行拼贴。这是绘画史上第一次使用其他材料,通过不同材料的组合和造型,达到和谐的艺术效果,被称为“综合立体主义”时期,开创了绘画渐新的方向,表现方式使艺术家空前的自由。

立体主义在造型、空间的处理手法上,新材料的运用方面都给现代平面设计带来了新的启示。在进入了综合立体主义阶段后,利用多种不同素材的组合去创造一个新的形象,开始使用拼贴来进行表现,强调肌理和色彩的质感。传统的写实的、具象的形象被抽象的几何化的形象代替,新材料拼合出色彩和肌理都逼真的形象,创造出新的平面设计语言。抽象的几何形态,多视角的画面,不同空间的物象组合,新材料的运用,拼贴手法的使用,为现代平面设计提供了新的创造元素,极大地丰富了平面设计语言,开拓了新的设计思维。无论在当时,还是在今天的招贴设计和平面设计中,我们仍然可以看到立体主义的影响。

未来主义于20世纪初在意大利兴起,它是涉及到绘画、雕塑和建筑设计等领域的一场影响深刻的艺术运动。它崇尚机器速度,抛弃传统的趣味,反对一切模仿的形式,对抗和谐与高雅的趣味,否定艺术批评的作用,对达达主义运动和构成主义运动都有着深刻的影响,并且为现代平面设计提供了高度自由的设计方式。

未来主义的代表人物为意大利诗人费里波·马里内谛,他于1909年2月份在法国报纸《费加罗报》上发表的《未来主义宣言》为标志,成为未来主义运动的奠基人。他认为应该庆祝速度、战争和暴力,这些活动才是代表未来的实质。他反对任何传统的艺术形式,认为真正艺术创作的灵感来源应该是意大利和欧洲的技术成就,而不是古典的传统,应该歌颂技术之美、战争之美和速度之美。

未来主义摒弃一切传统的绘画方式和表现手段,强调艺术反映工业时代的现代感,致力于通过表现运动和速度来展现工社会的审美观念,赞美机器、运动、速度和暴力。未来主义一面吸收了分析立体主义用分解物体的方法来表现物体的运动感,另一方面借鉴了新印象主义点彩的绘图技巧,用线和色彩表现连续的层次组合和一系列重叠的形,还经常把同时发生的各种现象放在一幅作品中,来表现物体运动时的情景,用无拘束的构图,狂乱的线条和笔触表现物象的运动感和速度感。巴拉的代表作《链子上一条狗的动态》体现了未来主义的风格,描绘的是奔跑的狗和女人的足,用重复的形来表现物象的运动,将奔跑的狗连续运动时在不同的时间腿部的动作瞬间定格在一张画布上,这些动作瞬间就会凝固成一个个变化阶段,这是未来主义艺术家以静态的手段描写动态物体的积极尝试,对后来超现实主义、达达主义等画派产生了直接的影响。

对于平面设计来说,未来主义主张利用抽象元素在画面中的穿插、重叠,以及线的力量来表现作品的运动感、速度感和力量感。他们对字体设计、字母形态及组合构成有独到的见解,强调对时代和生活的感受、内容和形式的统一,把平面设计的内容通过具体的画面形式表现出来。通过图形、文字、色彩等要素体现出力量感是未来主义平面设计的风格,未来主义诗歌和宣传品的设计是他们平面设计风格的典型表现。马里内谛正于1913年6月份在《拉谢巴》刊物上发表了一篇文章,宣传他的平面设计观点,他认为新时代的语言应该是不受以前规律限制的自由组合。在版面编排上,他也主张推翻所有的传统的编排方法,以完全自由的方式取代。他在其中一页上发表了自己的诗歌,完全违反语法,编排自由,纵横交错,杂乱无章,字体各种各样,大小不一,在版面上形成一个完全混乱的,无政府主义的形式。从这里开始,意大利未来主义形成了自己的平面设计风格,称为,成为“自由文字”。马里内谛任认为诗歌额其他文学作品首先应该是解放作家自己的手段,解放的内容包括从语法中摆脱出来,从陈旧的版面编排控制下摆脱出来。他的这一主张,在未来主义艺术家这一时期设计的招贴画、书籍和杂志中得到充分发挥。

未来主义艺术家对艺术和人类文化的进步,持乐观积极的态度,他们是现代机。

器文明和技术进步的狂热歌颂者和崇拜者,对现代艺术的贡献也并不只是艺术风格、形式语言的创新,其重要性更体现在激进的艺术主张,,以及自由不羁的无政府主义的宣传所引发的强大感染力与煽动性。未来主义在平面设计的形式上给后来的现代平面设计提供了高度自由的编排借鉴,而且还影响着计算机出现以后的当代平面设计。三、达达主义(dada)。

达达主义是第一次世界大战期间,一群对社会前途感到失望和困惑的小资产阶级知识分子首先在瑞士苏黎世,之后在德国的柏林,法国的巴黎和美国的纽约发展起来的一个高度无政府主义的艺术运动。他们用偶然在字典上翻到的词来称呼这一艺术运动,主张用消极的无政府主义和破坏形式来表达他们对以前的艺术,现实世界和战争的反映,以批判的观念重新审视传统,对艺术的准则进行瓦解和嘲讽,力图反主流文化和彻底解放视觉的想象。达达主义反对所有的现存艺术,反理性,认为世界是没有任何规律可以遵循的,唯一可以遵循的是机会和偶然性。达达主义具有强烈的虚无主义特点,是知识分子在特殊情况下的一种个人情绪的宣泄,对20世纪的艺术和平面设计都产生了深远的影响。在破坏意义上的达达精神的真正先驱是制作现成品的马塞尔·杜桑,他曾用立体主义语言创造过经典的绘画《下楼梯的裸女》,用静止的形象记录传达了运动的可能性。他的惊世骇俗的“作品”是在1917年用小便池制作的“泉”,引起了极大的哗然;另外还在复制的蒙娜丽莎脸上加上两撇胡子的画等。他以坚定不移的自我逻辑和杰出的禀赋,将他艺术家的命运贡献给了颠倒的、贬义的、反艺术的、甚至非艺术的美术原则。但他是艺术与生活融合的主倡者。

德国汉诺威的诗人兼画家库特·施威特是达达主义平面设计的代表人物。他的版面编排随意,强调艺术视觉效果,版面没有实质的内容,且大部分的版面内容都难以读懂,但是他的版面排版工整,并经常使用象征的版面设计手法,追求完全自由与偶然性法则相互作用的创作方式。同时,他还大量利用各种平面印刷品、照片进行随意拼贴、拼凑,是照片拼贴设计的重要早期探索人物。

达达主义对现代平面设计的影响是从形式上开始的,他的对现成品使用的随意性、偶然性,成为现代平面设计创造语汇与表现手法的能源。达达主义对意大利未来主义的精神和形式进行进一步的探索和发展,继而又为超现实主义的产生奠定了基础。

超现实主义运动是1920年出现在法国的一个重要的现代艺术运动,超现实主义在文学、喜剧和艺术上都有不同程度的发展。第一次世界大战给欧洲文明造成了巨大破坏和损害,使大批知识分子感到茫然,出现了虚无主义思想。他们以为所谓的真实表象都是虚伪的,要了解社会的真实,只有艺术家的自我感觉可以依赖和信任,这种思潮很快得到其他艺术家的认同,发展为一个运动。1924年,安德烈·布里东发表了一篇名为《超现实主义宣言》,宣告超现实主义的开始。超现实主义继承了达达主义对社会现实的批评态度,对于字体、文字、文学的表达方法、语法规律,文化、美学持否定态度,对奥地利心理学家佛洛伊德·西格蒙德的心理学研究倍加赞赏,声称要进行精神领域的革命,主张发觉未开发的想象,幻想的心灵世界,全面地解放思想。超现实主义是非理性的,更强调无意识是一种与理性思想相分离的意识流。超现实主义不仅是一种美学风格,还是一种认识方式,一种生活方式。

超现实主义有两个着名的大师——萨尔瓦多·达利和琼·米罗,二个人都是西班牙人,却代表了超现实主义两种相反的表现方向。达利以写实和近乎摄影搬的形象来尽力捕捉他梦中的感觉,梦中所看到的景象,让不可能的现实变为一眼目睹的真实;而米罗则采用抽象的纯视觉语言进行创作,最大限度地发挥想象力,去完成作品的释读与理解。他们把现实观念与梦境幻觉及本能潜意识等结合起来,不受逻辑和现实制约,由非理性的联想来指导并表现原始的冲动和主观意象,营造现实中不可能存在的形象和环境,以达到超现实的境地。超现实主义对平面设计的影响是多方面的,首先,它为平面设计提供了一个新的美学风格:那种看似真实的、光怪离奇的形象之间非逻辑的联系,有一种怪诞的、神秘的美;其次超现实主义还为平面设计的创意提供了一种认识世界、感觉生活的新思维。

平面设计中常常把毫不相关的物象组合在一起,强调主观比喻,或者采用荒诞、夸张的手法呈现出超现实主义的梦境,进行主题表达和信息传递。同时,超现实主义非常具有表现力的写实技法和儿童般天真的抽象、半抽象的神秘有机形为平面设计广泛运用,其强烈的视觉形象对平面设计造型、表意、信息表达都具有很好的作用。超现实主义作为一个运动已经逝去,但它为后来者建起了一座丰富的创意宝库。

以上几种西方的艺术运动不仅仅是绘画方面的成就,绘画所体现出来的艺术观念、审美精神也影响了现代设计的发生和发展。绘画和设计本是一家,只是在当今社会发展之下被赋予了不同的功能。绘画是设计的视觉准备,不仅给予设计造型的方式产生提供了直接或间接的借鉴意义,同时绘画的美感知觉也可以培养学生感受美的能力,提高品味美,为设计打好基础。设计在飞速发展的今天被赋予了很大的商业价值,成为产品宣传的最有效途径;设计也可以激起学生的绘画热情,可以使绘画变得精致细腻合乎现代人的审美。因此,设计和绘画可以进行互动性教学,在互动中激活有灵感的创意,从而做出有创造性的作品。

参考文献:。

[1]王受之.世界现代平面设计史[m].新世纪出版社,1998.

[2]詹文瑶,李敏敏.现代平面设计简史[m].重庆大学出版社,2006.

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[6]李瑛.论西方现代艺术运动对平面设计的引导作用[j].大众文艺.

运动艺术概论论文范文二:现代标志设计风格演变趋势的研究。

摘要:标志设计是艺术设计的一个重要门类,在人类生活的多个方面都发挥着各种重要的作用。随着时代的发展和社会的进步,标志设计已成为最有效的手段之一的视觉通信,本文旨在论述新时代背景下标志设计的新思路,以国内外的大量成功的设计作品为例,从剖析基础知识入手,用图文并茂的方法加以详细说明,使大众能够熟练地掌握有关现代标志设计的概述、历史发展趋势、美感特征、设计准则、表现程序等。

关键词:现代标志设计;发展趋势;风格演变。

第一章绪论。

1.1课题的来源及研究现状。

了当时整个社会的历史文化状况。我们在进行现代标志设计时可以借用象征意义的原始符号体现某种意趣、情感和思想;或者将原始符号的某些元素进行变化、重组和出新,使其具有传统的形似和神韵,又有现代设计的意味;或是将传统图形渗透于现代标志设计的方法之中,进而体现出某个地区、某个民族的气质、精神和理念。在设计过程中,不同设计领域风格的融合已经成为设计风格变化的主题之一。现代标志设计就是在方寸之间尽显无尽的意趣和思想,在交流与交换中传达出很强的符号性和象征意义。然而随着时间的推移,空间环境的变化不断改变着人们的生活理念和审美心理,而整个设计世界的设计趋势则出现了“反国际化”的现象,倡导具有地方特色和民族特色的设计,一个新的设计风格不断涌现,日趋多样,这同样在标志设计中表现出来。

1.2课题的意义。

旨在论述新时代背景下涌现的标志设计新思维,分别从标志设计的表现手法、历史文脉的继承、消费者情感需求、及后现代标志趋向方面予以阐释,归纳出具体新趋势和表现风格,希望对现代标志设计的研究知识和实践具有一定意义。

1.3课题的研究方法。

本论文以国内外大量成功的设计作品作为实例,从剖析基础知识入手,用图文并茂的方法加以详细说明,使大众能够熟练地掌握有关现代标志设计的概述、历史发展趋势、美感特征、设计准则、表现程序等。同时又借助优秀案例生动具体地帮助读者掌握如何赋予简洁的标志图形以丰富的内涵,以及如何把图形所承载的信息以恰当的、生动的形式传递出来。

第二章概念与定义。

2.1标志设计。

“标志是用以区别个人或集体所提供的商品及服务的标记”。它是根据人类生产、生活实践的需要应运而生,既是一种知识产权,一种脑力劳动成果又是工业产权的一部分。是现代经济的产物,它不同于古代的印记。

2.2现代标志设计。

现代标志设计是一种特殊文字和图像组合起来的的大众传播符号,它能够借鉴和运用原始符号并给予原始符号以更高的艺术境界,原始符号是人类有记载以来为了交流、记录的需要而创造的一种视觉语言。原始社会中,一些部落的图腾、手工艺品及其物品的符号和记号都是现代标志设计形成的萌芽,它们都代表着群体文化,这类标志、符号和记号并非是一种纯装饰的纹样,它们充满了部落信仰和传统观念,凝结了原始人一定的动作和目的,反映着社会历史的内容和各种含义,表现着一个地区的发展进程。

2.3现代标志设计的特性。

一、多元化特征更为鲜明。

进入新世纪以后,包括美术和设计在内的多种学科,都呈现出了鲜明了多元化的特点。这种多元化特征的表现是一个包含从创作到接受的体系。在创作理念、创作手法、创作效果、审美接受方面,都会有多种理念和多种风格。多元化特征出现的原因是多方面的,包含时代和社会、创作者自身和接受者等多个方面。可以说,多元化的设计理念和表现手法,导致了标志设计作品的多元化艺术特征。这就要求设计师建立一个多元化的理念,不能局限于一个特定的风格和理念中,而是通过不断学习,建立一个多元化的设计概念,掌握多种设计方法,才能设计出具有时代感的作品,被更多的人所接受。倘若对于多元化这种发展大趋势持一种抵制和逃避的态度,则无异于一种固步自封,所设计出来的作品,也难以得到多数人的认可。

二、注重民族化的坚持和表达。

多元化的发展趋势在丰富了设计本身的同时,也带来了一些不利的影响,即设计出来的作品过于的主观,大多数人在面对作品的时候,很难找到一个认同的基点,导致标志内涵的传达受到了阻碍。民族性,是一个民族所特有的民族情感、民族审美、民族文化的集合体,在标志设计中融人民族性因素,无疑是激发起观众认同的最佳选择。同时,越是多元化的发展,越需要强烈的个性化因素,民族性正是一个民族区别于其它地区和民族文化艺术的本质区别所在。

三、人性化需求将更加强烈。

现代社会的快速发展,在获得了巨大物质财富的同时,也在客观上造成了人与自然的异化,人与人之间的冷漠,以及人们对于情感的沟通和思想的交流,要比以往任何时候都更为迫切。所以现代标志设计中,要体现出一定的人为因素,在设计时要从欣赏者和消费者的角度进行考虑,注重作品和受众者之间的情感交流,这种人性化的关注,将会使作品本身的所传达的信息更为流畅,从而让受众者印象深刻。因此人性化的表现,已经成为当前标志设计中一个重要的环节,只有充分考虑和估计大众的心理需求,将情感因素倾注于作品中,才能创造性的提高设计主题的传达功效和诉求目的。

四、设计要体现出强烈的视觉感。

现代标志设计种类繁多,要想让标志设计达到让人瞩目的效果,就需要注重标志设计作品的视觉冲击力,从而给观众留下深刻的印象,达到一种出奇制胜的目的。这种具有强烈视觉感觉和非常时尚的现代标志,具有吸引观众的独特优势。它不但可以使用视觉艺术上的魅力来吸引大众,还可以用标志所暗含在内的意蕴,达到在最短暂的瞬间示人以理、动人以情,在情理的结合中呼唤观者的共鸣,从而震撼观者的心灵。综上所述,21世纪,人类社会迎来了前所未有的巨大变化,标志设计的作用也越来越重要,在很大程度上影响着人们的生产和生活。作为从事标志设计的设计师和教育工作者来说,要深刻认识时代发展形势对标志设计的新要求,及时调整自己的观念和思路,使标志设计能真正适应时代的要求和社会发展,促进艺术不断的发展和进步。

2.4当代标志设计发展趋势标志设计未来的走向,其实每位设计者都会有自己的看法。我在这里提出的是我经过长时间观察和积累的一些经验和总结,希望能结合我自己一些近期的作品对标志未来设计的特点做一些自我看法的总结。标志设计发展到近代已经相当成熟,主要体现在其艺术性、标准性、应用性。而下面我将介绍和分折的标志更冲破了某些束缚、更大胆、更前卫。更能掠夺你的说视线。

在设计上有以下主要方面:。

三维造型的广泛应用:标志更加立体化,通过前所未有的立体造型传达更强的视觉欣赏视觉信息三维造型,标志还可以在更加细致的区分为几种层次上的立体造型。

材质和光泽的应用:标志摆脱以往纯色填充的约束,具有更丰寓的材质和光泽,这种设计风格还受到其他邻近设计领域风格的影响。

更复杂的生动形象:标志设计的对象不再只有死板的简约造型,更具艺术性和表现性的形象层出不穷。设计素材的来源大大被丰富了,甚至在某种程度上借鉴了插画设计的风格。

第三章现代标志设计风格演变趋势的研究。

3.1包豪斯前:新艺术运动。

新艺术运动是流行于l9世纪末20世纪初的新型设计运动,同时也是一场设计的运动与变革。持续时间大约20年,盛行于西欧,席卷美国,涉及了家具、印刷、服饰、建筑、绘画、文学、舞蹈、平面设计等多个领域。在发展过程中深受工艺美术运动、象征主义、自然主义和东方艺术等多种风格的影响,引起了人们在生活方式、思想意识、审美标准和艺术观念等方面的重要改变。新艺术运动反对传统复杂的装饰风格,反对工业化生产,反对直线装饰,强调自然主义,迷恋乡土风格。其目标是创造一种全新的视觉语言,是传统装饰风格向现代主义风格过渡的桥梁,是一次不成功的设计改革,可以看作是现代主义设计的试金石,在世界设计史上具有十分重要的地位。

新艺术运动旨在源于自然却又回归自然,人与自然和凿相处。以“回归自然”为设计口号,将自然、空间、表现的设计的要素融入设计中,表现出灵动自然的艺术本色形式。艺术设计的精髓在于给人们美的视觉冲击的同时,将设计理念融入自然,使人们从心灵和精神上带来极大的丰富和充实。

3.2包豪斯。

学院。作为跨时代的设计主义,包豪斯设计理念对现代艺术、建筑及各大设计领域产生了深远的影响。包豪斯为现代主义提供了清晰明确、耐久实用的设计原则,追求经济、简洁与实用功能。无论是建筑设计、室内设计、平面设计、或是家具、餐具设计等,均随处可见包豪斯设计理念的呈现。因此,包豪斯设计理念实际设计中应遵循以下戒律:1包豪斯设计戒律一:形式追随功能(formfollowsfunction)。

的平面分割,给予版面设计以新的形式基础,并且每一个排版作品都需要将其版面内容结构化。这种结构化的艺术创造直觉,类似于构成主义和具象几何艺术,但这种系统化分割版面的设计方式,最终被发展创造为用来整合图片、文字等图形元素的现代格式手段,被称为瑞士版面设计。这种版面设计手段不是简单地把文字和图片并列放置在一起,而是从画面结构中的相互联系发展出来的一种形式法则。它具有严密的文字和图片设计方案,贯穿全书的统一的版面设计风格。而这样做的结果是使版面设计作品重视比例感、秩序感,具备清晰感、准确性和严密性。于是,形式与功能得到前所未有的统一,所有的设计元素——字体、图片之间的协调一致成为可能。

2包豪斯设计戒律二:忠实于原材料(truthtomaterials)。

包豪斯提倡让每一种材料保持本色——不要把塑料伪装成木头、织物或者毛皮。正如在我们国家随处可见的公园扶手和山路上修建的栏杆,硬是把水泥实心的扶手栏杆伪装浇筑成木头的材质,显得与自然环境极不相容还有形形色色的假花儿、塑料花儿,充斥着各式各样的环境空间。木头就是木头,植物就是植物,包豪斯认为,最简单的真实,有着最简洁的美。这种简洁的美是可以被人们感知的。平面设计中的美感是通过印刷介质——纸张来传递美的。“纸的尺寸和比例自身是不能产生美感的,只有通过所有视觉元素的结合才能产生审美欣赏的对象。”对平面设计来说,这意味着所有设计元素和材料的结合,纸质材料选择及其传递出的触感与温度,以及纸张的尺寸和比例;版面字体的选择与运用;插图、墨色的选择等,最终构成版面美感的将是印刷区域与未印刷区域的关系,所有这些材料与元素都是部分与整体的关系,构成它们之间美感的要素就是各部分的和谐统一。

结论。

综上所述,21世纪,人类社会迎来了前所未有的大变革,标志设计的作用也越来越重要,很大程度上影响着人们的生产和生活。作为从事标志设计的设计者和教育者来说,要深刻认识到时代发展形势对标志设计的全新要求,及时的调整自己的观念和思路,使标志设计能够真正适应时代和社会发展的需要,推动这门艺术不断的发展和进步。

任何设计都要紧跟时代,标志设计也不例外,一种设计风格会因为社会历史背向的变化而被另一种设计风格所取代,这是不可避免的发展趋势。时代提醒我们,这是一个显示标识个性化的设计时代,设计师要注意世界前进的每一步。现代标识设计的信息化、视觉化、现代化将是当前的世界潮流。

总之,我们进行现代标志设计时,除了把握标志所要传播的信息要点,还要谨记以上八项准则,标志设计也在不断地更新、变化中,我们要与时俱进地设计出更好更有创意的高品质标志。

色彩艺术概论论文怎么写篇九

女校教育要突出女性特色。在艺术概论课堂教学中，要充分认识到艺术类女性心理思维的特点，形成合理有效的教学机制，从而提高女大学生的女性修养、艺术修养，增强女大学生的审美能力。

高校艺术类专业所开设的《艺术概论》课程，是一门对艺术的基本原理和规律进行阐述和研究的理论课程。它涉及到艺术本质、艺术门类、艺术创作、艺术流派、艺术鉴赏、艺术的美育功能等等内容，是一门具有系统性、综合性、基础性的艺术理论课程，是艺术类专业学生的必修课。学习《艺术概论》对学生的抽象思维能力的发展、透过各种艺术现象达到对艺术规律的认识与体悟以及提高自身的艺术理论能力、指导今后的艺术实践、提高自身的艺术修养是必不可少的。

由于这门课程的理论特征很强，对于平时注重技法的训练且文化基础较为薄弱的艺术类专业学生来说，是一门让他们觉得陌生、复杂而且很难让他们感兴趣的课程。有的学生认为艺术只需要个体凭感觉去体会和感悟，做出自己的审美评价就可以了，所以学太多理论是没有必要的；有的学生则感到教材的内容晦涩难懂，不知所云；有的则认为艺术理论对艺术作品和现象的分析往往过于高深，有牵强附会之嫌等等。所以尽管这门课程内容广泛、内涵深刻，但却不容易达到满意的教学效果。因此，如何最大限度地调动学生的学习积极性，消除畏难情绪，使学生在审美和交流的氛围中学有所得，提高艺术理论水平，增强学生的综合素质和激发创造潜能，是我们需要努力的方向和探讨的问题。

笔者认为首先是要为学生设计合适的教学内容。教材是学生学习的基本依据，但是我们也要看到，目前本课程的教材还欠缺科学性和系统性。由于对艺术本质、艺术规律等基本问题的研究都还在进行之中，因此如果就把现在所普遍使用的省部级艺术类通用教材或其他教材就作为一种金科玉律传授给学生，那将造成误人子弟的后果。事实上，已有不少专家学者对这些通用教材中所出现的比较明显的错误进行了批驳和指正。所以，我们在教学当中，对教材的处理要有轻有重，精泛结合。还要根据学生的专业特点、艺术技能水平、智力和心理能力等因素来进行教学内容的设计。

二是要对教学方式进行改革。过去上理论课，多数都是由教师一人从头讲到尾，形成所谓的“一言堂”或“独角戏”，学生大多不能自觉的专心听课，参与感和被认同感缺失。而从后现代的教育理论中我们得到这样的一些启示，那就是要打破师生间的施教者和受教者的壁垒，构建平等交流、共同学习的这样一种学习氛围。而要创设这样一种学习情境，就要多进行集体讨论和师生对话。可使用演讲课、讨论课、辅导课、主题讨论等等方式，来调动学生参与课堂学习的积极性。我们要通过恰当的设置问题，将要讲解的学习内容转化为学生想探究的内容，并鼓励学生大胆发表观点或进行争论、各抒己见。通过这样平等的对话增加学生的学习兴趣，活跃学生的思维，让学生把“死”的知识能用“活”，把外在的知识内化为自己的知识，把深奥的艺术理论化为能够指导自己进行艺术创作和鉴赏的有利工具。

其次，充分利用多媒体课件和网络来进行教学也是本课程改革的一个重要内容。《艺术概论》这门课程的内容跨越古今、贯通中西，各种主要艺术门类都囊括其中，因此它需要大量的艺术资料来支撑。而枯燥的理论如果失去了鲜活的载体，也容易让学生感到乏味和难以理解，所以将多媒体引入《艺术概论》的教学是势在必行的。当教师制作出精美的课件，利用声、光、色、影像等对学生的感官和大脑进行全方位的刺激的时候，学生就比较容易受到艺术的感染和审美的熏陶。而当看到每一条理论的分析都有大量的艺术作品作为实例时，也能帮助学生更好的理解教学内容，并大大提升学生对理论的信服感。网络教学我们现在还运用较少，这和目前现有的教学条件有关，但是充分利用网络来进行教学也是今后发展的一个方向，当然这首先需要建立强大的课程资源库，将本课程的课件、影像图片资料、参考书等教学资源整合起来，让学生能够随时获得学习的机会，这将会大大提高学生的学习效率。

此外，还应组织学生到当地的博物馆、文化馆、画廊、音乐工作室等或其他有丰富艺术资源的场所，去身临其境的体验艺术，感受艺术，将理论的学习与实际的生活联系起来，将学习环境从教室扩大到艺术场所和生活中，从而真正丰富学生的艺术感觉，促动他们更好的学习理论知识，来分析艺术作品、艺术现象和进行艺术创造。